28 jul. 2019

Terror Incómodo: Una mirada a Hereditary y A quiet Place

En los últimos años el cine de terror ha variado en su forma y estilo, un terror que más que asustar, incomoda y hace pensar sobre los fenómenos recientes de racismo, disfuncionalidad familiar o simple y sencillamente, sobre la sexualidad, los empoderamientos, ya sean femeninos, sociales y demás, la religión y hasta nuestro miedos intrínsecos; es decir, el cine de terror se ha empezado alimentar de otras perspectivas dramatúrgicas, alejándose de las "reglas" o lugares comunes del género; obras como The Witch (2015), It Follows (2014), The Babadok (2014) entre otras, han reformulado la idea del "susto fácil" por estructuras narrativas sólidas, al igual que sus personajes o sus interpretaciones del universo cinematográfico (The Cabbin in the Woods); más que renovarse, el cine de terror se ha actualizado, y ha encontrado en la incomodidad,el mejor referente para sus obras como lo pudimos ver hace poco en las películas Hereditary y A Quiet Place (2018), porque si bien la dos son absolutamente diferentes en sus contextos, la primera es una inquietante tragedia familiar, llena de brujería y secretos ancestrales, mientras que  la otra, es una fábula posapocalíptica, donde el silencio es vital para proteger a la familia; las premisas de las dos películas, no escapan a las influencias del cine de ciencia ficción distópico  o al satanismo cinematográfico de los años 70, pero todo renovado o adaptado a esta época, con cierto tono metacinematográfico o posmoderno, donde el cine es la misma referencia de estas obras. 

Técnicamente son obras que no están alejadas de la fotografía oscura, los sonidos estridentes y la música tensionante, pero también cabe reconocer que todos estos elementos están en función de la narrativa, de lo que se cuenta y quiere expresar; la incomodidad se presenta también desde estos mismos elementos, y es aquí donde estas obras ganan en calidad, porque sus mismas atmósferas, se van haciendo más complejas, sórdidas y angustiantes; eso sí, hay que reconocer que Hereditary, cumple mucho más con las expectativas, no sólo por su forma y estilo, sino por el mismo desarraigo de su narrativa, en la que lo "surreal" y extraño se van haciendo más presentes, recordando obras como las Polanski, Don´t Look Now de Nicolas Roeg y cierto "descontrol" como en Jorodowsky; mucho más centrada en la epifanía y heroísmos es A quiet Place, que a pesar de fallar en su parte final, cumple con lo que se espera con una película de ci-fi distópico.

Las dos películas comparten personajes muy bien estructurados, afectados por la muerte de un ser querido, la culpa y cierto distanciamiento familiar; pero cada una está estructurada de manera diferente, Hereditary, es una inmoral fábula sobrenatural, en la que la familia, es casi una enfermedad, mientras que en A quiet Place, la familia es el sostén de la obra, por ende, cada personaje tiene un lineamiento que pasa, o de la inseguridad al heroísmo (A quiet Place, la hija sorda) o de la inseguridad a un liderazgo oscuro y sobrenatural (Hereditary).

Para finalizar, hay que reconocer que el cine de terror está apuntando a otras formas, donde la sangre y el leit motiv de sobresalto ya no esenciales, sino que por el contrario es un cine que hace pensar, reflexionar y hasta cuestionarse sobre ciertos estamentos de la sociedad actual, también porque es un cine que ha encontrado en la incomodidad y sus sinónimos, otra forma de afectar al público, e igualmente, reinventarse y cuestionarse al mismo género como en la películas de Peele Jordan  o el mismo Ari Aster con Hereditary.

Zoom in:  Para Ari Aster (Hereditary) fue su debut, en el caso de John Krasinski, es su tercera obra, aunque la  primera ajena a la comedia.
Las dos obras fueron muy bien recibidas por la crítica y público


     

27 jul. 2019

Monsieur Verdoux (material gráfico)














Monsieur Verdoux: Un Chaplin incómodo



“Un asesinato te convierte en un villano, millones en un héroe. Los números santifican. ¿No es la misma sociedad la que construye las armas con el único propósito de matar?, ¿no se han utilizado estas armas para matar mujeres, incluso niños inocentes de una forma en verdad, científica? Como asesino de masas, no soy más que un simple aficionado"

Monsieur Verdoux de Chaplin es una comedia negra, escrita en clave de crítica social, como muchas de sus obras, sin embargo, y lo que hace especial a este largometraje, no sólo es que el personaje de Charlot o del Vagabundo desaparece por completo sino que el tono de ésta, es la más oscura, satírica e incómoda de Chaplin, porque sí bien, el humor es evidente, dentro de éste no sólo se esconde esa crítica social sino el personaje más complejo e incorrecto creado por el comediante nacido en Inglaterra.

Desde un principio reconocemos, que este trabajo apunta a otra dirección en la carrera de Chaplin, no sólo por el estilo de la misma, sino por los recursos que utiliza éste, es decir el narrador homodiegético, que ya señala el destino del personaje, esa secuencia en la que Verdoux, en labores de jardinería evita la muerte de una oruga, mientras en el fondo quema a su nueva víctima y varias otras, en las que la inocencia de un Charlot, cambia a la de un refinado asesino.


El guión escrito por Chaplin pero basado en una idea de Orson Welles, no sólo fue nominado a los Oscar, sino que también fue censurado y no muy bien recibido por ciertos sectores estadounidense, hay que recordar que la película salió dos año después de finalizar la Segunda Guerra Mundial, y el antibelicismo de ésta, es evidente, así como la crítica a una sociedad capitalista e impregnada por los valores de la guerra.Porque Monsieur Verdoux, es la historia de un hombre, que al ser despedido como cajero de un banco, se convierte en asesino de mujeres ricas y solitarias, para mantener a su esposa en silla de ruedas y un pequeño hijo; pero también es una excusa para hablar de la brutalidad justificada de la guerra, la economía por encima de los valores y muchas de las identificaciones conceptuales del actor/director.

El guión, genial en su sencillez, tiene una serie de secuencias inolvidables como las palabras de Verdoux ante el jurado, el intento de asesinato a la nueva y rustica millonaria, las palabras y arrepentimiento con la joven mujer y varias otras, en las que la lucidez y mordacidad de Chaplin, siguen presentes.



Sin lugar a dudas el trabajo de Chaplin es excepcional, no sólo al hacer desaparecer por completo al personaje de Charlot, sino por hacer sentir empatia y coherencia por el personaje de  Verdoux; porque el gran triunfo de Verdoux, es hacernos caer en cuenta de lo que somos como sociedad, de las incoherencias de la guerra y sus heroísmos, del capitalismo como un ente que devora almas, incluyendo a la de Verdoux,  pero todo en un tono tan hiperbólico y chaplinesco, que olvidamos que además de un asesino de mujeres, es un misógino oportunista y un carácter propio que legó la Gran Depresión. Dentro del reparto podemos destacar Martha Raye y su "suertudo" e irritante personaje, así como a la bella Marylin Nash, reflejo de una nueva generación.

Personalmente, es un trabajo extraño, incómodo sí se quiere, que en su humor lo que prima es la ironía y la crítica, más que una serie de gags de "entretenimiento", aún así hay varias secuencias icónicas tipo Chaplin, enredos, caídas y humor físico. De todas maneras, a pesar de su fracaso en taquilla y mal recibimiento en los Estados Unidos, es una obra importante, porque fue un cambio de rumbo conceptual para Chaplin,y en cierto modo el punto de "caída de su popularidad" y persecución "mccarthista".


Zoom in:   Nominada a los Oscar a mejor guión
Chaplin fue sometido a un tratamiento desusadamente hostil por parte de la prensa mientras promocionaba el estreno de la película, y no tardaron en producirse algunos boicots. En una conferencia de prensa promocional, Chaplin hizo su discurso, luego invitó a preguntas de la prensa con las palabras «Procedan con la carnicería». (wikipedia)

Montaje Paralelo: Humor negro - Asesino de mujeres  






  

16 jul. 2019

Bicicinema: Father and Daughter


                            "Quien logre llegar a la maestría de la bicicleta ganará
                             la maestría de la vida".
                                                                                        Frances E. Willard

Este cortometraje ganador de un Oscar, no sólo es uno de los mejores trabajos del animador holandés Michael Dudok de Wit (La Tortuga Roja), sino que es un bello ejercicio de lenguaje cinematográfico (montaje y narrativa) en el que la bicicleta es una metáfora de la fragilidad del tiempo, una elipsis en el que la perdida, se ve reflejada en los pedaleos de una niña que busca a su padre; con ese aíre nostálgico pero dulce del animador holandés, nos encontramos frente a un trabajo que celebra la vida sin negar la fragilidad de ésta. Una historia donde padre e hija, y la bici son protagonistas.

Zoom in:  Mejor cortometraje, año 2000 (Oscars)

Montaje Paralelo: Ciclismo -Padre e hija

Ver (youtube): Father and Daughter (2000)

15 jul. 2019

Lumiere, la aventura comienza: Una clase magistral sobre los Lumiere y co.


"Lumière creó las tres preguntas para cualquier director, qué historia quieres contar, cómo lo vas a hacer y cuál es la posición de la cámara. El acto de Lumière es un acto total”                                                                                                                                                                    Thierry Frémaux (1)
Lumiere, L´Aventure Commence, más que un documental o una restauración de la obra de los "padres del cine" es un ensayo y reflexión por parte de Thierry Fremaux (director del Festival de Cannes desde 2001 y del director del Instituto Lumière de Lyon), que casi como en una clase magistral sobre los Lumiere, nos explica desde los anecdótico hasta los sublime del trabajo de éstos, un recorrido que analiza el cómo y la forma de esos primeros trabajos que conoceremos como vistas, además de la Francia de finales del siglo XIX, de la clase social de los Lumiere, y qué se iba gestando en el naciente siglo XX. 

La estructura de la obra, aunque sencilla, está muy bien planificada, cada vista es una magistral lección por parte de Fremaux, quien explica desde lo contextual y social, como lo podemos ver en el capítulo de la Salida de la Fábrica, en la que se expone a la clase social de los Lumiere, la "puesta en escena" de los obreros o esa clase trabajadora como diría Harun Farocki (2), igualmente el director francés se arriesga a sostener que los Lumiere fueron los primeros en crear efectos o comedia, con el Regador Regado o la pared que vuelve a su estado original. Lo gratificante de este trabajo es escuchar de la voz de Fremaux no sólo el conocimiento que tiene sobre los Lumiere, sino todo el componente anecdótico pero didáctico de sus palabras;  igualmente, no hay que olvidar que este es un trabajo de restauración y recuperación, porque además del "mejoramiento" de varios de los cortos de los Lumiere, también están esas vistas hechas por sus operadores Veyre, Promio y otros, que además de recoger las imágenes en movimiento también experimentaron lo que más adelante se entenderá como lenguaje cinematográfico, al colocar las cámaras sobre góndolas y su respectivo movimiento, o trenes o dispositivos que tuvieran un cierto recorrido, emulando o probando lo que conocemos como travelling, paneos o demás movimientos de cámara. 

Es curiosos encontrarse dentro de este mismo trabajo, que los Lumiere se hicieron un remake, que a pesar de no encontrarle un "futuro" al cine, si rodaron ciento ocho películas, algunas con un tono documentativo y otras como elemento recreativo, es decir lo documental y argumental, pusieron a prueba al espectador con las angulaciones de cámara 





Uno de esos trabajos que responden a las nuevas tendencias audiovisuales, es decir desde lo ensayístico, lo reflexivo sin perder su evidente naturaleza que es la patrimonial y recuperación de la memoria; igualmente porque es un trabajo que funciona perfectamente para entender los inicios del cine, pero también a los Lumiere, y la sociedad en tránsito del siglo XIX y la del XX, que entre positivista/científica, también se vislumbraba la de entretenimiento. Un genial y muy bello trabajo por parte de Fremaux en lo didáctico e intelectual y de los restauradores en los técnico y estético.


Zoom in: Presentada en Cannes como un clásico


Montaje Paralelo: Hermanos Lumiere - Inicios del Cine