Sinopsis: Baillie recoge todos los elementos visuales y sonoros de una refinería en California, a través de este documental no-narrativo, apreciamos las sensaciones y vivencias de esta calle, la Castro Street.
Estar solo y sentirse bien es un arte. Probablemente muchos rehuyen de la soledad porque ésta implica estar consigo mismo, reflexionar y conocerse.
Los oficios creativos requieren soledad; en el caso particular de la escritura, es necesaria para estimular el pensamiento y fijarlo en la redacción.
Henry David Thoreau dijo “en la medida en que alguien simplifique su vida, las leyes del universo parecerán menos complejas, y la soledad no será soledad”.
El escritor estadounidense Don DeLillo afirmó que “un escritor toma serias medidas para asegurar su soledad y luego encuentra la forma infinita de despilfarrarla”.
En esta etapa de las comunicaciones pareciera que estamos obligados a la compañía, no sólo presencial sino también virtual. Si la verdadera soledad implica reflexión, habría que revalorarla.
En este video, se pide al cineasta Andrei Tarkovsky, que aconseje a los jóvenes. Esto fue lo que respondió:
“No sé, creo que me gustaría decir solamente que deberían saber más sobre estar solos y tratar de pasar el mayor tiempo posible consigo mismos. Me parece que una de las fallas de los jóvenes es que intentan reunirse alrededor de eventos que son ruidosos, casi agresivos. En mi opinión, este deseo de reunirse para no sentirse solos es un síntoma desafortunado. Cada persona necesita aprender desde la infancia cómo pasar tiempo con uno mismo. Eso no significa que uno deba ser solitario pero no debería aburrirse cuando está solo porque la gente que se aburre de sí misma, para mí, parece estar en peligro, en cuanto a autoestima se trata”.
*Tomado de :http://pijamasurf.com/2013/03/consejos-de-andrei-tarkovsky-para-jovenes-que-temen-a-la-soledad-video/
"Los medios violentos nos darán una libertad violenta."
Mahatma Gandhi
El documentalista sudafricano Riaan Hendricks, tiene en su haber una veintena de trabajos audiovisuales en los que además de dirigir también ha editado y participado de diversas maneras; sin embargo, su reconocimiento se ha dado a través de los documentales observacionales, oscilando entre lo político y lo personal; un realizador que siempre está en los límites del género por su mirada de "realismo subjetivo" y la cercanía con sus protagonistas, como en el caso de The devil´s liar, el documental que pudimos observar en el Cineclub de la U. Central y la película de cierre de este festival - en la cual se contó con la presencia del productor Neil Brandt, el cual nos contó no sólo las complejidades de la producción, sino los límites éticos a los que se podía llegar con este trabajo, además de la realidad sudafricana, en especial la de esta zona y de cómo son tratados los criminales, así como tantas otras situaciones que en cierta forma, no se alejan de la realidad colombiana.-
El documental nos muestra el día a día de Braimm, líder de una pandilla local en la comunidad de Cape Flats, hombre de familia, "drug-dealer", que junto a los Nice Time Kids, debe luchar contra otras bandas rivales, llevarle comida a sus tres hijos y demás situaciones que abarcan no sólo su oficio sino la contradicción misma de evitar que su familia quede en el medio de este problema.
Con ecos del cinema verité, este trabajo se convierte en el retrato de un hombre que no sólo es consecuencia de los problema de violencia en Ciudad del Cabo, sino de las mismas complejidades legislativas de este país; aún así, no se puede olvidar o dejar de lado, que es un retrato honesto de un hombre acostumbrado tanto a esta violencia como a los códigos de las pandillas, el honor y supervivencia que marcan la existencia de estos personajes.
Si en algo destaca este trabajo, es en su construcción visual, no sólo los claustrofóbicos planos sino la oscuridad de éstos, la cercanía de la cámara y lo cerrado de las angulaciones y encuadres, dándonos a entender tanto el encierro al que deben estar sometidos estos personajes como a la desesperanza en la que viven.
Otro elemento a destacar es el sonido, principalmente el ambiente, que se conjuga de forma inteligente en el montaje, generando tensión y entrando constantemente en contraste con la imagen, dándole mayor fuerza y generando a la vez cierto choque pero evitando una crítica o juicio de valor, es más un valor técnico o estético, que funciona bastante bien con esos planos cerrados y un montaje que se aleja de efectismos, y que más bien se decanta por mostrar esta realidad, en la que nos hacemos participes y testigos de esta familia, amigos y violencia, que parece ser el pan de cada día de esta comunidad, una de as más peligrosas del mundo.
Aunque el documental no intenta dar respuestas o consejos sobre qué debe hacer Braimm, y nunca cuestiona la vida de éste y su familia, finalmente los procesos de violencia, las heridas, su miedo a volver a la cárcel, hacen que el protagonista intente darle un nuevo camino a su vida, darle una luz de esperanza a su familia, pero todos sabemos - y el productor lo confirma- que no es un hombre que vaya a cambiar, su naturaleza y el ambiente mismo de crianza, de comunidad, han marcado a este padre de familia, vendedor de drogas, esposo, asesino y líder de una pandilla que cree en sus códigos muerte.
Un documental recomendable por su misma estructura, por la complejidad del personaje, y porque desafortunadamente, es una realidad que conocemos, pero el tratamiento del director, no sólo es neutral y bastante "humanista" con estas vivencias sino con el propio Braimm - que además de amigo, tuvieron la misma infancia -crianza-, pero cada uno escogió un camino diferente-, y aún así deja el suficiente margen para que el espectador se forme sus propia idea tanto de lo que sucede en Cape Flats, en Cape Town y en otras realidades tan cercanas a las nuestras.
Zoom in: Varios premios nacionales e internacionales, el más importante el PUMA Britdocs y tantos otros, todos en el genero documental.
Montaje Paralelo: La Sierra (2009) - Documental observacional -Pandillas
"Dejando la verja montañosa, encontré ha Japón. Canciones en los recogedores de hoja de té."
Tagami Kikusha
Primera película que veo de la directora vietnamita Trinh T. Minh-Ha, que desde los años 70 vive en los Estados Unidos donde no sólo se formó como artista musical y literata sino que se acercó al mundo cinematográfico, donde ha tenido gran reconocimiento por sus documentales de corte etnografíco, que rompe con las narrativas, en un estudio que va de la mano de la exploración y las concepciones literarias. Esta multidisciplinaria creadora, además de documentales, es una celebrada e importante escritora, compositora y autora de libros sobre ciencias sociales y teoría cinematográfica, y es una de las invitadas que hace parte de la retrospectiva del festival Beeld vor beeld.
Docente universitaria, enfocada en las políticas de género, postcolonialismo y artes relacionadas a estos temas, en donde las teorías feministas, políticas culturales, investigación y exploración, son fundamentales, y en cierta forma se convierten en autobiografías y ensayos, donde nos acercamos a la mirada y voz de esta mujer, como lo hace en el documental The Fourth Dimension, una "revisión del Japón a través de su arte, cultura y rituales sociales" como específica el folleto del festival.
Totalmente alejada de los parámetros narrativos, explorando citas filosóficas, y mostrándonos un Japón desde la perspectiva de la directora/protagonista, este documental, mucho más cercano al ensayo cinematográfico, no sólo se cuestiona el papel del audiovisual sino de la mirada y la percepción tanto antropológica como del mismo "retrato" de una ciudad vista por un extranjero, y lo que conlleva estas situaciones.
Si bien es cierto, que es un trabajo manifestado como videodiario, es así mismo una serie de pensamientos que esta directora pone en pantalla tanto a través de la imagen como de citas y otras proyecciones que retan al imaginario y al lenguaje fílmico.
Con una cámara casera, edición sencilla, la directora vietnamita establece puntos referenciales en su obra, convirtiendo estas herramientas en una especie de libreta de apuntes, de memorias que que se establecen como estudio y parte de sus propias ideas.
A pesar de lo interesante de su propuesta, y de revisar lo que está detrás de este proyecto, también debo reconocer que es un documental complejo de ver , y que carece de cierta empatía, sin embargo, el trabajo de esta directora es bastante recomendable, su replanteamiento del documental, la desconfiguración de los parámetros narrativos y visuales le dan otra identidad al llamado cine de noficción, y es donde podemos comprobar, que el documental es el cine donde mayor exploración, investigación y posibilidades, tienen cabida.
Un trabajo que se debe observar como renovación de los lenguajes, en este caso no sólo audiovisual sino de otros campos como la etnografía, antropología y lo cultural, y esto es lo que finalmente le da un valor adicional a este documental que sabe plantearse o intenta "replanificar" otras visiones sobre cómo percibimos al mundo, a el tiempo y lo ritual, lo ceremonial que de todas forma se va construyendo en la misma imagen, o sea, sus propios planteamientos se reflejan en estas estructuras y recolección de situaciones, que en este caso, es el Japón contemporáneo.
Zoom in: Primera incursión de la directora en el video digital
Neil Brandt, productor de The Devil´s Lair (Surafrica)
izq. Andrew Tucker (El viaje del acordeón) y Neil Brandt
El cierre del festival estuvo a cargo del documental sudafricano The Devil´s Lair, con la presencia de su productor Neil Brandt, del director del festival J.W Meurkens y de Andrew Tucker, co director de El Viaje del acordeón, además de presentarnos la película, tuvimos la oportunidad de escuchar, de boca del propio productor, las dificultades, complejidades de realizar este documental, que muestra la vida de un hombre ligado a la vida criminal, en un suburbio peligroso y violento, que además debe convivir con la idea de mantener y cuidar de su familia; Brandt no sólo nos indicó todo lo relacionado a la producción sino cómo se realizó éste, la cercanía entre el director Riaan Hendriks y el protagonista del documental - amigos de la infancia- y lo que esto significó para el resultado de esta obra; igualmente nos habló sobre los códigos éticos director - crimen - película, y una gran variedad de detalles de lo que sucedió en esos tres meses de rodaje, de los 18 que tomó financiar y llevar a cabo este proyecto.
*El uso de las imágenes, logo y participantes sólo le pertenece al Festival, a la U. Central y a los creadores de este evento, el uso de lo anterior es meramente informativo
Hasta hace muy poco, uno de los países en donde el cine - la proyección y por ende su realización- estaba prohibido, y donde las mujeres tiene poco acceso al trabajo, sin embargo Haifaa Al Mansour, es la primera mujer que dirige una película en Arabia Saudita; esta directora, hija del poeta Abdul Rahman Mansour, que estudió Literatura y se formó como cineasta en Australia , ya tenía en su haber un par de cortometrajes y un documental, pero es con ésta, su opera prima, donde ha tenido el mayor reconocimiento no sólo por lo que implica esta obra sino por la calidad de la misma, su historia y personaje principal, que obviamente guarda relación con la propia Al Mansour.
Esta cineasta y escritora, ha puesto su granito de arena en esta cerrada y conservadora cultura, que ha ido cediendo y dando paso a estos cambios, a esta evolución, para qué, como dice la misma directora en una entrevista: "¿Mi sueño? Que un hombre alquile La bicicleta verde en un videoclub”(1)
La bicicleta verde tiene guión de la misma Al Mansour, basada en la vida de una de sus sobrinas y de sus propias experiencias en Arabia Saudita país tan conservador y tradicional, que las mujeres no pueden montar bicicleta, donde tienen múltiples restricciones, contradicciones en su diario vivir, principalmente las niñas, quienes difícilmente se pueden expresar o tener sus propias experiencias, sin embargo, en cada país y en cada sociedad existen personajes tan entrañables y diferenciadores como Wajda, la niña protagonista de este largometraje.
Wajda (Waad Mohammed) se ha encaprichado con una bicicleta de color verde para poder ganarle en las carreras a su amigo Abdullah, sin embargo su madre y la sociedad misma, no sólo le prohíben montar en bici sino que ven con malos ojos que esta niña actúe de esa forma, una mezcla de rebeldía e inteligencia, que pondrán a prueba las capacidades de Wajda, -cuando entra a un concurso para recitar el Corán. y ganar el dinero suficiente para poder comprar la bicicleta, y de los suyos, principalmente su madre, para entender la rebeldía de esta niña.
Aunque es una película sencilla en su estructura narrativa y técnicamente se decanta por el naturalismo, las complejidades de esta obra no sólo estaban en la conformación de un equipo mixto entre alemanes y saudíes, sino en las restricciones, prohibiciones y demás complejidades de este régimen; igualmente, es destacable la fotografía de Lutz Reitemeier, quien viene del mundo documental y la música de Max Richter, compositor que no sólo nos acerca a los sonidos autóctonos saudíes sino a una ambientación que va a la par de la ternura de Wajda y de la melancolía de lo que enfrentan estas mujeres. Esta puesta en escena simplificada, por un presupuesto reducido, que igual no afecta su correcta labor técnica, juega en favor de los actores y de la historia con tintes de esperanza y de un camino que se abre a nuevas oportunidades, al igual que las libertades de este país.
Obviamente lo más destacable de esta obra es el personaje de Wajda y la actuación de Waad Mohammed, quien debuta y demuestra sus cualidades con este papel entrañable, que en cierta forma, puede resumir los sentimientos de otras mujeres - afines al cambio- y traducir los pensamientos de la propia Al Mansour; además, no se pueden dejar de lado las interpretaciones de Reem Abdullah (madre) y de Ahd (la directora del colegio), cuidadosos arquetipos o representaciones de la mujer saudí, que se complementan con la propia Wajda, dándonos a entender las fragilidades y convicciones de éstas.
Una película con obvias reminiscencias del neorrealismo no sólo europeo sino de su propio continente, con un obvio activismo frente a las virtudes de la mujer, pero neutral frente a lo político/religioso, concentrándose mucho más en la historia de Wajda y su lección de vida.
Una película recomendable, con la validez de ser "la primera película dirigida por una mujer" - más no la única con la apertura a las salas de cine y de esta misma cultura- y por sus cualidades en la narración, personajes y mezcla de culturas para la producción, que finalmente generan esta película que de forma inteligente, nos da a conocer sobre las vivencias en el régimen saudí que, sin criticarlo directamente, se hacen obvias las posiciones y "demandas" por una cultura que se acerque a las igualdades y aperturas no sólo con los derechos de la mujer sino directamente con el cine.
Zoom in: Varias nominaciones y premios como los BAFTA, Satellite Awards
La directora tuvo que rodar desde una camioneta oscura, sin poder ser vista en la calle detrás de la cámara por ser mujer y hablando con walkie-talkies con sus operadores y sus actores para conseguir lo que quería.(2)
7 semanas de Rodaje, presupuesto de 2 millones de euros
Montaje Paralelo: El ladrón de bicicletas (1948)
Close up: Los extras del DVD, tiene un interesante detrás de cámaras -uno de los más cercanos, que muestran tanto el trabajo de la directora, como los equipos, métodos de producción; un trabajo bastante valioso, no sólo por la dificultades en las que trabajaron sino por las mismas percepciones que se tienen del trabajo audiovisual, y el acercamiento a los detalles de cada una de las labores.
El British Council, con el apoyo del Festival Internacional de Cine de Edimburgo, presenta en Colombia con el apoyo de El Parqueadero, espacio de proyectos conjunto entre la Fundación Gilberto Alzate Avendaño y el Banco de la República, exposición 11 historias en 24 cuadros: animación británica hoy, una muestra itinerante de los mejores cortos animados que participaron en el prestigioso Premio McLaren de animación entre 2008 y 2012. Cuadro a cuadro, minuto a minuto, esta selección se convierte en un emocionante viaje por la animación contemporánea en Gran Bretaña.
El Premio Norman McLaren, el más antiguo en su categoría, se ha entregado desde 1990 y busca premiar la excelencia creativa y técnica, así como la capacidad de contar historias aprovechando al máximo el lenguaje y las herramientas de la animación.
Este año 2014 marca la celebración de los cien años del nacimiento de Norman McLaren, director de cine de origen escocés y genio de la imagen en movimiento, famoso por sus experimentos animados adelantados a su época. La muestra incluye la presentación de una de sus obras, Vecinos (Neighbours) de 1952.
" El hombre es para el hombre un espejo." Proverbio Turco
El director, productor y guionista turco Nuri Bilge Ceylan, no sólo es uno de los más importantes cineastas de su país sino uno de los más representativos en festivales europeos, principalmente en Cannes, donde ha recibido varios premios. Ceylan, nacido en Estambul, y formado como Ingeniero, tuvo desde su juventud una inclinación hacía la fotografía y el cine, el cual le dio un nuevo giro a su vida, mientras estaba en el ejercito.
Este cineasta turco, es un protegido de la prensa especializada, no sólo por la calidad visual de sus obras sino por sus historias que tienen como eje la monotonía humana, el existencialismo y los detalle de la vida, donde es notorio la influencia de Tarkovski, Bergman y la literatura de Chejov, de quien no sólo ha tomado relatos sino que marcan su obra.
Igualmente el cine de Ceylan, es uno que brilla por su economía, por los silencios y las tomas largas; cine minimalista con un profundo mensaje, con tintes autobiográficos y donde muchas veces utiliza a sus amigos o familiares como actores; como lo fue en el caso de su opera prima Kasaba.
Escrita, dirigida, fotografiada y producida por el propio Ceylan, quien nos muestra a través de los ojos de unos niños - dos hermanos- , las complejidades de crecer en un pequeño pueblo rural, apartado y olvidado, que funciona como metáfora sobre su propia cultura; con ecos autobiográficos y emulando a directores como Tarkovski, el director turco, nos acerca a la tragedia, a la familia y en cierta forma a la memoria, que parece estar descrita en cada uno de los personajes.
La película, concebida como un año comprimido en un sólo día, es además una serie de reflexiones sobre el hombre, la niñez y la familia; un retrato humanista alejado de una narrativa concreta, que se determina mucho más, como una transición del hombre, en este caso a través de los niños y del primo de éstos (Emin Tropak), hacía la madurez.
El trabajo fotográfico de Ceylan, es tal vez, el elemento más destacado de esta producción, no sólo las composiciones sino sus poéticas interpretaciones de la memoria; destacando principalmente, la secuencia de la escuela, con su planos detalles, encuadres y blanco y negro de la monotonía, una secuencia que realmente vale todo lo que sucede en esta película de ritmo pausado, planos estáticos y excesiva lentitud, que se detiene en los detalles y en las minucias de la vida de un pequeño pueblo, encallado en lo más profundo de la Turquía rural. Aunque en el cine de Ceylan, la música no es prioritaria, si utiliza una tonada que persiste durante todo el metraje, hecha por Ali Kayaci.
Sin actores profesionales, amigos o familiares son los encargados de representar las ideas y expresiones de este cineasta, que sencillamente pone en escena sus pensamientos e ideas sobre la vida; sin embargo, son actuaciones bien controladas que funcionan dentro de la misma dinámica de realismo, donde destaca principalmente Emin Tropak, primo de Ceylan,- y quien murió tragicamente, unos años después-.
Si bien, es la primera película que veo de este director, no son ajenas las cualidades de sus películas o las reseñas sobre sus triunfos en diversos festivales, aún así Kasaba, no es una película que me haya gustado, que se hace pesada y larga, no tanto por sus planos pausados o narrativa, sino por que es densa y no es fácil de seguir la idea principal de ésta, igualmente, y sin restarle sus virtudes, es una película defectuosa técnicamente: el sonido desfasado, lo obvio de la luz artificial, algunos elementos de montaje, que sin embargo, no opacan la excelente fotografía documental que crea el propio Ceylan, y una que otra frase tan cercana a la poesía como a la reflexión más espiritual.
Igualmente, es destacable el "detrás de cámaras" del DVD, donde vemos cómo se realizó esta película, y aunque después de ver este vídeo, uno puede entender las complejidades e ideas de este director, como tal la producción, es difícil de asimilar y se va desvaneciendo en sus mismas reflexiones y reducido presupuesto.
De todas maneras, para quien esté interesado en el trabajo de Ceylan - y del mismo cine turco- es un buen inicio - y reto- para conocer sobre una cinematografía más bien desconocida, pero que ha tenido grandes representantes y obras de gran calidad.
Zoom in: Emin, Fatma (Ceylan) y Emin Tropak además de familiares del director, fueron actores principales de las primeras películas del director turco.
La historia se basa en la idea de su hermana Emine
"Para Adán, el paraíso era donde estaba Eva." Mark Twain
Segunda película que tenemos la oportunidad de reseñar del cineasta estadounidense Jeff Nichols, quien en su corta pero productiva carrera, ha entregado tres largometrajes de excepcional calidad, bien recibidas por la crítica y público, consideradas, como pequeños clásicos modernos del cine independiente americano.
Nichols, que además de dirigir y escribir sus propios guiones, también es un realizador que ha puesto en escena a ese "otro" Estados Unidos, retratos de la Norteamérica (USA) rural y cercana a los mundos de Mark Twain y del propio Sam Shepard -que actúa en la película-; estos elementos han hecho que el cine de este director nacido en Arkansas, sea celebrado y reconocido tanto en festivales internacionales como por el público en general, tanto por su singular estilo, historias universales y cuidados personajes, dando pie a grandes interpretaciones que complementan el universo Nichols, donde la familia y los sucesos inesperados son base fundamental de su narrativa.
Nichols (izq.) junto McConaughey revisando el guión
Con guión del propio Nichols, quien toma elementos de su vida (juventud), del Tom Sawyer de Mark Twain e influenciado por la película Lone Ranger; este cineasta nos presenta el final de la inocencia, la amistad y sobre todo, hombres que aún creen en el amor por encima de la razón. Mud nos ubica en el sur de los Estados Unidos, exactamente en De Witt, Arkansas, donde dos jóvenes de 14 años han encontrado un bote estrellado en medio de una isla aparentemente desierta, sin embargo se dan cuenta que allí vive un hombre misterioso y solitario que responde al nombre de Mud (Mathew Mc Conaughey), que necesita comida y espera a su novia; el lazo de amistad entre los jóvenes y este hombre, se hará cada vez más cercano; pero detrás de la apariencia tranquila de Mud, se esconde un gran secreto, uno que no sólo lo unirá a Ellis (Tye Sheridan) sino que será en cierta forma, su camino a la madurez, en este caso del propio Mud y del joven protagonista. Pero esta película, es mucho más que una aventura juvenil de amistades y primeros amores - únicos y obsesivos-, es una reflexión sobre el transito a la madurez, sobre la familia y más que nada un retrato sobre lo que nos hace humanos, la imperfección y la búsqueda de cierta felicidad, cargada de problemas, rabia y pequeñas satisfacciones.
La lograda fotografía de Adam Stones - cinematógrafo habitual de Nichols y parte de su grupo de trabajo- no sólo se destaca por una buena técnica sino porque acentúa y hace parte de la misma narrativa, fotografía naturalista, que vira hacía los colores cálidos - principalmente en la isla- y que se apropia del mismo paisaje que juega con diversas colorimetrías y temperaturas tanto en los tiempos muertos como parte de la misma historia; aunque Stones, es en cierta forma un novato en la industria, ya parece tener una identidad, que perfectamente puede estar asociada al sur estadounidense y a lo rural, con toda la estética que esto conlleva.
Otro habitual en el trabajo de Nichols es David Wingo, quien ha compuesto la música para sus últimas dos películas, música con cierto aire nostálgico, y en este caso cercana al rock sureño y al postrock, que no sólo funciona dentro de la narrativa sino que marca a cada uno de los personajes; Wingo nos ubica espacialmente a través la música y como progresión de la historia; sensaciones y sentimientos al ritmo de sus cuerdas, distorsiones, armonías y otros detalles que empalman perfectamente con un montaje pausado, lineal y coherente por parte de Julie Monroe.
Un punto aparte, y uno de los grandes logros de esta producción son las actuaciones de McConaughey, del debutante Tye Sheridan, de Sam Shepard y - aunque menos importante en esta ocasión- del actor fetiche de Nichols: Michael Shannon; cada uno, en cierta forma juega como arquetipo masculino pero con una marcada personalidad, principalmente los papeles de Mud y Ellis, que son caras de las misma moneda; pero en definitiva es la actuación de McConaughey la que se lleva los aplausos, y que ha demostrado su capacidad en las últimas producciones en las que ha participado, considerándose uno de los mejores de su generación con la ayuda de uno que otro premio, como el Oscar y críticas muy favorables. Obviamente todo esto sumado a una impecable puesta en escena y diseño de producción, que hace mucho más notorio e interesante el trabajo de estos actores.
El trabajo de Nichols, se ha hecho fundamental en los últimos años, sus tres películas han tenido el favor de la crítica y del publico, con las últimas dos - que son las que he visto - ha marcado un estilo propio del cine sureño - si se le puede dar esa categoría-, obras "sencillas" en su narrativa que reflejan la naturaleza humana, donde existe cierta rudeza, códigos morales y amores tan ciegos y sinceros como los sentimientos de estos personajes. Además existe cierta particularidad en las películas de Nichols, y es que lo improbable, las mentiras o en lo que cree ciegamente el personaje, se termina revelando como parte de la narración y de su propio elemento estructural, como parte de su propia personalidad; su obsesión hace creíble este viraje narrativo, y más importante aún, ésto es lo que hace del cine de Nichols, especial y que algunos - entre los que me encuentro- lo consideren como uno de los mejores cineastas independientes americanos.
Zoom in: Aunque fue realizada en el 2012, el guión de esta película tuvo su origen a principios del año 2000, y Nichols, siempre tuvo a McConaughey, como el actor ideal para esta película, o mejor en palabras del director, escribió este guión pensando en este actor. Sección oficial de largometrajes en Cannes Top Ten a mejor película independiente de ese año por parte de la NBR Nominada y premiada en diversos festivales principalmente por mejor actuación y dirección
Montaje Paralelo: Beast of the southern wild (2012) - Undertow (2009) - Black Snake Moan (2006) Web:http://mud-themovie.com/
John Alvin fue uno de los ilustradores y figuras históricas del póster cinematográfico americano, su impecable trabajo, fue fundamental para este arte que tuvo su mayor acogida en los años 90, y que le dio vida a personajes tan importantes como E.T, Gremlins entre otros.
La salida de un libro que recopila lo mejor de su trabajo, también dio pie para conocer algunos de sus trabajos rechazados o que finalmente no hicieron parte de la parte publicitaria - en este caso para la primera y tercera parte de Batman-, donde podemos observar la gran calidad de este ilustrador.
Tuvimos la oportunidad de ver en el Cineclub de la U. Central, la película La Lectora, la cual hizo parte de la muestra de la Semana del Cine Colombiano.
Segunda película de Riccardo Gabrielli, director colombiano de orígenes italianos, nacido en Alemania, que ha dirigido varias series de televisión tanto a nivel nacional como internacional, al igual que varios cortometrajes y colaborado en otras producciones en diversas áreas; en los últimos años Gabrielli, se ha convertido en realizador habitual de Fox-Telecolombia y está finalizando su tercera película. Este cineasta de formación internacional, que estudió en Los Ángeles, ha mezclado tanto el lenguaje televisivo con el cinematográfico, generando trabajos que funcionan comercialmente, principalmente en la televisión por cable y en la publicidad, que parecen ser los fuertes de este cineasta.
Fuente: Diario ADN
Basado en el libro de Sergio Alvarez y tomando como referencia la miniserie homónima La Lectora, Gabrielli escribe este guión que tiene como protagonistas a un misterioso maletín y un texto en alemán que debe ser descifrado; para ésto, los dueños de ese texto - un par de hermanos- obligarán a una joven universitaria a traducirlo, y descifrar el misterio, donde conoceremos la historia de Cachorro y Karen.
Cuando esta joven, que será conocida como la Lectora (Carolina Guerra) es secuestrada y llevada a un apartado pueblo, es donde veremos la historia que se esconde tras las letras en alemán de un texto que parece estar cargado de muertes, traiciones y un maletín de una incalculable fortuna además del destino de Cachorro (Diego Cadavid) y Karen (Carolina Gómez), quienes se verán enfrentados a diversas fuerzas y una violencia a la que no pertenecen.
Técnicamente, es un largometraje destacable, la fotografía de Julián Torres está más que lograda, principalmente las escenas nocturnas y exteriores, al igual que el trabajo de sonido y efectos especiales por parte de Burning Bull; puesta en escena, que si bien es interesante dentro de lo formal es igualmente abrupta e inestable al vendernos la idea de una Bogotá - o ciudad Colombiana- al estilo Los Angeles; es desde este punto, donde esta obra empieza a flaquear, no por que sea errática o fallida sino por que el director no sabe darle el verdadero contexto, en pocas palabras - y aunque nunca es bueno comparar una película con otra- hace lo mismo que en Saluda al diablo de mi parte de los Hnos. Orozco, pero en donde éstos triunfan o por lo menos le dan credibilidad al contexto fílmico, con la de Gabrielli, esta puesta en escena se ve forzada y en ciertos pasajes le resta seriedad al mismo filme.
La música, es otro punto débil de este trabajo, no tanto la creada por Marcelo Triviño, sino algunos pasajes, en los que la banda sonora, paree totalmente ajena al drama o al estilo del propio largometraje; eso sí, tiene un gran montaje por parte de Camilo Escobar y Catalina Rincón, no sólo en su parte estructural sino en la misma posproducción: corrección de color, efectos y demás elementos relacionados.
Aunque destaca la belleza de las dos Carolinas (Guerra y Gómez), también es verdad que la actuación de ambas no es lo más destacado de esta producción y mucho menos la de Cadavid, sin embargo salen airosos de varias de las secuencias de acción y funcionan dentro del ritmo y la dinámica de la película, que a final de cuentas, tiene en sus secundarios las mejores actuaciones, o por lo menos la construcción de los personajes.
Gabrielli, parece no importarle jugar con los contrastes entre los caracteres, más bien son personajes planos y poco explorados, extrañamente siendo los hermanos secuestradores, los que tienen mayor fuerza y contradictorios en sus propias personalidades, los demás, principalmente los principales carecen de motivaciones y los antagonistas, son una suma de estereotipos, que además no hace creíble al relato, punto fundamental y uno de los grandes fallos que se ven en clímax y final de la segunda obra de director nacido en Alemania.
Aunque es obvia mi posición frente a esta película, si creo que es un producto técnicamente bien hecho, que parte de una muy buena idea y que está muy bien ejecutada dentro de su propio género, que infortunadamente se va diluyendo, en lugares comunes y salidas fáciles a nivel narrativo.
Recomendable a quien le guste el cine de acción, bellas mujeres y misterios sin resolver, porque finalmente es una película basada en el entretenimiento, y frente a esta idea, es un material que cumple tal expectativa.
Zoom in: 17 días de rodaje, alrededor de Bogotá (Mosquera, La Vega entre otros pueblos cercanos)
Tuvo financiación y fue ganadora del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico, en Producción de Largometrajes.
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