Documental Making of: el detrás de escena cinematográfico como discurso

Introducción

 

Discurso o pensamiento, el cine no ha sido ajeno a estos conceptos, por el contrario, cuando empezó a ser considerado un arte, se emparentó con diálogos filosóficos, sociales y educativos, éste último el que nos interesa para este texto; porque el cine como proponían Epstein y Deleuze, citado por Durán en su texto El cine como máquina de pensamiento y control (2020) es una forma y a la vez máquina de pensamiento; que además de reflexionar sobre el mundo, la sociedad o el individuo, también lo ha hecho sobre su propio soporte, el tiempo y espacio para citar a Deleuze, sin embargo, esa reflexión se ha moldeado sobre su forma de producción, o como lo determina este texto sobre su detrás de escena, es decir el aparataje - o esqueleto- que contruye a una obra cinematográfica, o las "costuras" de este medio, que lo ha moldeado un tipo de cine documental como lo es el Making of, que sí bien ha estado presente desde que el cine tomó la industrialización como camino, en los últimos años, en primera instancia como extra de los Laser Disc, de los DVDs y ahora con las plataformas, no sólo han asumido un papel más preponderante sino didáctico, y con una discursividad que lo ha alejado de lo promocional, porque como lo indica Benejam (2013) citado por Zamaparripa este tipo de obras: suele tener un objetivo publicitario, expuesto desde la estructura de su relato audiovisual. (2022) Eso sí, estos cambios no sólo han aparecido en los últimos años o gracias al streaming, porque su evolución ha sido constante, pero también determinada por un tipo de cine y momento para entender sus propias lógicas como lo determina González citado nuevamente por Zamaparripa:

  

A finales de la década de 1960 y principios de 1970, las compañías y encargados de los estudios dispusieron a nóveles cineastas y “radicales las llaves del reino con la esperanza de capturar el mercado juvenil. Fue durante este periodo de agitación económica y artística de Hollywood que nacieron los Making Of Documentales tal como los conocemos hoy” (González, 2008: 19). El MO establecerá, entonces, una amplia gama de posibilidades e intenciones, más allá de las publicitarias, porque la búsqueda de los documentalistas ajenos a las nociones publicitarias estaba enfocada en el propio cine, en el contexto y en la forma de cómo se filmaban las películas. (2022, pág. 73)

 

Esto nos deja apreciar, que además de una época dorada del cine estadounidense - aunque el europeo también dio muestras de este fenómeno-, fue un momento particular para el desarrollo de los Making Of, donde se alimentó de la mejor manera de los documentales más autorales, de otras piezas audiovisuales y principalmente de una discursividad que iba a tono con los realizadores que estaban surgiendo en dicha época - cabe recordar que muchos habían estudiado en universidades de cine, o se habían formado como crítico de tal disciplina-, no sólo más personales sino que pensaban con las imágenes en movimiento, como lo anotaban Deleuze, Epstein y otros estudiosos. De cierta manera, a partir de los años 70, se empieza a desprender de su identificación como Parásito Cinemtográfico, concepto planteado por Arthur (2004), que sí bien revelan sus variadas intenciones, pretensiones y usos en la industria cinematográfica de Hollywood. Sin embargo, como formato meta-referencial se ha emulado en otras cinematografías para evidenciar y relatar los procesos creativos de cualquier película. (pág. 71, 2024)

 

La última frase de esta cita es importante, porque pone en evidencia lo que se quiere rastrear a través de este texto, es decir, la posibilidad de enseñar por medio de este tipo de materiales audiovisuales, que no sólo demuestran cómo se hace una película, sino que tan- gencialmente, responde con más preguntas sobre la forma del cine, casi como una especie de parábola investigativa, en la que más que responder, se ahonda sobre lo que Zapelli pregona como el maravilloso arte del engaño (2007), texto en el que lo documental recopila información para confirmar la verdad de un enunciado (pág 78); Zamaparripa en su texto sobre el Making of toma estas ideas de Zapelli, y nos especifica lo siguiente sobre el documental, en primera instancia que se acerca más a un género dramático de la ficicón. y que:

 

Por tanto, en el MO, como documental, se busca contar cómo se filmó una película y cuáles fueron sus procesos. De esta manera, el concepto de documental y el entimema de Zapelli nos ayudan para analizar sus cualidades didácticas, por medio de los recursos probadores de su mostración. (Zamaparripa, 2024)

 

Estas ideas no sólo nos determinan que los documentales making of, además de un sub-producto que ha tomado su propia forma, también lo ha hecho desde su discursividad, una que evidencia lo metacinematográfico, y una cinefilia traducida en lo educativo, que acercan a propios y extraños, en cómo construir un relato audiovisual, no sólo desde la técnica, narrativa o forma sino desde un corpus que discute, interpela y enfrenta a su propio organismo receptor, es decir la película principal, sin perder su mostración, es como lo anota Zamaparripa en palabras de Hight (2024): "espectadores pueden usar información de fondo detallada de la producción de una pelí­cula para educarse sobre la naturaleza de las prácticas cinematográficas contemporáneas y aumentar su aprecio por los logros tecnológicos y artísticos de los cineastas" (pág. 95)

 

Hacía dónde se dirige el making of...

 

Los últimos años han validado el trabajo de los Making of, no sólo como trabajo independiente de su obra principal, sino como un punto referencial para entender la estructura de una obra audiovisual, una obra audiovisual que a nivel educativo, didáctico y hasta pedagógico logrando especificar el quehacer del cine, tanto en su punto de partida hasta sus innovaciones tecnológicas, como su discursividad y reflexiones, no sólo de la obra, sino de ese caótico universo o rompecabezas, que logra tener sentido cuando se aúna, amarra, encaja como lo es el cine, es como específica Mercier en palabras del invetigador mexicano Zamaparripa: “es una forma de sumergirse en el proceso de la película y en la mente y los recuerdos del cineasta” (pág. 98) o como lo reiteran Arthur (2004) y González (2013) en este mismo texto, asume una función «mnemotécnica» del quehacer fílmico que propicia ser el documento y memoria de los creadores del cine, como un testi­monio vivo de su proceso de trabajo colaborativo (2024)

 

 

 Análisis de las películas

 

Con esta introducción, nos vamos a acercar a una serie de documentales making of, que además de su capacidad dialógica y didáctica, también han encontrado un lenguaje propio o identificación, que más que un "parásito" audiovisual, es nuevo organismo, que discute y algunas veces, hasta enfrenta a su propio hospedador, a continuación los documentales a analizar:

Una mirada sobre el prado que llora /Sobre Angelopoulos (2003) 

Pere Alberó, fungió como asistente de dirección de Theo Angelopoulos en un par de películas, y de estas experiencias surgen dos documentales Making of, que además de establecer cómo se hicieron sus obras, identidades visuales y técnicas, el cineasta español delimita una suerte de juego poético en el que reflexiona sobre la vida, el mundo personal del director griego, marcado por la intelectualidad y la tragedia; Alberó ya no sólo cumple con la premisa de haber hecho el B Roll de las obras, sino que sigue los pasos de este director;  además del análisis, se plantean preguntas a parte de lo extracinematográfico, discute con los procesos de hacer una película como una mirada que fluye, traspasa y piensa, como lo es el cine de Angelopoulos 

 

Exote: La filmación de la Telenovela Errante (2017)

En los años 90 el director chileno Raúl Ruiz volvió a su país natal para realizar una película que entre el lenguaje de la telenovela, la situación social, quería replantear  no sólo el papel del audiovisual sino de su propia experiencia como extranjero en su país; Pablo Martínez, hace el registro detrás de cámaras, convirtiéndose en testigo del cómo trabajaba Ruiz, pero a la vez la cámara de Martínez es testimonio ya no de un período convulso, sino de su herencia, y trasladado a ese lenguaje.

Años Luz (2017) 

El retrato sobre una cineasta particular y cómo realiza su trabajo, es también parte del making of, como lo hizo Manuel Abramovich, quien se introduce - con permiso de la directora- en el rodaje de Zama de la argentina Lucrecia Martel; Abramovich en cierta forma es la contraparte de la directora, y en esa dialéctica, cómo filma la directora y qué se entiende por filmar, es que nos adentramos en ese mundo tan singular, de una directora perfeccionista hasta el cansancio y clara en sus formas; también el director suma a ese juego, la realidad y la ficción de la puesta en escena, donde tiene su mayor mérito.

Filmando Batalla en el Cielo (2004)

Si algo tiene de particular este documental making of, es que asume la premisa principal del cine de Carlos Reygadas, lo poético e inmaterial; sí bien no se aleja de las formas y estilos de este tipo de documentales, Adrián Arce y Manuel Méndez construyen un discurso que además de seguir al director y su trabajo, también lo hacen desde otros constructos, como lo es el material del cine, es decir tiempo y espacio. 

Making The Shining (1980)

La hija de Stanley Kubrick, Vivian, como un apendice de la obra, sigue a su padre y conocidos, que se desplayan en confianza y amabilidad, frente a una cámara que registra ya no como documento sino como parte de un todo que fue esta película; Vivian, como si se tratara de apuntes de cine, va registrando los procesos, instrumentos y técnicas de su padre, que vamos viendo en pantalla, es decir; el cómo se hizo y lo hecho, son consecuentes, y eso le da peso al trabajo, de quien en este caso funge como directora.

Buenos Aires Zegro Degree (1999)

Este Making of, que hace parte del DVD Wong Kar Wai, una mirada, además de mostrarnos la complejidad del rodaje de Happy Together en la Argentina, donde los retrasos, la comunicación y el estilo de un director, no sólo son puestos en evidencia, sino que se mezcla con esa misma sensación de nostalgia, de saudade sí se quiere, de quienes además de estar en tierras lejanas,  se quedaron varados en sus recuerdos, como los protagonistas de la película que produjeron; este Making of dirigido por Pung Leung Kwan colaborador habitual de Wong Kar Wai en la fotografía, no sólo mezcla formatos sino que emula, la visión de la película que filmaron en la Argentina, una que puso a divagar a varios elementos del crew, a entender la mente de un cineasta poco ortodoxo y a cómo el cine, algunas veces se vuelve en al identidad de otros, un trabajo sólido, que más que un ejercicio parásito o complementario, cobra vida, en sus intenciones.

 

Referencias

Durán, M. (2020). El cine como máquina de pensamiento y control : aparatos, dispositivos y autómatas. Recuperado de: http://hdl.handle.net/10554/53254

Zamarripa, A. A. (2022). Del B-Roll al Making of: Un caso de metarreferencialidad del acto cinematográfico. El Ojo Intermedial II. Hibridaciones Genéricas y Mediales. https://doi.org/10.47377/ojointermedial2-cap3

Zamarripa, A. A. (2024). El Making-of contemporáneo: Una aproximación a algunos de usos e intenciones. La Colmena, 124, 87–100. https://doi.org/10.36677/lacolmena.v0i124.20985

 

 

Más Noir que Fritz Lang

La década del 30 del siglo pasado, tuvo un fenómeno importante de migración, sumado al ascenso del fascismo en Europa, que hizo que varios cineastas huyeran a los Estados Unidos, renovando, visual y narrativamente a un Hollywood bien establecido y en plena ebullición creadora; nombres como el de Fritz Lang se sumaron a esa larga lista, que le dieron forma a diversos estilos y géneros, principalmente el Noir, el Thriller y el Suspenso, pero que gracias al cineasta alemán, también tuvo una importante carga de justicia y crítica social, presente en su obra; en este caso vamos a revisar dos películas, trascendentales en su periodo americano y representativas del cine criminal.

Mientras Nueva York duerme (1956)

El cine Noir de los años cincuenta se prestó para diversos relatos y formas, mezclándose con temáticas como el periodismo y su salvaje inmediatez por la noticia y evidente capitalismo, que pudimos ver en Sweet Smell of Success (1957) o en While the City Sleeps de Fritz Lang, donde la ambientación decadente, las sombras y las noches violentas, se trasladan a los pasillos del Sentinel, un periódico que consume las horas y los egos de sus trabajadores, que además de un nuevo director, buscan a un asesino serial de jóvenes mujeres, que tiene como firma: mensajes escritos con pintalabios; la competencia por atrapar al asesino y conseguir el importante cargo, hará de los hombres y mujeres más competentes, verdaderos cazadores: de la verdad, de la moral y de ese individualismo tan propicio del capitalismo. El inteligente guion de Casey Robinson junto al pulso narrativo de Lang, está complementado por un rostro particular del noir como Dana Andrews, la incisiva  y cínica Ida Lupino y un grupo de grandes actores, que hacen de esta película un retrato particular del periodismo, de la posguerra y de esas máscaras, que escondían el rostro oculto del american way of life.    

Como en todo buen noir y película de intrigas, destacan la fotografía y el montaje, la primera en su ambientación entre el artificio y la naturalidad de una ciudad como Nueva York y los pasillos de un periódico, y en el otro apartado, un montaje en paralelo, que nos mostrará a las dos bestias, el asesino y el capitalismo, que parecen ir por el mismo laberinto, sin negar la calidad de varias secuencias, tanto de persecución como de las dos caras de la moneda, en la que la influencia y mano de Lang es evidente.

Minicrítica

Un gran trabajo por parte de Lang, inteligente en su montaje como en su guion - aunque pueda pecar de inocente al día de hoy-; donde las herramientas del noir y la crítica social, visual y narrativamente, se unen para mostrarnos una realidad evidente, que mientras la ciudad duerme, se despiertan los bajos deseos en los bares, las callejuelas y los pasillos de un periódico, donde transita la muerte, algunas veces como noticia y en otras, como protagonista, como sucede con esta mordaz primera plana de los años 50 estadounidense.

Montaje Paralelo: Sweet Smell of Sucess (1957) - Asesino en serie - Periodismo y Noir 

El Ministerio del miedo (1944)

Pesadillesca adaptación de la novela homónima de Graham Greene en la que la intriga, el ambiente decadente y la conspiración en pleno Blitz londinense, empiezan a controlar la vida de Stephen Neale, quien tras dos años en un sanatorio mental, no sólo descubre un nuevo mudo - el de la guerra-, sino el ser víctima de una persecución totalmente ajena a sus realidad, o por lo menos, es eso lo que él cree. El guion de Seton Miller, se adapta muy bien a esas intrigas de espionaje, donde la confusión y lo enredos, no sólo van potenciando la angustia del protagonista, sino de sus mismas acciones, cada vez más erráticas o apasionadas, como lo logra apropiar Ray Millland en el papel del Neale. 

La fotografía y el montaje recuerdan en un principio al Tercer Hombre de Reed y a la misma Spellbound de Hitchcock, pero va cogiendo su propio camino, que hasta el clímax, no sólo es potente en su forma sino en el mismo principio de la falta de credibilidad del protagonista que ha salido de una "manicomio", aunque el final pierde fuerza,  el pulso narrativo de Lang, y todos los artilugios del género funcionan, y hace de ésta una obra entretenida y particular en su relato.   

Montaje Paralelo:  Espionaje- Tercer Hombre (1949)

The Big Heat (1953)

Aunque esta película de Fritz Lang, se presente como un thriller policiaco, y lo es, su tono y arquetipos noir son tan evidentes como su critica social disfrazada de "policia incorruptible contra el crimen"; Lang junto Sidney Boehm, guionista, arman una historia basada en las investigaciones periodísticas  - convertida en libro- de William McGivern, sobre corrupción pública, mafia y policias asustados; sin embargo, el gran logro del director austriaco ya nacionalizado estadounidense es, cómo nos muestra la tensión en un hombre recto, el Detectivie Bannion, que se va desmoronando cuando su esposa es asesinada, convirtiéndose en vícitima de su propia honestidad, interpretado de gran manera por Glenn Ford, que evoluciona del policia de buen corazón al arquetipo del Hard Boiled, que ya no sólo se enfrenta a los delicuentes sino al propio sistema policial; aunque Lang nos presenta a una Femme Fatal al uso y al sádico sicario - el siempre magistral pero poco querido Lee Marvin-, son piezas narrativas muy bien interconectadas para este relato, en el que ahondamos en esa profunda pero medular corrupción política, que hace de la honestidad, un problema, en este punto es donde el cine de Lang, con esa  fuerte carga social y capacidad para hacer enojar al establishment, se hace relevante. Igualmente, hay que reconocerle el gran trabajo fotográfico a Charles Lang, a la economía en los planos, y a esa, sútil y ambigua sensación de más que tener un final feliz, cerrar un capítulo, algo pírrico para el protagonista.

Otra gran apuesta de Lang, que cada vez más incomodaba a los grandes estudios, y a ese McCartismo latente, que veía comunistas en cada guión o película que hablaba sobre justicia social y honestidad.

Montaje Paralelo: Naked City  (1948) 

 

Bicinema: Cuadro de Bambú

 

Es la bicicleta el medio de transporte más ecoamigable, aunque la respuesta puede ser obvia, muchos de los elementos que componen a ésta, contaminan o tienen algún impacto en el medio ambiente, principalmente su cuadro o frame; pero en este documental peruano, que pudimos ver a través de Retina Latina, se evidencia una solución o por lo menos otra alternativa, que son los cuadro de bambú,  una de las plantas más flexibles por sus diversos usos, y sostenibilidad ambiental, como reflexiona Victor un emprendedor y creador peruano, que tras varios intentos, pruebas y aprendizajes, ha encontrado en el bambú, no sólo una forma de hacer este tipo de bicicletas sino otra forma de ganarse la vida de manaera ecoamigable; este documental realizado por Santiago Fierro, además de mostranos esa otra cara del ciclismo o del uso de la bicicleta - en este caso la sostenibilidad ambiental y la construcción de este medio-, también es un recordatorio de la adaptabilidad del ser humano como de las plantas, para un "buen engranaje" de sostenibilidad.

Cómo ser un inteligente crítico de cine por Matt Groening (Life in Hell)*

 

*su uso es meramente pedagógico, tomado libremente de la red.

The Scenic Route: Amores.....

 

La paradoja crítico de cine y cineasta, no está en su relación, o en su traslación de lenguajes, sino en su aplicabilidad  formal, es decir, esa idea de la interpretación y la intelectualidad concebida en lo teórico, no siempre es fácil de acoplar con las imágenes en movimiento, a menos que sea una estructura videoartística, experimental o ensayos cinematográficos, que en cierta forma, es lo que propone Mark Rappaport con Scenic Route, un melodrama - que en algunos casos raya en el soap opera- con tintes intelectuales, en la que dos hermanas jóvenes y un frío hombre, conforman un triángulo amoroso, tan confuso como problemático. 

Aunque la historia escrita por Rappaport, no es ajena a las narrativas clásicas de relaciones amorosas, en este caso un triángulo amoroso, lo que descoloca de esta obra, es la forma en la que actúan los personajes y cómo interactuán éstos con su entorno, con una afectación que recuerda a las óperas, y la literatura decimonónica en pleno New York de finales de los 70.   Rappaport,  pone en escena junto al cinefotógrafo Fred Murphy, una serie de imágenes pictóricas, poéticas y algo naif,  relacionadas con el amor así como con la dinámica de cada uno de los personajes. 

Minicrítica

Aunque tiene momentos visuales importantes, y algunos trucos muy inteligentes dentro de su narrativa, la obra se queda corta a nivel de historia, los personajes son muy forzados, y su intento de emular grandes obras como persona de Bergman o en algunos casos hasta el estilo videoartístico, no trasciende de ese punto; eso sí,la película de Rappaport, si alude a la perfección esa idea ya trasnochada, del cine independiente, que en los años 70, tuvo repercusión en el lenguaje audiovisual, montaje y estilo, que lograron acoodar de una manera más efectiva e inteligente el New American Cinema.