tag:blogger.com,1999:blog-7683001998768188342024-03-14T01:18:31.829-05:00asalto visualandres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.comBlogger2002125tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-51288399714653782372023-12-29T19:30:00.003-05:002023-12-29T19:30:27.565-05:00Martin Scorssese: el dibujante<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWLysIU19J7CIftnXYn4hXO7Xl2ex4Vpg8HgkvKmcOU0EfweT-YO3RRfZGmw0dtlU3dYFLN3uVuIOuXlZcZAikC5Q2P7Skl46WV0b8sAIFml6TBy6y9Eo-7Ct_zUh4PuDpKwMkdyyZlu1Gv0xyxbxVSGcEK0sTi3kfspdCO3HDYHpo9WvmaNiUkcR9mMg/s2048/393309223_774154871387884_5925173661902734320_n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2048" data-original-width="1225" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWLysIU19J7CIftnXYn4hXO7Xl2ex4Vpg8HgkvKmcOU0EfweT-YO3RRfZGmw0dtlU3dYFLN3uVuIOuXlZcZAikC5Q2P7Skl46WV0b8sAIFml6TBy6y9Eo-7Ct_zUh4PuDpKwMkdyyZlu1Gv0xyxbxVSGcEK0sTi3kfspdCO3HDYHpo9WvmaNiUkcR9mMg/w382-h640/393309223_774154871387884_5925173661902734320_n.jpg" width="382" /></a></div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPtUWrCuv3MEjVCHTUdc1MCiqlLGGP1p41dc9SSGxBC9zFH0MYRFRKdP_cU9BqyRvSPfjpSdFyJ1omcRmN1InWzAdjeXUt1utUo8bWP27R0IKW0R5C6KLso0CZGqHL-KFsZOaZF3kansIvWNQY2vsT9cC_ka4fCOoAKJLF4cAId0yO1fzN-SAicgw4aPc/s1080/ahead-of-his-new-movie-here-are-original-drawings-by-martin-v0-t2y01jpy99tb1.webp" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="640" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPtUWrCuv3MEjVCHTUdc1MCiqlLGGP1p41dc9SSGxBC9zFH0MYRFRKdP_cU9BqyRvSPfjpSdFyJ1omcRmN1InWzAdjeXUt1utUo8bWP27R0IKW0R5C6KLso0CZGqHL-KFsZOaZF3kansIvWNQY2vsT9cC_ka4fCOoAKJLF4cAId0yO1fzN-SAicgw4aPc/w380-h640/ahead-of-his-new-movie-here-are-original-drawings-by-martin-v0-t2y01jpy99tb1.webp" width="380" /></a><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKpT1ZIbUZ6ETNrQYyFS1V5O9NGhkfWUkqce30-r_zwLYkC1fpo3zl8f4fmtzksnwxTMsVLNLDiDPvWBx9hM8j5zVWDe0hrn8-vsW5Vh_EHcCkf1XAfQeKBMr0ebk5hPvi2fZlhZfWxv50765K2iwDL9yLQ5YyR_XtaeZLEiNVAD7ymEWS0YGNhgdXnWU/s1110/16510040_906.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="624" data-original-width="1110" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKpT1ZIbUZ6ETNrQYyFS1V5O9NGhkfWUkqce30-r_zwLYkC1fpo3zl8f4fmtzksnwxTMsVLNLDiDPvWBx9hM8j5zVWDe0hrn8-vsW5Vh_EHcCkf1XAfQeKBMr0ebk5hPvi2fZlhZfWxv50765K2iwDL9yLQ5YyR_XtaeZLEiNVAD7ymEWS0YGNhgdXnWU/w640-h360/16510040_906.jpg" width="640" /></a></div><br /><br /><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBOouNl_3G456COe589neFbypZSogv9FAZHzp7JguUzXB6rbGIO1BQk1JkRzJnsvpnHLK2GQIBH2_HEgZLaQ0H30aQu6FBASvUgdPuxqLS-vym0NE8aAqSZKAxSoRdUTFhIcF2mKzWqQ9KiD6gQrT5ACMSNft3TnEvGF1kZEvMp24vvYn33FpjiJc-UoY/s960/Original-Storyboards-from-Raging-Bull.webp" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="587" data-original-width="960" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBOouNl_3G456COe589neFbypZSogv9FAZHzp7JguUzXB6rbGIO1BQk1JkRzJnsvpnHLK2GQIBH2_HEgZLaQ0H30aQu6FBASvUgdPuxqLS-vym0NE8aAqSZKAxSoRdUTFhIcF2mKzWqQ9KiD6gQrT5ACMSNft3TnEvGF1kZEvMp24vvYn33FpjiJc-UoY/w640-h392/Original-Storyboards-from-Raging-Bull.webp" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /> <p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-69427162004780159932023-12-22T18:06:00.003-05:002023-12-22T18:06:21.945-05:00The Lighthouse: La mente no es un faro<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh75Rjuh9DXHnUU0fjanhAzrdsrzJpa4DFSJ6vtezRJknJgT5SMxzXVSuK4SU3ikdv5gY2mjPNhW4sAImOb1CT8VvxoP1DJeyFr1Do0KD1qm95JQCru6uF6WBwDVQKm2SCfEbbMT_84f53kfe2w03Y3w6SRXQBLAEVopeRrO80VbF_Zvue4-fNHHs3J7Xs/s1200/El_faro-929309607-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="810" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh75Rjuh9DXHnUU0fjanhAzrdsrzJpa4DFSJ6vtezRJknJgT5SMxzXVSuK4SU3ikdv5gY2mjPNhW4sAImOb1CT8VvxoP1DJeyFr1Do0KD1qm95JQCru6uF6WBwDVQKm2SCfEbbMT_84f53kfe2w03Y3w6SRXQBLAEVopeRrO80VbF_Zvue4-fNHHs3J7Xs/w216-h320/El_faro-929309607-large.jpg" width="216" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div style="text-align: center;"><span style="color: #666666;"></span></div><blockquote><div style="text-align: center;"><span style="color: #666666;"><b><i><span style="font-family: helvetica;">La ira es una corta locura</span></i></b></span></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div style="text-align: center;"><b><i> Horacio</i></b></div></span></blockquote><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div style="text-align: center;"><b><i></i></b></div></span><div style="text-align: center;"></div><p></p><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El aislamiento, ya sea impuesto o por propia decisión, tanto en la literatura como en el cine, no sólo se termina alimentado de las obsesiones sino de las necesidades de quienes o quien se ha sometido a dicha situación, igualmente porque el aislamiento siempre está acompañado de ciertos rasgos de locura, y de los recovecos más oscuros de la mente, en cierto modo Robert Eggers, el cada vez más afamado director estadounidense nos presenta no sólo su visión sobre el aislamiento de dos hombres que cuidan un faro, sino hasta donde las pulsiones y las personalidades en choque, crean otras realidades; además, porque en este caso, desmitifica la frase, que nuestra mente es un faro.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Para Eggers, la relación entre misticismo, folclor y el lado más oscuro de la mente, está presente en su corta filmografía, cabe recordar su ópera prima La Bruja (2015) y en algunos pasajes de The Northman (2022), pero con The Lighthouse sintetiza estas características en los papeles de Williem Dafoe y Robert Pattison, dos fareros que durante cuatro semanas estarán aislados en una remota isla de Nueva Inglaterra; hombres místicos, cercanos al folclor local y de los marineros, que desde el principio, estarán confrontados en un <i>tour de force</i> no sólo de sus personalidades sino de sus creencias y moral.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Influenciado por la pintura como de la literatura romántica estadounidense de mediados del siglo 19, el director estadounidense, nos adentra en la psique de dos hombres, o mejor de dos personalidades enfrentadas, que así como las monedas hacen parte de una misma entidad; Eggers junto a su hermano Max, escriben un guión, que en un principio tenían ecos a la literatura de Edgar Allan Poe que se trasnsmuta en un estudio psicológico sobre la identidad - o la falta de ésta-, el aislamiento, ciertos tintes homoeróticos y la locura, como un acto tan humano como sobrenatural: el faro, casi como un arcano de los dioses, es decir, como el fuego robado, la manzana del pecado o en este caso, la propia lucidez de los protagonistas.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgUHoAhcT0I68mPxL2i_Xe4oZ_2E7AABKdSP8uNnbf2sQXJNA9G4mpqfIsRlssvAz7hNiCPFIwpmpNdcceIRCbPZCLBAKL0uf97zRbQifnVU7eTs5JXUNKO3EOVgf0IiFtUlB_tul_T8BzvMIROH_qV91ZxuF333mrUGV8teC95FkrOn8Gy00OLcGWkPhI" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1333" data-original-width="2000" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgUHoAhcT0I68mPxL2i_Xe4oZ_2E7AABKdSP8uNnbf2sQXJNA9G4mpqfIsRlssvAz7hNiCPFIwpmpNdcceIRCbPZCLBAKL0uf97zRbQifnVU7eTs5JXUNKO3EOVgf0IiFtUlB_tul_T8BzvMIROH_qV91ZxuF333mrUGV8teC95FkrOn8Gy00OLcGWkPhI=w640-h426" width="640" /></a></div><br /> </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>La mente y su retrato </b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La dupla Jarin Blaschke y Eggers, ha logrado traducir no sólo visualmente esos mundos que bordean el terror psicológico sino el misticismo de unas realidades afectadas por la mente de los protagonistas, sin quitarle el mérito de Blaschke tanto técnica como conceptualmente, de llevar lo pictórico a las imágenes en movimiento, porque este director de fotografía, mano derecha de Eggers, además de encontrar en todos los artilugios técnicos ese ambiente asfixiante logra imprimerle a su fotografía ese tono pictórico que además de reflajar la locura o decandencia psicológica del personaje, también entra en la dualidad que quiere evocar el director.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Para la fotografía de este trabajo </span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Blaschke usó una cámara de 35 mm, lentes vintage y una película de alto contraste que más que emular una época, refleja el estado mental de los protagonistas. Cabe resaltar que además de los componentes técnicos ya señalados, lo que logra este director de fotografía se revela en la inspìración pictórica del alemán Sasha Schneyder, del artista belga Jean Delville y Arnold Boklin, muy cercanos al románticismo y el simbolismo de finales del siglo 19.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La fotografía de The Lighthouse está complementada por el gran trabajo musical de Mark Korven, quien entre sonidos tenebrosos, cuerdas, y ruidos marinos, nos adentra aún más en esa atmosfera inquietante.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgJ04IdJ3-C35VG-lczOeT5-6lmyQMsGqcndbXonhoMXhJ2ETKGT1UOGwWrFuKM_6q0IKvdyzICW7Y10p-PeIyk1m5x-yri64xS_C3RhWh4Fd0Z3imMAJ2kzcW8YfTdvtKWP84Jok0Xihjljfnr6T_u2w49pR0T9NEY6jiCY9j5QmKjcVZLMEKyARRKQQo" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="493" data-original-width="1180" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgJ04IdJ3-C35VG-lczOeT5-6lmyQMsGqcndbXonhoMXhJ2ETKGT1UOGwWrFuKM_6q0IKvdyzICW7Y10p-PeIyk1m5x-yri64xS_C3RhWh4Fd0Z3imMAJ2kzcW8YfTdvtKWP84Jok0Xihjljfnr6T_u2w49pR0T9NEY6jiCY9j5QmKjcVZLMEKyARRKQQo=w640-h268" width="640" /></a></div><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El aislamiento, el mejor maestro de actuación</b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Pero todo lo anterior no sería tan eficiente sin las grandes actuaciones de Willem Dafoe y Robert Pattison, quienes llevan el aislamiento a grandes niveles de performance y locura, cada uno, a su manera, reflejan el quiebre psicológico, en el que la soledad, el alcohol y su misma naturaleza, afectan. Pattison más contenido, y por lo consiguiente el lado más oscuro, y Defoe con una expresividad llevada la máximo, son caras de una misma moneda, la de una identidad perdida, propia de diversas mitologías, y otra que Eggers ha ido creando con su filmografía, porque es innegable que el cineasta estadounidense, tiene referencias en sus otras obras, y que las conexiones seguirán presentes de una forma o de otra.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Zoom in: </b> Nominada y ganadora en varios festivales, principalmente por su fotografía, dirección y guión.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Montaje Paralelo: </b>Aislamiento -marineros - Terror psicológico.</span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-78951324044174836512023-11-24T11:06:00.001-05:002023-11-24T11:06:05.973-05:00Inauguración: Exposición: Colombia Extrema, el país visto por el punk y el metal<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1ltNvFjWchJhs_j5JH8oOu4WwOyidU0ot6F48bELJdWtOODgNVFqV05EDb5TutwCDku1TjvE643ka83L1E-bvOe6TuuLSZ2lxTe3MlBFOGJpy-2U8OeSBMXFtt-DdZXUMKHBbbkejqAaj5_cEdHorakMe5mN3bO2_flWMj9NAuGwCDw0dcKo14Kiwf2g/s4264/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2960" data-original-width="4264" height="444" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1ltNvFjWchJhs_j5JH8oOu4WwOyidU0ot6F48bELJdWtOODgNVFqV05EDb5TutwCDku1TjvE643ka83L1E-bvOe6TuuLSZ2lxTe3MlBFOGJpy-2U8OeSBMXFtt-DdZXUMKHBbbkejqAaj5_cEdHorakMe5mN3bO2_flWMj9NAuGwCDw0dcKo14Kiwf2g/w640-h444/1.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYWu13egu7SG_2usmP-cs8gipzgaA9dC3c3aB7RnEDP4UGjgE2yK3-pjMKFflocQ7wNDHqNExIudGoi_wp9hERZ6t3bh9zfM4TtCHQLBBtGadpqq8MOANxueYcHdzw6s_M0fkiw6_p4XtLXydKeQ3me8tPezQQ9lNZf2H1d66Bx8_HnsDT-HJyWfO1FaE/s4472/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2848" data-original-width="4472" height="408" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYWu13egu7SG_2usmP-cs8gipzgaA9dC3c3aB7RnEDP4UGjgE2yK3-pjMKFflocQ7wNDHqNExIudGoi_wp9hERZ6t3bh9zfM4TtCHQLBBtGadpqq8MOANxueYcHdzw6s_M0fkiw6_p4XtLXydKeQ3me8tPezQQ9lNZf2H1d66Bx8_HnsDT-HJyWfO1FaE/w640-h408/2.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmeLISZ6wUUYu8yz1ow1M7vWkCvXU5Kva23IBGxxVFzVoHJVZXbsYujZhVik6xbWoVjvCMAnoMMmvz1hbspN5OTXILuTSdbyztfWDtJCAC1Ik_zltWyBh-xgp-lmfbk_ehD14oDuo3qzBWjLQo1kR-z1B1JbViVqJ-DkGwOpqFEVs9HLk_5zeurtaBGBc/s4088/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2872" data-original-width="4088" height="450" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmeLISZ6wUUYu8yz1ow1M7vWkCvXU5Kva23IBGxxVFzVoHJVZXbsYujZhVik6xbWoVjvCMAnoMMmvz1hbspN5OTXILuTSdbyztfWDtJCAC1Ik_zltWyBh-xgp-lmfbk_ehD14oDuo3qzBWjLQo1kR-z1B1JbViVqJ-DkGwOpqFEVs9HLk_5zeurtaBGBc/w640-h450/3.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxzNkQQ-t-82Ol4GSCQtimD521tLwZWOEmWyVWVRigdfHHeKPeetozHStHMkt_HQzZfyAmn6-p4sKv0seZ1bHDiiBByCcisynLIu3f04MnXvSC3i8mRPhyphenhyphenR9Xp__nGPIcKg9IKrVprMaYzsTwOz5hHDaP8mIRjUWWUFk8hSN3sI8sKoQp5iRmgVHztxGM/s4448/4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2792" data-original-width="4448" height="402" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxzNkQQ-t-82Ol4GSCQtimD521tLwZWOEmWyVWVRigdfHHeKPeetozHStHMkt_HQzZfyAmn6-p4sKv0seZ1bHDiiBByCcisynLIu3f04MnXvSC3i8mRPhyphenhyphenR9Xp__nGPIcKg9IKrVprMaYzsTwOz5hHDaP8mIRjUWWUFk8hSN3sI8sKoQp5iRmgVHztxGM/w640-h402/4.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQs7RR-Yr-1I1sNGgMhsT3lyzW9QMqtQXUCnAFe_s09zguXC85GW3xRZhi6MsBuVaXuRyltk_XST7reolJj2NlWZCdu0KsF7lTLPvWLF6ZWl5c3wu-Elx-fmOL6ur35t0wHSJEXCS4W0tkVb5z4eMHtFmCKaA4GHL1URl0RXzb2e9i6QVpjES75KuzKKY/s4280/5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2840" data-original-width="4280" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQs7RR-Yr-1I1sNGgMhsT3lyzW9QMqtQXUCnAFe_s09zguXC85GW3xRZhi6MsBuVaXuRyltk_XST7reolJj2NlWZCdu0KsF7lTLPvWLF6ZWl5c3wu-Elx-fmOL6ur35t0wHSJEXCS4W0tkVb5z4eMHtFmCKaA4GHL1URl0RXzb2e9i6QVpjES75KuzKKY/w640-h424/5.jpg" width="640" /></a></div><br /><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> </span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En el Museo de la Indepencia Casa del Florero, se inauguró la exposición temporal Colombia Extrema, el país visto por el punk y el metal, donde estos géneros musicales, no sólo se escuchan como ecos de una compleja realidad, que además ha sido acompañada de una gráfica particular, no sólo acorde a sus sonidos sino a una actitud, entre lo contestario y lo disruptivo.</span></p><p><br /></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Museo Casa de la Indepencia:</span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> Cra 7#11-28</span></p><p><br /></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-21041822027004367972023-11-19T20:16:00.004-05:002023-11-19T20:16:35.130-05:00Bicinema: La bici de Ghislain Lambert<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcwF78lanjqVOvaalXI30QdLMyd43KeYvXDaYxHacyD7WBEQx1KTLfa9Sj0TnhIHD-ZhwS57-87Nc8JnKHg069GzHsUBFG0HaNOvn63z6jVEUtosXBB_Zpo3XAsyD1LD126uAzJRge6PBgflk-SSXMjKQEj7GBvXMyvVpR9p88GvTa988DOCub1t11sBQ/s800/La_bici_de_Ghislain_Lambert-532736514-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcwF78lanjqVOvaalXI30QdLMyd43KeYvXDaYxHacyD7WBEQx1KTLfa9Sj0TnhIHD-ZhwS57-87Nc8JnKHg069GzHsUBFG0HaNOvn63z6jVEUtosXBB_Zpo3XAsyD1LD126uAzJRge6PBgflk-SSXMjKQEj7GBvXMyvVpR9p88GvTa988DOCub1t11sBQ/s320/La_bici_de_Ghislain_Lambert-532736514-large.jpg" width="240" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="background-color: white; color: #111111; text-align: left;"><span style="font-family: helvetica;"></span></span></div><blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="background-color: white; text-align: left;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i><b>Montar en bicicleta. Montar en bicicleta. Montar en bicicleta.</b></i></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="background-color: white; text-align: left;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i><b> Fausto Coppi</b></i></span></span></div></blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Para quienes montamos bicicleta, ya sea de forma recreativa o deportiva, este medio de transporte, es uno de lo más efectivos y libres para el desplazamiento, es un gran ejercicio y una grata experiencia, tanto individual como colectiva; pero el ciclismo como una práctica competitiva, puede estar más cerca del calvario y la frustración que cualquier otro deporte, eso es lo que recoge el director belga Phillipe Harel, quien nos acerca a Ghislain Lambert, un ciclista promedio en plena época de Eddie Merckx, que quería ser el mejor, con más corazón que piernas. Con guión de Harel, el actor principal Benoit Poelvoorde y Oliver Dazat, quienes entre el drama y la comedia, revelan no sólo la dureza de este deporte sino su lado B, esa cara oscura y menos glamorosa, la del dopaje, los fracasos y la mala publicidad; ambientada en los años 70, de un imbatible Eddie Merckx, y uno de esos momentos icónicos del ciclismo, por su competitividad y calidad.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Ghislain (Poelvoorde) fue uno de esos tantos ciclistas europeos que además de ser profesionales, querían ser los mejores, en un mundo donde ya existía el mejor y más completo ciclista: Eddie Merckx, este icono y a la vez fetiche para Ghislian, alentará a su personalidad, entre inocente y exagerada, a darlo todo por el ciclismo, desde su mayor esfuerzo hasta el dopaje y cierta corupción, que no era ajena a dicho deporte en ese momento; sus compañeros, hermano y esposa, serán sus mayores admiradores y enemigos a la hora de entenderlo y apoyarlo, donde el director acomodará el lado más humorístico de la obra, porque Poelvoorde, con sus característicos rasgos, es el mejor receptor de lo amargo y dulce del ciclismo y de quienes lo rodean.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEih-G55gVWdDht1FAK85hn2EscAun9u-KXajf39acglr1-TjAcLi5phmTSpAHszaiI5NPot-QedC73S3tcM3cLzEFjDOV4M5O9SKKJLiCQ_otghf2W5UGPPLqy5qTu-ebTDI8uc8vn6lMynO02hoU8HnH8TRg6C9hnFJYLm78niMABinSyqJjz9TN24NxQ" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEih-G55gVWdDht1FAK85hn2EscAun9u-KXajf39acglr1-TjAcLi5phmTSpAHszaiI5NPot-QedC73S3tcM3cLzEFjDOV4M5O9SKKJLiCQ_otghf2W5UGPPLqy5qTu-ebTDI8uc8vn6lMynO02hoU8HnH8TRg6C9hnFJYLm78niMABinSyqJjz9TN24NxQ=w640-h360" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjMMbFMSmzwFKd5FmPYKiMGKqmzeScXk9HeSRF_nBN4y6DW3NjbT0_SRlpowgV6LGt0abdhQXn9qjwuYwKHPSMa8DcV98gktFIKobfMSg3wJW15Y7-UKfueuqTTd1NE-ao8JAkeKQhasslwXXx4NliatkH0vIZLgidl4mTQJWkEU-hiO7Kd4vnAGGSTIkA" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="713" data-original-width="1200" height="380" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjMMbFMSmzwFKd5FmPYKiMGKqmzeScXk9HeSRF_nBN4y6DW3NjbT0_SRlpowgV6LGt0abdhQXn9qjwuYwKHPSMa8DcV98gktFIKobfMSg3wJW15Y7-UKfueuqTTd1NE-ao8JAkeKQhasslwXXx4NliatkH0vIZLgidl4mTQJWkEU-hiO7Kd4vnAGGSTIkA=w640-h380" width="640" /></a></div><b><br />En el podio técnico y su farolillo rojo</b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La película de Harel es correcta en su fotografía y montaje, porque donde tiene mayor esfuerzo es en su ambientación de los años 70, y evidentemente en todo lo relacionado al ciclismo, tanto las bicicletas como la ropa, nos imbuyen en la época, y le dan sentido a ese concepto de competitividad y esfuerzo de tal deporte.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque la obra se centra en el protagonista, la presencia de Merckx y la "pureza" de este deporte, es todo lo contrario a Ghislain, quien lo va revelando en su personalidad, aspecto y porque no, hasta en su atuendo, lo que también nos deja ver todo lo que significaban los uniformes, y demás elementos, no sólo en lo evidente y sus marcas patrocinadoras, sino lo que reflejaban en la capacidad y hasta personalidad de los ciclistas.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">También cabe destacar la actuación del reconocido actor belga </span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Benoit Poelvoorde, aunque su aspecto y edad, no fueran los más certeros como representación de un ciclista, sus expresiones, son el mejor mapa de sus triunfos y desgacia.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Zoom in: </b>Ganadora a mejor guión en San Sebastián (2001)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Montaje Paralelo:</b> Ciclismo - Vive Le tour (1962)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><br /></span></div>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-48647601428095056592023-11-09T21:44:00.001-05:002023-11-09T21:44:06.114-05:00 El “adiós” nunca es salvaje, una reflexión sobre Adieu Sauvage*<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiPCGQclzy_pSqjT_3nGJYdb8_zkt0ks1GeAYadzAkG7qQR-Bg6kM3N_n3BXKpmJi05nDV_I-kKs_r5LIZ4MdKe84IorTir3oG9DaNmesS2qFBCczYuVbZD32bxmlQ76Ok6UpuN3rWQhMQNTvU3i__qELGS6T_u-8xeR7n7X7EdkF_zl6WgXlwa-Bl9DFc" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="432" data-original-width="300" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiPCGQclzy_pSqjT_3nGJYdb8_zkt0ks1GeAYadzAkG7qQR-Bg6kM3N_n3BXKpmJi05nDV_I-kKs_r5LIZ4MdKe84IorTir3oG9DaNmesS2qFBCczYuVbZD32bxmlQ76Ok6UpuN3rWQhMQNTvU3i__qELGS6T_u-8xeR7n7X7EdkF_zl6WgXlwa-Bl9DFc=w223-h320" width="223" /></a></div><br /><br /><p></p><span id="docs-internal-guid-d6085134-7fff-6bd0-4099-1fd751a78596"><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;">Si la identidad es una convención, y podemos entender a la convención como un acuerdo entre personas, ¿qué puede buscar un hombre que ha perdido su identidad?, o mejor, un pueblo que vive de convenciones con una identidad absorbida por la sociedad; es posible que esa respuesta no sólo no se encuentre, sino que no quiere ser respondida, pero que siempre será buscada como toda indagación del mundo, algo que el cine documental intenta desarrollar en su forma y estilo; el documental casi siempre será un viaje con una pregunta que no siempre tiene respuesta, como sucede con la ópera prima de Sergio Guataquira, un viaje, una road movie de la identidad, de su identidad - como gran parte del cine latinoamericano- que no busca heroísmo sino un trasegar, temático y exploratorio del director que retrata con humor y con nostalgia, eso que llamamos colonialismo o exotismo, en el que además nos cuenta su historia, o las historias, aludiendo un poco a Todorov, en el que el acto de narrar ese insumo tan vaporoso como tangible, vamos a encontrar sus convenciones, es decir acuerdos, no sólo de palabras, también de silencios, como aquellos en los que los rostros se hacen paisaje, paisaje de nostalgias, paisajes de silencios, como la conversación que tienen es la zona más alta de ese sitio, conversación en la que la naturaleza no sólo es el fondo, sino el reflejo de sus sentimientos, donde la soledad, la nostalgia y la tristeza son mantras.</span></p><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></p><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj-njMcU4zLxNiOYgYhMaFROd03CEw77kRphQe8c_T_v3r3thCGqitdN_Ry9F8bb0yVl2Lr27IOOJhqDMTxSqw5rSEE40untKFzG5yHrB2XfKHq3hTcZizO8QW5h-paP1eWQwMhf4xYhSah0tsbdeRA-MOuR9zxk3CfO6N4x9bNMPXNyCRkYSJyJ7zBvhY" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="450" data-original-width="1080" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj-njMcU4zLxNiOYgYhMaFROd03CEw77kRphQe8c_T_v3r3thCGqitdN_Ry9F8bb0yVl2Lr27IOOJhqDMTxSqw5rSEE40untKFzG5yHrB2XfKHq3hTcZizO8QW5h-paP1eWQwMhf4xYhSah0tsbdeRA-MOuR9zxk3CfO6N4x9bNMPXNyCRkYSJyJ7zBvhY=w640-h266" width="640" /></a></span></div><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"><br /><br /></span><p></p><span style="font-family: helvetica;"><br /></span><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;">El documental que inicia con una nubes y el relato en pasado de un linaje olvidado, es también la búsqueda de una identidad, de esos que no tienen ciertas palabras, ciertos privilegios, ciertas voces, pero que siempre responden con la verdad de sus misterios; el documental de Sergio Guataquira, uno de los últimos chibchas, como dice él, entre lo anécdótico y la negación de una herencia no del todo querida, viaja desde Bélgica, en una exploración, que pone en debate el peor y a la vez más poético ejercicio de dominación, y es hasta la forma de amar, porque como dice el director antes de entrar a la selva: - “mañana conoceré a un pueblo que se está muriendo de amor ….mientras que en su idioma no saben decir “te amo”.-, lo cuál hará que el director profundice como un observador entre anónimo y conejillo de indias de su propio desconocimiento, en la cultura Cácua, una que como tantas otras comunidades indígenas, han tenido en el suicidio de sus jóvenes no sólo un acto de rebeldía, desamor o colonización, sino de un ritualismo, que a la final, como otros viajes no tienen respuesta o mejor, se hacen ausentes. </span></p><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></p><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhbrWlh2gexjhAy41Q6IAC3Bub68GLl5_AENrrBCzoPe6cj3dxwjyh5_h5mPEhL7hQ-6GSquOmp0MleeCx4PrS4W7mcrKnC9n2W1GlclWwLsGMZCtpuldB4Yrk7GG-hmxQaFhg765jxW2EzuR9bHShcfNWxcbgzhraRfJZjLFaMcr1lp1jb99FuM6XzLBs" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="576" data-original-width="1152" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhbrWlh2gexjhAy41Q6IAC3Bub68GLl5_AENrrBCzoPe6cj3dxwjyh5_h5mPEhL7hQ-6GSquOmp0MleeCx4PrS4W7mcrKnC9n2W1GlclWwLsGMZCtpuldB4Yrk7GG-hmxQaFhg765jxW2EzuR9bHShcfNWxcbgzhraRfJZjLFaMcr1lp1jb99FuM6XzLBs=w640-h320" width="640" /></a></span></div><span face="Arial, sans-serif" style="font-family: helvetica; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"><br /><br /></span><p></p><span style="font-family: helvetica;"><br /></span><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;">La voz de Guataquira, no sólo como narrador sino como protagonista, también sufre un viaje, una transformación, iniciando con una búsqueda y finalizando con el alivio de un propósito de retornar con una amistad ganada, pero también cabe señalar, como esa voz dominante de una nueva lengua materna, -el director está nacionalizado belga-, absorbe a la original, un español claro, pero disminuido por diversos factores, como una especie de </span><span face="Arial, sans-serif" style="font-style: italic; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;">autocolonización</span><span face="Arial, sans-serif" style="font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;">, de la que se va desprendiendo en la selva; Guataquira indaga en algunos puntos sobre la nostalgia, la tristeza y ese dolor escondido que parece tomarse la pantalla en ese logrado blanco y negro fotográfico, tan impostado y antinatural en el documental, pero acorde a la expresividad del director y a ese tono de desazón que embarga a la comunidad, que no sólo busca una respuesta al suicidio de los jóvenes indígenas sino a sus propias ideas, que como el río, se divide; una separación no sólo de las comunidades, de las costumbres sino de su fluir, uno en constante movimiento, el de los pensamientos. </span></span></p><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"><br /></span></span></p><p dir="ltr" style="line-height: 1.38; margin-bottom: 0pt; margin-top: 0pt; text-align: right;"><span style="font-family: helvetica;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-size: x-small; font-variant-alternates: normal; font-variant-east-asian: normal; font-variant-numeric: normal; font-variant-position: normal; vertical-align: baseline; white-space-collapse: preserve;"><i>*Este texto hizo parte del taller de Escritura Creativa de la MIDBO</i></span></span></p><br /></span>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-48989187776851731432023-10-03T18:22:00.005-05:002023-10-03T18:25:52.597-05:00Especial: Mujeres a bordo de un ataque de....sueños<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5tFwMjPbeqPrZGMEV_mTquZrnkFawIgbHEC4gxv9klrqPlKmvToX6SJUXwo_EPVYLu9OfDonAXhetgkZYOdhSETlQCn8gERSsM3Ht2J5LpVc2PVKAQ1l4QMnn-uvuAKVTTCxby4CvvgWy9ZeroGvWNJTPJbWqMSItxxXzb8koOwIWEcyUqlgK_-JqqzQ/s2000/ESP%C3%88CIAL.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2000" data-original-width="2000" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5tFwMjPbeqPrZGMEV_mTquZrnkFawIgbHEC4gxv9klrqPlKmvToX6SJUXwo_EPVYLu9OfDonAXhetgkZYOdhSETlQCn8gERSsM3Ht2J5LpVc2PVKAQ1l4QMnn-uvuAKVTTCxby4CvvgWy9ZeroGvWNJTPJbWqMSItxxXzb8koOwIWEcyUqlgK_-JqqzQ/w400-h400/ESP%C3%88CIAL.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div style="text-align: justify;">Aunque el sueño y el amor, se pueden entender como procesos, son totalmente ajenos en su definición y forma, aunque uno se pueda confundir con el otro, como las canciones y poemas lo reseñan, su unión llevada a los extremos se transforma en su versión más oscura: es decir las pesadillas; en este especial, no sólo el amor se vuelve una pesadilla sino que los personajes parecen vivir en ese purgatorio de la irrealidad que también colinda con los sueños.</div></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Las películas que vamos a reseñar aunque compartan ese límite entre el sueño, la pesadilla y el amor, donde las mujeres además de objeto de deseo son el propio delirio, no tienen mucho en común, tanto en su forma como en su género, por el contrario cada una es un universo tan disimil y apartado, como es entendido el amor.</span></p><p style="text-align: justify;"><b style="color: #666666; font-family: helvetica;">La interpretación de los....</b></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Eso sí, Freud que pensaba que los sueños, se podía entender como una asociación de símbolos, algo que tampoco es muy ajeno a lo cinematográfico, y que en estas películas, se deja en evidencia, ya sea en el montaje, formas narrativas o en su misma estructura; donde el murmullo surrealista, de las profundidades de la mente se revelan.</span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Estoy pensando en dejarlo / <span style="background-color: white;">I'm Thinking of Ending Things (2020)</span></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><span style="background-color: white;"><br /></span></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><span style="background-color: white;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjrU2GXVyqULun11-adDeMnwegDF-uLh97MTj3nKkfyJ39TGJ8xAfDs1FAIIMJym3dKtRZ0888cBAxzEyL4qc43i2HKSTaoFfkM7_r8Xb7_cNP6czkH5WU1nBpDNIb6xGbb5UgVO0tF80UNoCIsKtREEhcpim1fJ-UTFvTTM2JGyPfJ2NKEg_CegjBrDR0" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="484" data-original-width="320" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjrU2GXVyqULun11-adDeMnwegDF-uLh97MTj3nKkfyJ39TGJ8xAfDs1FAIIMJym3dKtRZ0888cBAxzEyL4qc43i2HKSTaoFfkM7_r8Xb7_cNP6czkH5WU1nBpDNIb6xGbb5UgVO0tF80UNoCIsKtREEhcpim1fJ-UTFvTTM2JGyPfJ2NKEg_CegjBrDR0=w212-h320" width="212" /></a></div><br /><br /></span></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><span style="background-color: white;"><br /></span></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;">Tercera película de Charlie Kauffman, que toma muchas de sus obsesiones, donde el amor, la lucidez y la identidad son confrontadas no sólo desde lo discursivo sino desde su misma sustancia afectiva, llevando a los límites de la mente y de ese personal viaje que no sólo es el sueño sino el amor, o mejor el fin de éste.</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;">Kauffman crea un brillante ejercicio de confusión tan cercano a los sueños como a las incoherencias que se presentan en una relación, desprendiéndose de ciertas lógicas, muy bien trasladas al montaje cinematográfico y su continuidad, como a los "mundos" que separan a una joven mujer (Jessie Buckey) y Jake (Jesee Plemmons), quienes llevan un tiempo corto de noviazgo.</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><b><br /></b></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><b>Primera persona del ....</b></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><b><br /></b></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;">Aunque, desde el punto de vista de la joven mujer - la cual recibirá diversos nombres-, nos acercamos a su relación con Jake, y su intención de finalizar dicho noviazgo, es Jake quien expande ese mismo universo de sentimientos. Con Kauffman sabemos que además de complejizar lo rutinario, en ese transito se pregunta sobre sí mismo, sobre la cultura, sobre el amor y sus demonios, y ante todo, esa particular forma de contar, en la que, las figuras retóricas se vuelven imágenes en movimiento. </span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjDO4JVLp4KvO_OTLlrq2FVFm1Gjd8ko33JS4MqqKEX76ZgDJtuxKQSsg1BiV-gZ8o0vreAPiMrUVEQBEJJdkxXkaNBPLREVRP4l5rBl2SdKIALXtBhZL9-EUBJk-Ga3GmOFpV1jGqMB00dfifzqiPfxpeeqa4Lf5_5d0UsFq7CsXqIXbdWrn_mPoXmbtE" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1333" data-original-width="2000" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjDO4JVLp4KvO_OTLlrq2FVFm1Gjd8ko33JS4MqqKEX76ZgDJtuxKQSsg1BiV-gZ8o0vreAPiMrUVEQBEJJdkxXkaNBPLREVRP4l5rBl2SdKIALXtBhZL9-EUBJk-Ga3GmOFpV1jGqMB00dfifzqiPfxpeeqa4Lf5_5d0UsFq7CsXqIXbdWrn_mPoXmbtE=w640-h426" width="640" /></a></div><br /><br /></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><b>Jake "Chica sin nombre" Kauffman</b></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;">Entendemos o vamos reconociendo que Jake, la joven mujer y los demás personajes son Charlie Kauffman, o mejor sus pensamientos, argurcias intelectuales, referencias y discursividad; y eso no es ni mucho menos un gran descubrimiento, los grandes guionistas y autores de cine lo han hecho, sólo que Kauffman lo lleva a un nivel más profundo, pero a la vez más evidente, es decir el director estadounidense, es un gran reflejo de la intelectualidad cinematográfica, donde no sólo cita sus gustos, amores y obsesiones si no a sí mismo y sus confrontaciones mentales, algo así, como una terapia, ensayo y catarsis, pero con un vestido más accesible.</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span style="background-color: white;"><b>Minicrítica</b></span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Uno de esos grandes trabajos, -de lo poco que rescatamos en su momento- cuando se vio en Netflix, principalmente por sus libertades, por su depurado pero a la vez discontinuo estilo visual, y las siempre acertadas actuaciones, que bordean la locura en su estado más contenido.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Como siempre, con el cine de Kauffman, siempre queda libre a la interpretación, pero lo metacultural o la cabeza del director, seimpre será un gran laberinto al que vale la pena entrar, como lo son sus películas. </span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><span style="background-color: white;"><br /></span></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Belle /Belle (1973)</b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhlNWogI6Gee89bp_pUjeK_GL8qCjNPZP_vWHQbgKglC8P_2pGMtiyobbrwklreScWh7j00Aki-eYewgP91D4v0SvXPbyc-Y5jXxvOde9RS4m_0FmCLOPrvJwwF58QIXzSNauPvFPN4272V0hSn-nHCyNVmq7grBsTHsLmCPeT6pHf6xVEmFTl1MAWvERE" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="833" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhlNWogI6Gee89bp_pUjeK_GL8qCjNPZP_vWHQbgKglC8P_2pGMtiyobbrwklreScWh7j00Aki-eYewgP91D4v0SvXPbyc-Y5jXxvOde9RS4m_0FmCLOPrvJwwF58QIXzSNauPvFPN4272V0hSn-nHCyNVmq7grBsTHsLmCPeT6pHf6xVEmFTl1MAWvERE=w231-h320" width="231" /></a></div><br /><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Película belga con tintes de un realismo extraño en la que un escritor felizmente casado, descubre en las profundidades del bosque a una mujer que no sólo no entiende su idioma sino sus prácticas, Belle como la nombra el escritor, se convertirá en su obsesión y en cierto modo en su perdición. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Asumiendo dos vidas, el hombre entrará en un sueño que poco a poco se irá volviendo una pesadilla de la realidad. Escrita y dirigida por Andre Delvaux, este cuento de "amor fou" con algún halo surrealista, nos introduce en esos pasajes singulares de pintor Paul Delvaux - sin ningún parentesco con el director- o de esa pintura metafísica, que no escapaba a cierta irrealidad.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgP5xVxH-stzcwHGHtn7p3h8B8Kl_O_705z5Q4wRkIcMXwz08I7PbswRYXbw97XqPF7QvEJ_4Gvo5cZFa7MYJ8hqdDABPpNt7akSewDUqcvcUifQ6P_7oPeweqY7nNS33VhktX5DqVXIMJFE40dvEXH5xQ-kGjjiZE1x_xE6lB9HgWzVJ09Jh7J5ftzU3s" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgP5xVxH-stzcwHGHtn7p3h8B8Kl_O_705z5Q4wRkIcMXwz08I7PbswRYXbw97XqPF7QvEJ_4Gvo5cZFa7MYJ8hqdDABPpNt7akSewDUqcvcUifQ6P_7oPeweqY7nNS33VhktX5DqVXIMJFE40dvEXH5xQ-kGjjiZE1x_xE6lB9HgWzVJ09Jh7J5ftzU3s=w640-h360" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Los Delvaux</b></div><div style="text-align: justify;"><b><br /></b></div><div style="text-align: justify;">Aunque director y pintor, no tuvieran una relación filial, la pintura del artista belga si fue fundamental para esta película, no sólo como inspiración sino en su planimetría, muy bien interpretada por su director de fotografía, pero también en una ambientación que entre el naturalismo y el extrañamiento, nos va imbuyendo en las complejidades de la mente tanto del escritor, como de la extraña mujer, que nos hace preguntar y al mismo protagonista, si ésta (la mujer) no sólo es producto de su imaginación. Entre el drama, el amor y cierto carácter psicológico, los Delvaux, nos hacen entrar en una pintura en movimiento, en la que no todo parece concordar, principalmente, la realidad. </div></div><br /><br /></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Valerie y su semana de las maravillas/<span style="background-color: white;">Valerie a týden divu</span> (1970)</b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b> </b><div class="separator" style="clear: both; font-weight: bold; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjwCUMw2lzpT0uNspFkXgM6UiFeGfjuWx4FZDYBaO8AaxLgbAX_FSmzNS96e0wHetII65xWFOPLAVEEAh9Ge8wRr7T3XxvFu70pprLCPBTbRiPBRCTebWrOKThfaykwP8snhnrUyCVfRQuu6wS3T7ThVd2Q8yF-s07_CCRmX0E2FZ-DDYLx0nq3j5BX95k" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="2560" data-original-width="1827" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjwCUMw2lzpT0uNspFkXgM6UiFeGfjuWx4FZDYBaO8AaxLgbAX_FSmzNS96e0wHetII65xWFOPLAVEEAh9Ge8wRr7T3XxvFu70pprLCPBTbRiPBRCTebWrOKThfaykwP8snhnrUyCVfRQuu6wS3T7ThVd2Q8yF-s07_CCRmX0E2FZ-DDYLx0nq3j5BX95k=w228-h320" width="228" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; font-weight: bold; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">A finales de los 60, y principalmente en los años 70, el cine europeo, principalmente el que había salido de la "cortina de hierro", no sólo buscaba una identidad sino temáticas que se alejaran del "realismo socialista"; la juventud y su despertar sexual, las otras familias, la desobiencia, principalmente a sistemas opresores, tenian que ser reflejadas en este nuevo cine, que igual se mezclaban con cierta naturaleza tradicionalista (cuentos de hadas o ancestrales), experimentación visual - sonora y su particular humor; todo esto lo podemos ver en una de las obras más reconocidas de Jarimil Jires, Valerie y su semana de las maravillas, película entre lo vampírico, el despertar sexual de una adolescente y un surrealismo desorientador.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Escrita como un cuento gótico, entre la delicadeza y la brutalidad del tránsito a la madurez de Valerie, quien será acosada por toda clase de seres, quienes quieren su inocencia y cuerpo; el onirismo en el que permanece la joven la hará pasar por las más diversas aventuras, tan cercanas a las de Alicia en el país de las maravillas, el erotismo de Emmanuel y esos cuentos del siglo 19, donde los sentimientos se desbordaban.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjpFONc7NY9qlD2z-VPTRnSPwS-xEmcpkWSgaiWTz_jXuWCXS7uw9IY00JdQLxIyXYSMs0BNWZYyZoYAzeD3AuS0rd5blNfILdLgyI0XxSrsshdP-boE-Ph4N1sz7smbT3hInKJbaDuDf-1vJU7EdmMu8mgiC0OUXqehl6ZnhIb6LHKOXdfPjIg5a96CHw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="720" data-original-width="988" height="466" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjpFONc7NY9qlD2z-VPTRnSPwS-xEmcpkWSgaiWTz_jXuWCXS7uw9IY00JdQLxIyXYSMs0BNWZYyZoYAzeD3AuS0rd5blNfILdLgyI0XxSrsshdP-boE-Ph4N1sz7smbT3hInKJbaDuDf-1vJU7EdmMu8mgiC0OUXqehl6ZnhIb6LHKOXdfPjIg5a96CHw=w640-h466" width="640" /></a></div><b><br />Minicrítica</b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">Tan extraña como compleja, el vampirismo sexual de esta obra, no sólo nos remite a la naturaleza de esta obra sino de lo que se quería representar o asumir de la época, todo bajo esa lupa de creatividad y experimentación, tan propia de los checos.</div></span></div>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-21027397612749376792023-09-30T08:27:00.001-05:002023-09-30T08:27:02.509-05:00Vistando la Cinemateca de Bogota: Bruma y Marta Rodriguez: Filmando la Resistencia<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDiSzslNG4HaIWNUd3eq7V6ihnZlMd9R4jHuPLiWUG6tldyRaGnFgi0toKSq-ZZmbfkWTA8cFvZsz5r3DgdttNhFP54ID3W7qNBUVZsur4-fyoakEWX9DubEgiaiZwB7vSJoF_ldjlS2dbjqU3KXj1rh4peOW_tcUO-ZldSDXAsYpVGZxEkPPrvqqzqZw/s4000/IMG_20230908_143354.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDiSzslNG4HaIWNUd3eq7V6ihnZlMd9R4jHuPLiWUG6tldyRaGnFgi0toKSq-ZZmbfkWTA8cFvZsz5r3DgdttNhFP54ID3W7qNBUVZsur4-fyoakEWX9DubEgiaiZwB7vSJoF_ldjlS2dbjqU3KXj1rh4peOW_tcUO-ZldSDXAsYpVGZxEkPPrvqqzqZw/w640-h360/IMG_20230908_143354.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRK6Da1I82CRl450ff9KsDhmKRYAKd9gHUsZe8OLgMZPUc-LS7rmIYLfUE14hXo5lb7b_2VRLyuYXMtdJyE0F2LAYSp3hZu5GtW1APgoKHSCike7UW1c31q0NQtFpU3Lqv7QrMiDPO9J3pDnRJCeC9msZ2oQMOVUE1S7vP56RbzgePqzKI5hZEkjnj6lk/s4000/IMG_20230908_142930.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRK6Da1I82CRl450ff9KsDhmKRYAKd9gHUsZe8OLgMZPUc-LS7rmIYLfUE14hXo5lb7b_2VRLyuYXMtdJyE0F2LAYSp3hZu5GtW1APgoKHSCike7UW1c31q0NQtFpU3Lqv7QrMiDPO9J3pDnRJCeC9msZ2oQMOVUE1S7vP56RbzgePqzKI5hZEkjnj6lk/w640-h360/IMG_20230908_142930.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjmKOWXdTNbznpOmTejNgow6j24oXGnRmuBd1wJFi6eKnrm9B96WpBq887V6DbbfHJWPV74hovyzeMmm9DJmuZHciHS30ruevgHp7zdQzZy__icg6PtJc6-nvzfEaiyM84VAA_SwARuCRZslwVRzTU1lBpjJZPubMQtnPeHZQWDwpkLhQTbhXv6vjNw2Y/s4000/IMG_20230908_142924.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjmKOWXdTNbznpOmTejNgow6j24oXGnRmuBd1wJFi6eKnrm9B96WpBq887V6DbbfHJWPV74hovyzeMmm9DJmuZHciHS30ruevgHp7zdQzZy__icg6PtJc6-nvzfEaiyM84VAA_SwARuCRZslwVRzTU1lBpjJZPubMQtnPeHZQWDwpkLhQTbhXv6vjNw2Y/w640-h360/IMG_20230908_142924.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3CmgiO7VlCuOWWhPAEkK9cTFbIaiGfAn2enA-A1abfehO0KFD8PQdW-u0A_arwRy_c5gcd-e2b04ve2DBUvKS3A5hHQd5Px-ULI9bDaYsxBWsWyDdktkcHSOyedZv2-jz3by1fMujsjTH1nh4NY_PlqslCqSLHZojxHYzGfKe3J7AFfF5xfj45_3JQxc/s4080/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3060" data-original-width="4080" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3CmgiO7VlCuOWWhPAEkK9cTFbIaiGfAn2enA-A1abfehO0KFD8PQdW-u0A_arwRy_c5gcd-e2b04ve2DBUvKS3A5hHQd5Px-ULI9bDaYsxBWsWyDdktkcHSOyedZv2-jz3by1fMujsjTH1nh4NY_PlqslCqSLHZojxHYzGfKe3J7AFfF5xfj45_3JQxc/w640-h480/1.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuyLg6O-k_hHfmaopYXZlgXAosuHNHH7tzKK4JjiTNCVFLRWYkfLSSXGvM9i3a_I7DdLYMEzYqAGecwrIps4lz28KawS6TpEkJC7rz_CWSK2VzF7wVOohHXun1aL_ymUe9M2HoEimW_cnarBOYFpuxpVZckRch6vknkD_hlRwljpfDm6ljtl5njJsLkmI/s3839/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2599" data-original-width="3839" height="434" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuyLg6O-k_hHfmaopYXZlgXAosuHNHH7tzKK4JjiTNCVFLRWYkfLSSXGvM9i3a_I7DdLYMEzYqAGecwrIps4lz28KawS6TpEkJC7rz_CWSK2VzF7wVOohHXun1aL_ymUe9M2HoEimW_cnarBOYFpuxpVZckRch6vknkD_hlRwljpfDm6ljtl5njJsLkmI/w640-h434/2.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwG7BNkmnKx0KHT12CppMCYJDJCFW5MYgRcLbNkPxeYtnYohBC-n4lXcEpL_QuRK6NZ8lZTh4nqPZUnV390hrAAOViCCsbC3x3lRP7Nugpya6c7PsiUwdLF1xkxk4XrELRhlx_P45mrJ6rG2a5r2cCv0fjQID4odhYY3EHLTRoq8ZTf4rslkSqI-L-eLI/s4080/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3060" data-original-width="4080" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwG7BNkmnKx0KHT12CppMCYJDJCFW5MYgRcLbNkPxeYtnYohBC-n4lXcEpL_QuRK6NZ8lZTh4nqPZUnV390hrAAOViCCsbC3x3lRP7Nugpya6c7PsiUwdLF1xkxk4XrELRhlx_P45mrJ6rG2a5r2cCv0fjQID4odhYY3EHLTRoq8ZTf4rslkSqI-L-eLI/w640-h480/3.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-44819440008634991972023-09-25T11:02:00.007-05:002023-09-26T18:33:47.182-05:00Zama: Esperando a ....<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinR54xrPcLsbc1sSDrFvd6hjKJI34nxg-2V_oQeRog00yrTh5ft77LOl6a_X60JihaLMyXALDTiuJgEShEPeMYsP1qsppby0cokyGPkt8xQ24Iu7jHViVakmOux48cG8qgAgkuHPRz9rXjcTvk62zMgMfDe8spbmTVXQd--OqzjNTn64syFs7Q4CfX6ds/s1200/Zama-916143695-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="840" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinR54xrPcLsbc1sSDrFvd6hjKJI34nxg-2V_oQeRog00yrTh5ft77LOl6a_X60JihaLMyXALDTiuJgEShEPeMYsP1qsppby0cokyGPkt8xQ24Iu7jHViVakmOux48cG8qgAgkuHPRz9rXjcTvk62zMgMfDe8spbmTVXQd--OqzjNTn64syFs7Q4CfX6ds/s320/Zama-916143695-large.jpg" width="224" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: helvetica;"></span></div><blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: helvetica;"><i><b><span style="background-color: white; color: #444444; text-align: justify;">“No vivimos nunca: esperamos la </span><a href="https://www.mundifrases.com/tema/vida/" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; box-sizing: border-box; color: #003e55; text-align: justify; text-decoration-line: none;">vida</a><span style="background-color: white; color: #444444; text-align: justify;">.”</span></b></i></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="background-color: white; color: #444444; text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><i><b> Jean de la Fontaine</b></i></span></span></div></blockquote><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="background-color: white; color: #444444; text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Segunda película que vemos de la directora argentina Lucrecia Martel, quien adapta libremente el texto homónimo de Antonio di Benedetto, no tanto en términos narrativos, donde nos acercamos a la figura histórica de Diego de Zama, sino como metáfora de frustración y la enigmática espera de la deseperanza, igualmemente porque es un relato de la decadencia, y fracaso de la sumisión burocrática expuesta en Diego de Zama y su patetismo imbuido de clase y sosiego. Martel adapta no sólo libremente la novela de su compatriota sino que la da otro carácter, muy propio de esta directora, donde la espera y la esperanza se vuelve en el peor de lo males, citando a Nietzche; eso sí Martel recurre a sus virtudes, y en este caso a sus vicios, donde la narrativa se trastoca por ciertos artilugios estéticos, que para mí, en este caso no funcionan; quedándose en esa superflua premisa de que "algo va a pasar", que se rompe de manera abrupta con el final del relato cuando Zama se une a una parte del ejercito colonial para atrapar a un brutal criminal, que hace parte de dichas filas.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirDSumz_a-ykfiDYU6wm1gUbk2qmQ93duiRCvIEGXbc9PZEvJE4RKPRG56fXYM3iFkvJb-TMJ8rqG-Y9d-qFhyavLAbdEqs6HrC-rrZQvxo4dXyTlpjqcW_NFyWF5rNxfy5wK5n81t4hkDrIUG4iQ3yguM136f0xcBM-uQkGMSh3IlgdKWJ4ckgr9UlB4/s960/Zama-de-Lucrecia-Martel.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="960" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirDSumz_a-ykfiDYU6wm1gUbk2qmQ93duiRCvIEGXbc9PZEvJE4RKPRG56fXYM3iFkvJb-TMJ8rqG-Y9d-qFhyavLAbdEqs6HrC-rrZQvxo4dXyTlpjqcW_NFyWF5rNxfy5wK5n81t4hkDrIUG4iQ3yguM136f0xcBM-uQkGMSh3IlgdKWJ4ckgr9UlB4/w640-h426/Zama-de-Lucrecia-Martel.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El artificio de otros artificios</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque le debo reconocer a Martel su impresionante trabajo sonoro, y no en el sentido del artificio técnico sino en el conceptual, en este caso, sin perder su calidad o concepto; es menos atmosférico o complejo de otras obras, aún así, el diseño y paisaje sonoro de Zama, es tal vez el punto más interesante de esta obra ahistorica, quieta narrativamente y èpica en su sintetismo.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La fotografía es otro punto cuestionable, y no necesariamente en cuestiones técnicas, por el contrario, si algo tiene la argentina, es que logra trasladar sus ideas de manera consciente a sus operadores, como sucede con la fotografía naturalista y plana de Rui Pocas, pero a la vez repleta de sentidos, narrativas y simbolos muy propios de la directora salteña y de cierta corriente estética contemporánea. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque se entiende que en el cine de Martel la elipsis es un recurso particularmente importante, y gracias a ésto simplificar ciertos componentes narrativos, para este caso, la elipsis termina enredando mucho más la estructura de la obra, se entiende la idea de la espera desafortunada, pero la elipsis no logra ser acertada, y todo esto se va a reflejar en un montaje aunque acertado técnicamente, opacado por las mismas imprecisisones de dicha directora.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5ltcz4q7piZDL4RnehbRDOqRgdU1S4LfQ6_KkAQ0V6ZL5jC8Y12Sc_OQ7csChohc0QMQSrmhjIhMLLN8X1FfUROTutO3dCz2HXEU0o9pb8015BuLD2Cs1zdLZvuOAUgsCoxrmcIpxJrl-5gsKBizDrMI1l3Z_FXNbXHGEn7ZSngpket5qGg7RRN8H0Po/s1280/images-w1280.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="1280" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5ltcz4q7piZDL4RnehbRDOqRgdU1S4LfQ6_KkAQ0V6ZL5jC8Y12Sc_OQ7csChohc0QMQSrmhjIhMLLN8X1FfUROTutO3dCz2HXEU0o9pb8015BuLD2Cs1zdLZvuOAUgsCoxrmcIpxJrl-5gsKBizDrMI1l3Z_FXNbXHGEn7ZSngpket5qGg7RRN8H0Po/w640-h320/images-w1280.jpg" width="640" /></a></div><b><br /><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El hombre que espera</span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Además del gran trabajo sonoro, quien recibe toda la ateción de la obra es Daniel Gimenez Cacho, el hombre va a ser reflejo de la decadente y turtuosa espera, una actuación sobria, contenida, donde lo febril se irá apoderando de éste.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Gimenez Cacho, se empapa de la dureza de dicha selva, su ropaje como rostro es un mapa superficial de lo que está viviendo.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Conclusiones</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Más que la película, de esta obra de Lucrecia Martel me interesan sus productos agregados, es decir el documental /making of y notas de producción en forma de libro artístico, de resto, no creo ni que sea la mejor obra de la argentina ni mucho menos la mejor de la década, repleta de imprecisiones no sólo a nivel histórico, sino estructurales, que más que un tono autoral le dan un aire de autocomplacencia.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Zoom in: </b>Varias nominaciones y premios latino e iberoamericanos. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-74382865627413288942023-09-20T20:52:00.001-05:002023-09-20T21:00:54.237-05:00The Last Picture Show: El show de Bogdanovich<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaJ3dNXuco6a8HAtFQWEncJAec7DaS_JE3H0VKSr-5SxAEj_HpSNsofJluBfgRr2j2EMUkkmz2wl6LBTUNJYu330bwGGQAwUHD3YvhavviMEtQxUVksXCq-GhquqAwod0wquPHV8joihjq7y4af_zcZrTafhzQHS5mN7eHcOCfiVZoo0WlYDDGG6IHsE4/s2880/p4046_p_v13_af.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2880" data-original-width="2160" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgaJ3dNXuco6a8HAtFQWEncJAec7DaS_JE3H0VKSr-5SxAEj_HpSNsofJluBfgRr2j2EMUkkmz2wl6LBTUNJYu330bwGGQAwUHD3YvhavviMEtQxUVksXCq-GhquqAwod0wquPHV8joihjq7y4af_zcZrTafhzQHS5mN7eHcOCfiVZoo0WlYDDGG6IHsE4/s320/p4046_p_v13_af.jpg" width="240" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><i><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><blockquote> Ser joven es una desgracia que se cura con el tiempo </blockquote><blockquote> Arcadi Espada</blockquote></b></span></i><div style="text-align: justify;"></div><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Historia de amistades, coming of age y de la transición entre el american way of life y la dura realidad de esa otra América, que tan bien va a retratar la nueva generación del cine estadounidense o el new american cinema; igualmente, es para su director Peter Bogdanovich, el reconocimiento y punto de partida para otras películas que entre la nostalgia y lo meta cinematográfico, va a desarrollar.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Bogdanovich, mucho más conocido hasta ese momento como crítico, historiador y programador de cine, como otros críticos, principalmente de la Cahiers du Cinema, cambia el papel por la cámara, para seguir "hablando" sobre cine, como lo termina haciendo es este cuento de madurez, que nos remite a los años 50 en un remoto pueblo texano, donde tres amigos: Sonny, Duane y Jacy, además de sus vivencias comparten el aburrimiento e insatisfacción de un pueblo tan repetitivo como aquietado en su monotonía. La vida de los tres se verá afectada, no tanto por los cambios sino por sus mismas motivaciones. El guión escrito entre Bogdanovich y Larry McMurtry, autor del libro homónimo, son los recuerdos tanto del autor, como de tanto otros estadounidenses jóvenes, que vivían en esos pueblos anónimos, monotonos pero nostalgicos, de una juventud olvidada.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Fotografiando a la América aburrida</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Robert Surtees fue uno de los grandes cinematógrafos estadounidenses, clásico en sus formas y estilo, que logra acomodarse a esa visión juvenil y nostalgica de la obra, donde luces y sombras narran en nombre de, en este caso la rebeldía y aburrimiento juvenil, como de su misma sensualidad e inocencia. El trabajo de Surtees es sutil pero efectivo en este caso, principalmente cuando la figura de Cybill Shepard está presente, cabe recordar que Bogdanovich dejó a su esposa por Sheppard, y la sensualidad y delicadeza frente a la presencia de ésta es evidente en términos fotográficos; pero también la dirección de fotografía es vital al retratar esas ciudades olvidadas y repetitivas de largas carreteras, con una bomba de gasolina y cafeteria que bordean éstas.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6YyhY4uKRo5WLmdiGL9Li7s8V4Pw6omOulHqXGkyrBnYluJmtzvKG9T95DApGXBTOMHvSuKZLYCFPamY9bEVfMLFcCN51kANeOs_GtAteFrvH2LvA2wEpPyoobEmuTnF1v6gyRGrVNXrOJ7mlUSFOSHZau5AHXoUNAveiR4hPJjqmC_aUlMLLHFL1thc/s648/lastpictureshow_a.webp" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="365" data-original-width="648" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6YyhY4uKRo5WLmdiGL9Li7s8V4Pw6omOulHqXGkyrBnYluJmtzvKG9T95DApGXBTOMHvSuKZLYCFPamY9bEVfMLFcCN51kANeOs_GtAteFrvH2LvA2wEpPyoobEmuTnF1v6gyRGrVNXrOJ7mlUSFOSHZau5AHXoUNAveiR4hPJjqmC_aUlMLLHFL1thc/w640-h360/lastpictureshow_a.webp" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipxTKx1jDLq7qhmsmeeo-v1nO1Hmmz8DzzQfdMYXy7HH1ALKQbqEOS2P8cn7_9ZZqCi1DMAGAbKO2tbVxS0aGuKA1TJWYYDPL0yTpj_hMoA8qoxTDyYCqq_kWYkbU4-YL6XGBbCgUDd-LKrrdilDMPl86pnltbc6ymfVZcQWpzL2a-OrN8mrYb_gg7m4M/s1024/the_last_picture_show.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="585" data-original-width="1024" height="366" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipxTKx1jDLq7qhmsmeeo-v1nO1Hmmz8DzzQfdMYXy7HH1ALKQbqEOS2P8cn7_9ZZqCi1DMAGAbKO2tbVxS0aGuKA1TJWYYDPL0yTpj_hMoA8qoxTDyYCqq_kWYkbU4-YL6XGBbCgUDd-LKrrdilDMPl86pnltbc6ymfVZcQWpzL2a-OrN8mrYb_gg7m4M/w640-h366/the_last_picture_show.jpg" width="640" /></a></div><br /><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque no es una historia coral, si podemos ver tres puntos de vista o las historias de Sonny, de Duane y Jacy, en las que además de un coming of age, el fin de una amistad, de la madurez sexual, también vemos el fin de la misma comunidad, una que se sacude, con la muerte de uno de los pioneros y dueño del único cine, que va a cerrar, así como la partida de estos amigos a otras vidas, a otros rumbos. Nuevamente acá el trabajo de Surtees junto a un buen trabajo de montaje y música popular, es vital porque vemos reflejada a esa juventud que estaba en el tránsito de una época más compleja, menos idílica y agobiada en sus propias inseguridades.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Minicrítica</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque no es la película que estaba esperando, y en algunos sus pequeños universos son bastante excéntricos y superlativos, tiene grandes momentos de reflexión, un trabajo fotográfico muy bien logrado,a la bella Cybill Shepard, y esas historias de transición tan humanas como superfluas.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Zoom in: </b>Varios premios de la Academia y la película más exitosa de Bogdanovich</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-58238763332769980802023-09-19T22:34:00.005-05:002023-09-20T11:23:06.673-05:00Mad God: Phil Tippet ...un dios de los FX´s<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihThmEjseuPvS5AGWF0RjfN3IE4uPm6-IdR-7fhEs8XCMs-CkSgkBoIFzicGNUGV9iV1y-M3UVd8vGuM832NqUq2XaidGPHVmiURCdkOkWqabtz2_0_3iMZ48843TlgOAhK-OFWZilS9taGHTIX-GdGpC5oBtx2dcWwrQM91H8YuTWUdD-yN3WybsAlss/s1200/Mad_God-592474402-large.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="800" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihThmEjseuPvS5AGWF0RjfN3IE4uPm6-IdR-7fhEs8XCMs-CkSgkBoIFzicGNUGV9iV1y-M3UVd8vGuM832NqUq2XaidGPHVmiURCdkOkWqabtz2_0_3iMZ48843TlgOAhK-OFWZilS9taGHTIX-GdGpC5oBtx2dcWwrQM91H8YuTWUdD-yN3WybsAlss/s320/Mad_God-592474402-large.jpg" width="213" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><br /></b></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div style="text-align: center;"><i><b>"La tierra vomitó a sus moradores" </b></i></div><div style="text-align: center;"><i><b> (Levítico 18:25)</b></i></div></span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Hay películas que no tienen explicación, y que mucho menos deben ser explicadas, este es el caso de Mad God de Phil Tippet, uno de los grandes maestros de los efectos especiales y la animación <i>go motion</i> - una variable algo más compleja y orgánica del stop motion-, el cual nos presenta un mundo posapocalíptico y pesadillesco en el que, como en ciertas cosmogonías, la destrucción y lo oscuro son su punto de partida. Tippet junto a su equipo de trabajo, crearon una pesadilla cinematográfica en la que muerte y demencia no sólo van de la mano sino es esencial para este mundo. Con un tono absolutamente oscuro, nihilista y agobiante nos vamos adentrando en esta pesadilla de monstruos, sádicos y deformes científicos, militares clonados y demás criaturas, que sí bien recuerdan a la obra de los Hermanos Quay, Tippet lo lleva al máximo en su excentricidad, narrativa y visual, es decir, un descenso a los infiernos, divida en varios actos, que parece no tener una relación del todo evidente, pero demarcada por la brutalidad de un dios que ha perdido todo atisbo de cordura </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtjYG6L8x4tpcB6eeaEY85Lvo0-f058kOYpKV99DM-58aX3Ii-0NkyLj9XJXgdiwD1BDYjsTS6PLXAGt1isMVBNsV9XIKZBuFow1qGl5kEXyQM5CkzO99qxwkWAAAKMv2IKOCTgeIeSs8oxK7YlV3Ws2ctTOC8gYyyMtIwaVsv_FxUCwM5ey_LRTknTCU/s1200/5f920b35fe3e6d4be3b659d4498dfd33.webp" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtjYG6L8x4tpcB6eeaEY85Lvo0-f058kOYpKV99DM-58aX3Ii-0NkyLj9XJXgdiwD1BDYjsTS6PLXAGt1isMVBNsV9XIKZBuFow1qGl5kEXyQM5CkzO99qxwkWAAAKMv2IKOCTgeIeSs8oxK7YlV3Ws2ctTOC8gYyyMtIwaVsv_FxUCwM5ey_LRTknTCU/w640-h360/5f920b35fe3e6d4be3b659d4498dfd33.webp" width="640" /></a></div><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>30 años de oscuridad</b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Uno puede hablar o mejor escribir de titánico, cuando algo es desmesurado, gigante y evidentemente excesivo, pero en Mad Dog, no sólo está reflejado en la construcción de los escenarios, que ya de por sí inician con una torre babilónica oscura e impenetrable, sino por los años que lo tomó a Tippet, crear este mundo, 30 años de técnicas y pruebas que parecen extintas, pero profundamente cinematográficas, que se preguntan por el mismo destino de éste, la intrascendencia de la vida/ o el fin de la misma, y cierto patetismo de la naturaleza, que vemos caracterizado en los personajes que mueren de manera copiosa. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En cierto sentido Tippet autoanaliza su obra, la artesanía cinematográfica y al mismo acto creativo que toma la forma de estas pesadillescas criaturas que se mueven angustiosamente entre fondos decadentes, febriles y no ajeno a la idea de lo infernal, a lo cual el equipo de trabajo recurre a fuego, estructuras de metal herrumbroso, y demás artilugios que nos remontan a un apocalipsis a pequeña escala. </span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Para que todo este tétrico ambiente tome forma, tanto Tippet como Chris Forley diseñaron una fotografía oscura, tenebrista en gran parte, donde el azul, el rojo y el ámbar separan o las historias, escenarios o intención narrativa.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWPlSsA9yDKm3mec7IVQfaTg8MSLn-ZMjnutdY7k4EDzzOt2a1eZYQskDrtTvErY1d9OU0xNokc3TrL0_2s8oFZcCY5yL6_PqqAZqvDsKrWX2PCVfmIx_jdUJBZllThscHdJwR_SgL5bldu34z54VO9pWFsOo1rb_RQtPBEe7KTZ5JoouTuGJfvv4yz7A/s1366/1366_2000.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="636" data-original-width="1366" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWPlSsA9yDKm3mec7IVQfaTg8MSLn-ZMjnutdY7k4EDzzOt2a1eZYQskDrtTvErY1d9OU0xNokc3TrL0_2s8oFZcCY5yL6_PqqAZqvDsKrWX2PCVfmIx_jdUJBZllThscHdJwR_SgL5bldu34z54VO9pWFsOo1rb_RQtPBEe7KTZ5JoouTuGJfvv4yz7A/w640-h298/1366_2000.jpeg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Minicrítica</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">También cabe resaltar que esta obra tiene cuotas de homenaje a ese cine fantástico de los años 80, al propio trabajo de Tippet y en definitva al artesanía audiovisual; por tal razón, la aparición de Alex Cox, (Repoman) director y actor, es bastante pertinente. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Mad Dog, es una obra difícil, excesiva pero brillante en su componente visual, logrando conjugar ese ideal de la experiementación , el "cine de culto" -entendido en su narrativa indescifrable- y la autoría, en la que más que contar algo, estan las reflexiones de un hombre enamorado de su profesión pero desencantado de la hipermodernidad y del mismo destino del mundo, -cosas con la que muchos estamos de acuerdo con el señor Tippet-. Una de esas películas valiosas por su rareza y que cada vez más será apreciada tanto por su forma como por su arcano contenido.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Montaje Paralelo: </b>Hermanos Quay - Tool (videos) - Stop Motion </span></div><br /></div></div><br /><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-11151457488143200332023-09-15T21:12:00.006-05:002023-09-15T21:15:16.223-05:00Documentales sobre cineastas<div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque estos tres documentales no tienen nada en común, a excepción de resaltar la figura de un cineasta y adentrarse en sus formas de trabajo, historias particulares o nuevo reconocimiento, cada uno de estos documentales, busca el afirmar que cada mundo de estos creadores fue tan personal como rico en sus búsquedas creativas y estéticas.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Los tres documentales, donden priman las entrevistas, algo de material de archivo y una reconstrucción de la obra del director, no exploran otras formas de acercárnos a estos cineastas, aunque en A Constant Forge, sobre John Cassavettes, exploran un poco con el material de archivo y la personalidad del director; de todas maneras, las tres obras son bastante didácticas en su acercamiento al trabajo de estos directores, sin dejar de lado cierta emotividad y admiración por los sujetos estudiados.</span></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Filmworker (Tony Zierra, 2017)</b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhWF9uyJMYTf1Zau8M26ClQp_krvDq1siyDemVszRnvnVftKfGN6pze3-YyhA8sHVH4Yd4aeqWiWw7VFqL4k6xR-3hp5RTGEn2e-BU3IKMmmC-RRESOhrbcJUmV6HT0KAOQCFaCNJ8bxNVASWfS1NZ8F40E_yxtuCluBggRCntdsZOFcDxS2Ma6VP89WmQ" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1481" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhWF9uyJMYTf1Zau8M26ClQp_krvDq1siyDemVszRnvnVftKfGN6pze3-YyhA8sHVH4Yd4aeqWiWw7VFqL4k6xR-3hp5RTGEn2e-BU3IKMmmC-RRESOhrbcJUmV6HT0KAOQCFaCNJ8bxNVASWfS1NZ8F40E_yxtuCluBggRCntdsZOFcDxS2Ma6VP89WmQ=w216-h320" width="216" /></a></div><br /><br /></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque Stanley Kubrick está considerado como uno de los grandes directores del siglo XX, y todo un referente del cine, también cabe recordar que éste ha sido señalado como un hombre tiránico y obsesivo a la hora de filmar, en este documental, no sólo se hace referencia a ésto sino que el protagonista del mismo Leon Vitali, asistente por 30 años de Kubrick y ex -actor inglés de gran futuro, nos acerca a sus manias y complejidades, como a su vehemente paternalismo</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El trabajo se centra, de forma paralela en las vidas de Vitali/ Kubrick, y como el primero vio en el director, la figura de un padre autoritario, talentoso y exigente del que aprendió todo y al que le entregó todo, como su mismo reconocimiento. Un documental bastante interesante, porque le da una vuelta de hoja a la figura de Kubrick pero reconoce otras formas de la trabajo cinematográfico, embuido en la figura de Vitali, quien finalmente, ha empezado a recibir los frutos y reconocimiento trás la figura de Kubrick.</span></div><div><br /></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>A Constant Forge (Charles Kyselyak, 2000)</b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjJyOP639HZuuQR4h6-aZNgzc_vZpTqdlJCtooU98M5uPTzwKc58hos4vhJkcI1DQgbkk5UL-L66rlPi8fN_Rv1dqw_dQuhpN-Xdd438Oy1FAs93CyWIdsCKdn7_SwAjJfwZ-OR-D3lWpQsufED3hMs0fez1kea0jss9xe2RKI39Hgpe6ioRNCXetIpp0E" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1600" data-original-width="1288" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjJyOP639HZuuQR4h6-aZNgzc_vZpTqdlJCtooU98M5uPTzwKc58hos4vhJkcI1DQgbkk5UL-L66rlPi8fN_Rv1dqw_dQuhpN-Xdd438Oy1FAs93CyWIdsCKdn7_SwAjJfwZ-OR-D3lWpQsufED3hMs0fez1kea0jss9xe2RKI39Hgpe6ioRNCXetIpp0E=w257-h320" width="257" /></a></div><br /><br /></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Este documental no sólo nos acerca a la vida de John Cassavetes, sino más importante a sus técnicas y forma de trabajo, una donde la libertad tenía ciertos parámetros, estilos y "formulas", el documental logra integrar de manera inteligente el material de archivo: detrás de cámaras, películas y las entrevistas a sus conocidos y amigos. A Constant Forge, es un viaje íntimo y personal a la obra del considerado pionero del cine independiente estadounidense, pero también de una figura fundamental del cine y sus libertades, en este caso personales como laborales. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En definitiva, entendemos que con Casavettes el cine se adaptó a otras formas, prácticas y sensibilidades, que estaban más allá de la técnica. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Sin dejar rastro (<span itemprop="name" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; box-sizing: unset; display: inline-block;">Diego Kartaszewicz, 2015)</span></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><span itemprop="name" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; box-sizing: unset; display: inline-block;"><br /></span></b></span></div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhr_Sb6pYnikpNdZTxKN3H-Lx52qwGDeekBTJyyYfnkKwhUrpdRLK3e-KUsjUUVFL5mRyCqNu6sO9Uq-fA1VcWsH7fsH-DdVfEjE479mF093Fc6t3uZfWJfKL-Idv8I_JdIK50_rKrh61r9h4o6IEUeLOsxAHhi8C8uWP1lft4zQRkP_nd_bWd2qpgSLlE" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="851" data-original-width="638" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhr_Sb6pYnikpNdZTxKN3H-Lx52qwGDeekBTJyyYfnkKwhUrpdRLK3e-KUsjUUVFL5mRyCqNu6sO9Uq-fA1VcWsH7fsH-DdVfEjE479mF093Fc6t3uZfWJfKL-Idv8I_JdIK50_rKrh61r9h4o6IEUeLOsxAHhi8C8uWP1lft4zQRkP_nd_bWd2qpgSLlE=w240-h320" width="240" /></a></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><span itemprop="name" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; box-sizing: unset; display: inline-block;"><br /><br /></span></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span itemprop="name" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; box-sizing: unset; color: #666666; display: inline-block; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Sabía usted que el primer largometraje animado se realizó en Latinoamérica, y que el primer trabajo sonoro animado largo también se hizo en la Argentina, y por el mismo hombre, pero más importante aún, que patentó y en cierta forma le dio forma de manera artesanal a la forma de hacer cine animado en el mundo; si la respuesta es no, no se preocupe, pocas personas lo saben, y aún sus mismo compatriotras; este documental no sólo es un homenaje sino el rescate de uno de los nombres más importantes y desconocidos del cine animado, y pionero d ela forma de hacer cine animado; Quirino Cristiani, caricaturista, pionero y empresario de la ilustración, fue este hombre, uno que fue admirado por Walt Disney, no sólo por su forma de trabajar sino por la efectividad productiva, y quien, asumió que la fama era menos importante que la tranquilidad; también porque es un documental que rescata una idea particularmente importante: que la animación, nunca fue para los niños - fue con Disney que se impregnó de tal consideración-, por el contrario el trabajo de Quiriani, tuvo unos tintes políticos y críticos tan certeros como cualquier obra de ficción o documental.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La opera prima de Kartaszewicz, también es un relato familiar, y cercano de un hombre, reivindicado por los suyos, pero, al que, dibujar era una forma de construir la vida, como lo hizo este gran artista.</span></div><div><span itemprop="name" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; box-sizing: unset; display: inline-block;"><br /></span></div><div><br /></div></div></div>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-45566312687957300842023-09-14T17:26:00.002-05:002023-09-14T17:36:24.403-05:00La vida útil: el cine como vida<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh_5sldxQMGeKfwlbOHb-nGxbG7LmovxOSfC5uHbvhtKu281lAYdtQoZ7IENl93FzmJjqcLEBOA4D3cKSLdr81M49gAtkDPICC3vL4VvzG1PknCAcVA6HRyA6D9dI6yfb82PPD-Jqd38OD1YQQP48AQ5pRxzSdIkuNlK6Dj8oLkJHkNGWjmoQg4Bca7dM0" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="783" data-original-width="524" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh_5sldxQMGeKfwlbOHb-nGxbG7LmovxOSfC5uHbvhtKu281lAYdtQoZ7IENl93FzmJjqcLEBOA4D3cKSLdr81M49gAtkDPICC3vL4VvzG1PknCAcVA6HRyA6D9dI6yfb82PPD-Jqd38OD1YQQP48AQ5pRxzSdIkuNlK6Dj8oLkJHkNGWjmoQg4Bca7dM0=w215-h320" width="215" /></a></div><br /><br /><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i></i></span></blockquote><blockquote><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i>Puede decirse que una filmoteca, también nombrada como cinemateca, es un archivo que se especializa en la conservación, la restauración, la catalogación y la exhibición de documentos cinematográficos. Su acervo, por lo tanto, está compuesto por materiales audiovisuales y por dispositivos y máquinas vinculados a ellos. (1)</i></span></blockquote><div style="text-align: justify;"></div></blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Algunos pueden ver en el cine un simple hobbie o entretenimiento pasajero, pero para otros, es la vida misma, algo así es lo que le sucede a Jorge (45 años), trabajador de la Cinemateca Uruguaya, que vive su día a día entre proyecciones, un programa radial sobre cine, facturas, arreglos técnicos de la sala de la cinemateca y la supervivencia de un espacio, llamado a desaparecer. Federico Veiroj, el director uruguayo, nos presenta a un personaje antiromántico de la cinefilia y su espacio más certero, como los es la cinemateca, porque Jorge, no es un hombre modélico, por el contrario es un fiel reflejo de ese espacio que está a punto de cerrar - la cinemateca-,"anticuado", poco rentable y en cierta forma, en decadencia, sin embargo, el director uruguayo no hace un retrato patético o caricaturesco, por el contrario, hace de éste, un entrañable y por momentos, identificatorio personaje, que vive por el cine. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Veiroj junto a Arauco Hernández Holz, Inés Bortagaray y Gonzalo Delgado Galiana, crean un guion tan simple como elocuente frente al papel del cine, las cinematecas y esos otros papeles del séptimo arte. Igualmente, hay que reconocerle a esta obra su estructura entre lo documentativo (la cinemateca) y la inocente historia romántica de ficción (Jorge y una espectadora) con tintes de homenaje cinéfilo, que se bien no se mezclan, separan la estructura de la obra, afianzando el carácter nostálgico de un cine pasado.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEia9cjjr4WFDR9gpN2cjiFzq1teODh_T5YkR_QXNSmYjyUssA6vobntHfm_aRPgxDp7_-iWm3uW9R-ry11l4Tn7yCTBTbDhqXmgIZH78O-Zjme3ExqpEJpsW6ZXPqQPZ2IK0enr1UiXHnkbjVXuO6txK6cIozzSgrKeh7xpARZnMujtKI9dUzwP_a8ojHI" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" data-original-height="602" data-original-width="900" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEia9cjjr4WFDR9gpN2cjiFzq1teODh_T5YkR_QXNSmYjyUssA6vobntHfm_aRPgxDp7_-iWm3uW9R-ry11l4Tn7yCTBTbDhqXmgIZH78O-Zjme3ExqpEJpsW6ZXPqQPZ2IK0enr1UiXHnkbjVXuO6txK6cIozzSgrKeh7xpARZnMujtKI9dUzwP_a8ojHI=w640-h428" width="640" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: right;"><span style="font-size: xx-small;">Fuente: Retina Latina</span></td></tr></tbody></table></span></div><div><br /></div><div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><b><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El cine es Blanco y Negro</span></b><div style="text-align: justify;"><b><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></b></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El trabajo fotográfico y de montaje de Arauco Hernández -junto al director-, sin ser demasiado complejo u original, tiene momentos de gran trascendecia y calidad, principalmente cuando Jorge sale de la Cinemateca, donde se quiebra la estructura de la obra, y en cierto sentido el caráter del personaje principal, vale la pena recordar la secuencia en la que Jorge, prepara su invitación para tomar un café con Paola, donde vemos de fondo el decorado precinematográfico, a Jorge en medio de la luz y la gran composición, también cabe destacar las secuencias en la universidad, y el final, en la que Montevideo toma la "forma" de una ciudad cinematográfica, donde dos siluetas en medio de las luces de la ciudad, se van ocultando.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Es evidente que la película emula, referencia y homenajea al cine clásico, donde el blanco y negro tanto como recurso como estilo están muy bien acoplados por el equipo técnico, la sencillez y esa idea particular del "minimalismo" logran encajar en cierta grandilocuecia del clasisismo, lo que viene a ser la gran apuesta del director uruguayo.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Un crítico disfrazado de cinéfilo </b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">También se le debe reconocer a Veiroj, esa apuesta por utilizar a personas cercanas a la crítica o la cinematografía uruguaya como parte del relato, es decir, representaciones de sí mismos en su forma más superlativa, como lo es Jorge (Jorge Jellinek, crítico de cine y periodista cultural) o el mismo director de la cinemateca, representado por el también crítico, periodista y docente Manuel Martinez Carril, los cuales llevan al máximo sus interpretaciones de sí mismos, en su versión más nostalgica peor a la vez menos romantizadas sobre el papel del cine; aunque nos podemos celebrar grandes actuaciones, eso no le quita a Jellinek su entrañable personaje, que tiene más cuotas, de un tardío despertar a la vida. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjMUqxaabWUReGeJDLj6fW0XOkH7_hcHyJJxHzm5IVOh6BQNTO5UwMt9UJnDhnjfKM41desQKPF6Q70f1rAUumSfNEhnxAE4wfnyHztAEmrcQ4p3Cp7daTWnpbP2FJ0tELdVUUaDdscjcyfV3z19lnS62J1TVmZ7eLDFaXtCJo5neqJJlivAZDQdT1Rb2c" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="510" data-original-width="680" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjMUqxaabWUReGeJDLj6fW0XOkH7_hcHyJJxHzm5IVOh6BQNTO5UwMt9UJnDhnjfKM41desQKPF6Q70f1rAUumSfNEhnxAE4wfnyHztAEmrcQ4p3Cp7daTWnpbP2FJ0tELdVUUaDdscjcyfV3z19lnS62J1TVmZ7eLDFaXtCJo5neqJJlivAZDQdT1Rb2c=w640-h480" width="640" /></a></div><br /><b><br /></b></span></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div style="text-align: justify;"><b>Una minicrítica</b></div></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;">Este tipo de obras son especialmente importantes para quine escribe en este blog, no sólo por la calidad de la misma sino por el tipo de historia, en el que el cine, no sólo es la historia de algo grandilocuente sino de los momentos más sencillos, que los cambios son vitales y que el cine si bien no es la vida, la imita con montaje sin cortes, defectuosos y destellos de felicidad. Una gran y sencilla película, que nos recuerda que las cinematecas no son espacios sagrados sino espacios de nostalgia.</span></span></div><br /><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Zoom in</b>: Ganadora y nominada en diversos festivales, seleccionada para representar a los Oscar en su momento.</span></div><div><br /></div><div><span style="color: #666666;"><br /><span style="font-family: helvetica;"><b>Montaje Paralelo: </b>Cine sobre cine, Cinematecas, salas de cine</span></span><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><div style="text-align: right;"><i><span style="color: #666666; font-family: helvetica; font-size: xx-small;">1. Pérez Porto, J., Gardey, A. (27 de enero de 2020). Filmoteca - Qué es, definición y concepto. Definicion.de. Última actualización el 8 de enero de 2021. Recuperado el 7 de septiembre de 2023 de https://definicion.de/filmoteca/</span></i></div><p></p></div>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-4587239093927800372023-09-11T09:24:00.002-05:002023-09-11T12:09:47.804-05:00Charlas en la Cinemateca de Bogotá: Zbigniew Preisner <p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQcpr1CT3775Td69uOKVJTc_Z0gXQQ9U3ZRayBxVTjrZUqrvsdDnELiJpYKemhOex13TpV428DmeLiOaaoSVQeO9IddWfmIPoIE-9bX84IQnP0BIam0ySLIDyn2bbohsaBM64yeEhli5ctiaJEsCIElab8YOVl7wltMtnJsnwlyWxZyzFE9Hxvi3Ak4yU/s3412/1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2088" data-original-width="3412" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQcpr1CT3775Td69uOKVJTc_Z0gXQQ9U3ZRayBxVTjrZUqrvsdDnELiJpYKemhOex13TpV428DmeLiOaaoSVQeO9IddWfmIPoIE-9bX84IQnP0BIam0ySLIDyn2bbohsaBM64yeEhli5ctiaJEsCIElab8YOVl7wltMtnJsnwlyWxZyzFE9Hxvi3Ak4yU/w640-h392/1.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_bmCfaUN38w1XBNPxfnTDhEYoJk1-DzfxodTmo0HgU1QHd8PdmTXuGzqraQnofFtnymrtS9EENZeLGDMsHaAbDumLneU472QsiRiPFa8I_hATZev_TR4uXZIn4X1kbtPS_BWJI1GC3XisDFLL4c3EfCecCDAHUiw-H-Dja5pZNd9GWjwINPpVTgl4M8M/s4000/2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_bmCfaUN38w1XBNPxfnTDhEYoJk1-DzfxodTmo0HgU1QHd8PdmTXuGzqraQnofFtnymrtS9EENZeLGDMsHaAbDumLneU472QsiRiPFa8I_hATZev_TR4uXZIn4X1kbtPS_BWJI1GC3XisDFLL4c3EfCecCDAHUiw-H-Dja5pZNd9GWjwINPpVTgl4M8M/w640-h360/2.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxpEdG4PQL7lVlsTJ1v6W06JGYbybXOVBIQWA5P2jiPl2rXzFepp73uRzutBTOIS4jmmusNmJPWerGfBXzW2Guh_d2GSBzpatc7M5Zpu-Dmq6XBni2OiNMPte7YFNE0EtwKtNBUvpJ9pBkH-K2hDqA-QKb3AUi_jPV5VatK5sUm6MehVELQ7cAgNk-Ilg/s4000/3%20(2).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxpEdG4PQL7lVlsTJ1v6W06JGYbybXOVBIQWA5P2jiPl2rXzFepp73uRzutBTOIS4jmmusNmJPWerGfBXzW2Guh_d2GSBzpatc7M5Zpu-Dmq6XBni2OiNMPte7YFNE0EtwKtNBUvpJ9pBkH-K2hDqA-QKb3AUi_jPV5VatK5sUm6MehVELQ7cAgNk-Ilg/w640-h360/3%20(2).jpg" width="640" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En la Cinemateca de Bogotá, tuvimos la oportunidad de escuchar hablar al compositor polaco Zbigniew Preisner, uno de los más importantes de su generación, reconocido por su trabajo en conjunto con el cineasta Kieslowski en su trilogía de los colores y en otro par de obras.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Una charla repleta de anécdotas, de reflexiones muy particulares por parte del polaco, en las que además de su profunda amistad con Kieslowski, las películas que hicieron, el homenaje que le rindió Preisner a Kieloswki tras su muerte, y otros temas: el papel de Hollywood frente a la música, o el destino de Europa, vista desde una óptica bastante pesimista fueron muy bien analizadas por este compositor musical, tan certero como inteligente en su discurso. </span></div>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-24321880212571736432023-09-07T19:23:00.005-05:002023-09-14T17:41:31.144-05:009 Bogotá Experimental Film Festival (Inauguración)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqxSnMVLCcLsaEGSJGHKH1kRJaflTariDBNbX3Q_oJQG4N7ECXwnQi-S95sU__2bORD2Zb4Bb00k168S_gO2x8wUIT2uqhMd9Rry9cSVdwTXPC5NsEvNA8QDL9O05SvlRM_GfqqNqwwaL9DgcYpwvHN-7pc7fVHAH-31ziBtKEC9zpNfvEmSdRLMyDxIg/s460/ghost_amber.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="460" data-original-width="318" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqxSnMVLCcLsaEGSJGHKH1kRJaflTariDBNbX3Q_oJQG4N7ECXwnQi-S95sU__2bORD2Zb4Bb00k168S_gO2x8wUIT2uqhMd9Rry9cSVdwTXPC5NsEvNA8QDL9O05SvlRM_GfqqNqwwaL9DgcYpwvHN-7pc7fVHAH-31ziBtKEC9zpNfvEmSdRLMyDxIg/w277-h400/ghost_amber.jpg" width="277" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La película inaugural del 9no Festival de Cine Experimental de Bogotá, además de su calidad fue un impotante recordatorio sobre lo que es el cine en general, trabajo de noficción estructurado en cinco capítulos que cuestionan al mismo cine, soportes y su realidad, una, en la que comprobamos que el artificio de su forma, es su verdadera forma, porque el cine, experimental o no, es un ente caótico, que se une para aparentar realidad, continuidad y un conjunto absolutamente mentiroso; que es lo que nos muestra Tim Grabham, director de esta obra, en la que un "fantasma del celuloide" nos lleva por esos estados tan humanos o ciclicos como la vida, en la que vida, muerte, resurección y poética se unen, porque Ghost Amber es un recorrido por la forma del cine, en la que de forma inconexa, secuencias se adhieren como intervalos de la complejidad del cine; este es un trabajo que pasa por los archivos familiares, la animación, un jam, la degradación del material y tantos otros temas y formas, que como en un sueño, cobran sentido, en su forma de cine.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Un bello trabajo, que entre la nostalgia, el cuestionamiento y la materialización del espíritu rebelde del cine, nos hace preguntarnos, no hacía dónde va el cine, sino hacía donde dirigimos nosotros nuestras miradas con el cine, y creo que ese es el punto más fuerte de esta obra, además de su acertado montaje, trabajo gráfico y desestructurada narrativa. </span></div>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-18215359551988028962023-09-06T20:30:00.000-05:002023-09-06T20:30:23.266-05:00Estreno Nacional: Nuestra Película<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh6tozh9rNmLChBkjeRRJ21p2wg7cDrdHw8FQypQ3CdZh9tpDt1ZDaxOVEVxlYMuYSxhkinw37KpmSGJiRPHhywWVuSB8eNObiA-07JsOc39riqEL5UyMJYtPLru6Gr9lpCPZzTU11QsxBlGo9uHqLSe1AG3IQw-EWSfYD7K1rY4zOsx1yYU001zRkll6Y" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1429" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEh6tozh9rNmLChBkjeRRJ21p2wg7cDrdHw8FQypQ3CdZh9tpDt1ZDaxOVEVxlYMuYSxhkinw37KpmSGJiRPHhywWVuSB8eNObiA-07JsOc39riqEL5UyMJYtPLru6Gr9lpCPZzTU11QsxBlGo9uHqLSe1AG3IQw-EWSfYD7K1rY4zOsx1yYU001zRkll6Y=w224-h320" width="224" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /><div style="text-align: center;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div style="text-align: center;"><b><i>Memoria. 4. f. Estudio, o disertación escrita, sobre alguna mater<span data-id="ObWMmRJ" style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; box-sizing: border-box; cursor: pointer; letter-spacing: 0.26px; padding: 0px;">ia</span><span style="background-color: white; letter-spacing: 0.26px;">.</span> </i></b></div></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i><b> (RAE)</b></i></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El cine de los últimos años, principalmente en Latinoamérica ha tomado al archivo como un referente y eje estructural no sólo para contar historias, documentar o acercanos a las realidades cercanas de quien se apropia de tales imagenes o archivos; este es el caso de Nuestra Película, reciente trabajo de Diana Bustamante, una de las productoras colombianas más reconocidas e importantes no sólo por la efectividad de su labor sino por su gestión cultural dentro del audiovisual; en el cual, el archivo noticioso colombiano se transforma en la memoria reciente de un país, entre lo repetitivo (el loop) y el cuestionamiento. El gran acierto de este trabajo es que media entre la experimentación, lo documental y ese ideal de la memoria, ya no como recurso dramático sino como un componente poético ajustado al audiovisual en su forma y recursividad estilistica, al ser intervenido, manipulado y reajustado a la necesidad de la misma memoria de la directora, que podría ser la de cualquiera de nosotros. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Con Nuestra Película, Bustamante no busca ser del todo fiel a la realidad, sino encontrar en esos archivos pedazos de las realidades que hemos vivido; realidades difusas, nublosas que se van disolviendo, degradando como el mismo material audiovisual.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El archivo es un duelo</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Bustamante recoge elementos icónicos de los noticieros televisivos de la décadas de los años 80 -90, tal vez uno de los periodos más violentos del país - Colombia-, y los anexa a su memoria, a su misma realidad, es decir la directora, no es la protagonista de ninguno de los videos, pero podría serlo, como concluye en la primera secuencia, en la que unos niños cantan el himno nacional, este punto de partida y eco, es la base, no sólo para acercarnos a esos años de violencia, - de las múltiples violencias de nuestro país-, sino para cuestionarnos sobre el mismo papel del archivo, uno que como un duelo personal o colectivo, está presente en nuestra vidas, cercano a lo que pregonan algunos autores, donde dicho material, como una perdida, se imbuye en nuestro complejo modo de convivir con la misma historia. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La voz de la directora, más que coordinar una historia o ser un hilo conductor, es el reflejo de esas imagenes, voz que cuestiona, recuerda, analiza y que se conflictua con éstas; porque el material de archivo, como lo asume Bustamante, no es un objeto decorativo o estático, sino que éste se transforma, como las mismas ideas, ideales de la de la directora va cambiando, es decir, y volvemos a un fragmento ya escrito, estas imagenes - archivos son los recuerdos de Bustamante, o de cualquier otro colombiano que creció con estas noticias, con estas replicas de violencia.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Breve conclusión</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El archivo, parece ser uno de los recursos más interesantes para el cine latinoamericano, pero no sólo como documento complementario sino como objeto estructural de creación, uno que cuestiona, replantea y convierte su sustrato en parte fundamental de la narración, igaulmente porque es un cine democrático, rebelde y en constante búsqueda de eso, que podemos entender como verdad (es).</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-26040487025145719232023-09-05T20:44:00.002-05:002023-09-05T20:44:26.083-05:00Sincrónica: 9 Bogota Film Festival<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggXgZhw0tw5cDuYa3W5eu96FGlCatsAr2RbViU7HabGVnKA6afxhozKvugVTFLK7TOmgvoAoj5ISViKGrsWmFsw-VxqBocPiq8CVnTl5xDoLy9bLVdV3CAUgO_PLaL3nki4qNZsD5HH2RDUh6BZMpX6S2bjki438rzke2tE3TWqoRktVVk1KFgGJvTLak/s4000/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggXgZhw0tw5cDuYa3W5eu96FGlCatsAr2RbViU7HabGVnKA6afxhozKvugVTFLK7TOmgvoAoj5ISViKGrsWmFsw-VxqBocPiq8CVnTl5xDoLy9bLVdV3CAUgO_PLaL3nki4qNZsD5HH2RDUh6BZMpX6S2bjki438rzke2tE3TWqoRktVVk1KFgGJvTLak/w640-h360/1.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La inauguración del Festival tuvo como protagonista al excelente largometraje Ghost Amber de Tim Grabham, en el que entre homenaje y cuestionamiento, nos acerca a la esencia del cine; además tuvimos la oportunidad de ver/sentir un performance de cine expandido por parte del mismo Festival; tanto los organizadores como directores de éste nos acercaron al espíritu de este cinelibertad, cine autopsia.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La inauguración se hizo en la Cinemateca de Bogotá con aforo total.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKtS8daNji3Rk59T3zFN8CThAnQtcEqxhRU66vmxxteujMTAPX2YuRjbBD3Rrr1Ixs1v0cMayqoBEfVZh0ARM9GyJ9VuOtSDP6Xorbkm1MdBmGfhXjr5jVgjyXqs0K3gQufPijqng4Wq7AXeWQidOsvuMbcI6eKxynXx7GYoCW6ptLxfyZziThrCT2olo/s4000/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKtS8daNji3Rk59T3zFN8CThAnQtcEqxhRU66vmxxteujMTAPX2YuRjbBD3Rrr1Ixs1v0cMayqoBEfVZh0ARM9GyJ9VuOtSDP6Xorbkm1MdBmGfhXjr5jVgjyXqs0K3gQufPijqng4Wq7AXeWQidOsvuMbcI6eKxynXx7GYoCW6ptLxfyZziThrCT2olo/w640-h360/2.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs3iqNjMs9HkMGVpcSXW_9HSTNIx6wIEj3Sn0JfHb6mJxw5_sKSBaPBdZbCM7R3IIqv3KX6y8l6v6sWm4IAWYW7x4AAaW49beRIU0yg3WGKW-Z5fbH_IkwMyh2PQZ4BsgiQQuc61Sg2BtJ3Z01X5rVfDS38097T_RdDJkJOPMiP-6snYMyipzMLg71aJU/s4000/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs3iqNjMs9HkMGVpcSXW_9HSTNIx6wIEj3Sn0JfHb6mJxw5_sKSBaPBdZbCM7R3IIqv3KX6y8l6v6sWm4IAWYW7x4AAaW49beRIU0yg3WGKW-Z5fbH_IkwMyh2PQZ4BsgiQQuc61Sg2BtJ3Z01X5rVfDS38097T_RdDJkJOPMiP-6snYMyipzMLg71aJU/w640-h360/3.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Qué es el cine experimental, una charla, en la que además de hablar sobre el festival, se dieron varios puntos de vista sobre este tipo de cine, sus formas, estilos y principalmente su compleja dicotomía teorica. La charla se realizó en Cemtro Atico de la Universidad Javeriana. </span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEzFi744rOg1ws3AFlnPreLEDsf5SZFtYys-ZyneXwQirPdaWxifLU7X4nDKdAhOVWwahc9TScc_JsW8zhSREtZWTYc0clUpG1fJiDcn8mG_TdEotDO81g4X99WOzaaUb0LBMS9pKiPJUotifVH_AGyE_bsqvlNn0hQLCHRUhy6WWjXxMaXLYDbvFw2ug/s4000/4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEzFi744rOg1ws3AFlnPreLEDsf5SZFtYys-ZyneXwQirPdaWxifLU7X4nDKdAhOVWwahc9TScc_JsW8zhSREtZWTYc0clUpG1fJiDcn8mG_TdEotDO81g4X99WOzaaUb0LBMS9pKiPJUotifVH_AGyE_bsqvlNn0hQLCHRUhy6WWjXxMaXLYDbvFw2ug/w640-h360/4.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfBWbnZFRO1rpIRVNYq1E0tOqvj5f15vcRYhvbot56HJEmFAERg4Brfb8DEBxeE4vsDjd5J6HzAKdH3aqhuuGzvECKE2qZ_UUPVhwNoRrgIr9HXCGaVALswO9wSfbqRWIfeICQ6xuyfgLnfm86g7yT0Jt9YzHxVEtd60TAv2hx_ySD41ziCas8yB_WXtE/s4000/5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfBWbnZFRO1rpIRVNYq1E0tOqvj5f15vcRYhvbot56HJEmFAERg4Brfb8DEBxeE4vsDjd5J6HzAKdH3aqhuuGzvECKE2qZ_UUPVhwNoRrgIr9HXCGaVALswO9wSfbqRWIfeICQ6xuyfgLnfm86g7yT0Jt9YzHxVEtd60TAv2hx_ySD41ziCas8yB_WXtE/w640-h360/5.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5Dub45qZUIVs65jplbmmNK1K-KNMj6XQI0wmkpwZizjVkFtvkQKvNQo5oyGTW9sl1c_3t_p2-N_63ssbGxS71Pmj3dFORmAdORqLuG_vl8MK4h-jTPHm8f6eHHX0Sc7LKFXym1Ky68ygmfTYZ4PbBEuHu06cZ92_Xyet8-15BKk8BCoydmH_F2_t35co/s4000/7.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2250" data-original-width="4000" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5Dub45qZUIVs65jplbmmNK1K-KNMj6XQI0wmkpwZizjVkFtvkQKvNQo5oyGTW9sl1c_3t_p2-N_63ssbGxS71Pmj3dFORmAdORqLuG_vl8MK4h-jTPHm8f6eHHX0Sc7LKFXym1Ky68ygmfTYZ4PbBEuHu06cZ92_Xyet8-15BKk8BCoydmH_F2_t35co/w640-h360/7.jpg" width="640" /></a></div><br /> <p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-52974948767991835962023-08-09T18:22:00.001-05:002023-08-09T18:22:20.011-05:00Los "cinemas fotográficos" de Thomas Hoepker<p></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666;"><i><b></b></i><blockquote><b><i> "...<span style="background-color: white; font-family: verdana, arial; font-size: 13.192px;">el </span><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; font-family: verdana, arial; font-size: 13.192px;">film</span><span style="background-color: white; font-family: verdana, arial; font-size: 13.192px;"> es una mercancía que se consume de una manera muy particular. Sus espectadores compran un billete en la taquilla para tener derecho de ver y oír durante cierto tiempo las sombras de las películas, transformadas en sonidos e imágenes. Estos espectáculos se dan en almacenes especiales, las </span><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; font-family: verdana, arial; font-size: 13.192px;">salas de cine</span><span style="background-color: white; font-family: verdana, arial; font-size: 13.192px;">, cuyo conjunto constituye la </span><span style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; font-family: verdana, arial; font-size: 13.192px;">exhibición." (Sadoul)</span></i><span style="text-align: left;"> </span></b></blockquote><span style="text-align: left;"></span></span></blockquote><p><br /></p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZaopEN97HchLCOtgEISEEO8_vD3AdQR-okRyo8ufHU1gg2WaOpGrN8kBOaVcQ0PksrsixXRx2hRZdZvKc-o2RFljbUlKZ_rixfgc4FJxlu8q2WYKihRIfPKrAHbOG0Tb8pp0nkCbSIfBbCdJyci8MXp7iptaark5jNfH8Men93RA48Q8HEGUs10xUsF8/s668/fe8bb10b26a431ff1c0733d24c08f71e.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="668" data-original-width="500" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZaopEN97HchLCOtgEISEEO8_vD3AdQR-okRyo8ufHU1gg2WaOpGrN8kBOaVcQ0PksrsixXRx2hRZdZvKc-o2RFljbUlKZ_rixfgc4FJxlu8q2WYKihRIfPKrAHbOG0Tb8pp0nkCbSIfBbCdJyci8MXp7iptaark5jNfH8Men93RA48Q8HEGUs10xUsF8/w480-h640/fe8bb10b26a431ff1c0733d24c08f71e.png" width="480" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjZxvUrG3ycgzVMD5rdn7hGJ8PZihv5swrM65n_4Z4wUMgTyuee9xX4lp3ADG7Ko4aWKHtNEXl1cHY_5XNTlM1NQ2T_x3a2Pp1uq-fnrAIFE7cEka0vJcJ9cqZzVk9SbHWGimGlCv9pAA5slEgS4-leHaEVV0e3gJMHmDpxuRlxKdykZOyaoj41RIBprM/s837/nyc20643-teaser-xxl.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="837" data-original-width="560" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjZxvUrG3ycgzVMD5rdn7hGJ8PZihv5swrM65n_4Z4wUMgTyuee9xX4lp3ADG7Ko4aWKHtNEXl1cHY_5XNTlM1NQ2T_x3a2Pp1uq-fnrAIFE7cEka0vJcJ9cqZzVk9SbHWGimGlCv9pAA5slEgS4-leHaEVV0e3gJMHmDpxuRlxKdykZOyaoj41RIBprM/w428-h640/nyc20643-teaser-xxl.jpg" width="428" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaYW4oK0SJ8MhYd2WVHnlmsbYUokopu0KiiyvtKoETD8DgGfvxmY_YXi7A7_aTax6WmBb46egdzU2Y31_lhV5uXADVrBArwRfIszvce8-0qNm1ys4kjU1osEOlgGxSN0t880tlhrU5kgNc2Ziy3kirHMx3sde4G4nxc3oasy8LpJwM0b_nGFpk7hTGFq8/s1015/Thomas%20Hoepker%201.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="704" data-original-width="1015" height="444" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaYW4oK0SJ8MhYd2WVHnlmsbYUokopu0KiiyvtKoETD8DgGfvxmY_YXi7A7_aTax6WmBb46egdzU2Y31_lhV5uXADVrBArwRfIszvce8-0qNm1ys4kjU1osEOlgGxSN0t880tlhrU5kgNc2Ziy3kirHMx3sde4G4nxc3oasy8LpJwM0b_nGFpk7hTGFq8/w640-h444/Thomas%20Hoepker%201.webp" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwOqpclFR3zOODEwVMXT3qM315cjlze5E6Slsmy8nsbgl6G1z51Q9TGZkiFvJ939swdxNQoG8K9BeqxZkcH78qBlqElaVkas16PeybMqyZRVHcT7ciR3R0-XxHTim55blH4ydMoLCpVr78YjVfbpiw3pW8WUHHqbc5QMFE8ygYOufRgWNPhECZnxos4Ys/s1665/thomas%20hoepker.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1665" data-original-width="1317" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwOqpclFR3zOODEwVMXT3qM315cjlze5E6Slsmy8nsbgl6G1z51Q9TGZkiFvJ939swdxNQoG8K9BeqxZkcH78qBlqElaVkas16PeybMqyZRVHcT7ciR3R0-XxHTim55blH4ydMoLCpVr78YjVfbpiw3pW8WUHHqbc5QMFE8ygYOufRgWNPhECZnxos4Ys/w506-h640/thomas%20hoepker.jpeg" width="506" /></a></div><br /><p><br /></p><p><br /></p><p> </p><em style="--tw-border-spacing-x: 0; --tw-border-spacing-y: 0; --tw-ring-color: rgb(59 130 246 / .5); --tw-ring-offset-color: #fff; --tw-ring-offset-shadow: 0 0 #0000; --tw-ring-offset-width: 0px; --tw-ring-shadow: 0 0 #0000; --tw-rotate: 0; --tw-scale-x: 1; --tw-scale-y: 1; --tw-scroll-snap-strictness: proximity; --tw-shadow-colored: 0 0 #0000; --tw-shadow: 0 0 #0000; --tw-skew-x: 0; --tw-skew-y: 0; --tw-translate-x: 0; --tw-translate-y: 0; background-color: white; font-family: verdana, arial; font-size: 13.192px;"></em><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-10910134337676724722023-07-23T20:31:00.003-05:002023-07-23T20:31:53.768-05:00Retrospectiva Stanley Kubrick: Barry Lyndon<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjNd-qZI8vOdoaI5KAsXgjU3-6IGwOAVJbOz7oOOrh6fwqE4CGUeFMN0Kc4EebfSZleGe9Dtv8isQqgme-PR9wbDCzIeifNAOMjD5wtTWUR63nV64_2rtoRIVQWIsCJgwgmXUDCrThgmJdU-xhJBAyZThTUzDnHkQ4ASJ7-roaif0IML4lNMxn9tYPZG2c" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1000" data-original-width="658" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjNd-qZI8vOdoaI5KAsXgjU3-6IGwOAVJbOz7oOOrh6fwqE4CGUeFMN0Kc4EebfSZleGe9Dtv8isQqgme-PR9wbDCzIeifNAOMjD5wtTWUR63nV64_2rtoRIVQWIsCJgwgmXUDCrThgmJdU-xhJBAyZThTUzDnHkQ4ASJ7-roaif0IML4lNMxn9tYPZG2c=w211-h320" width="211" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;"></div><blockquote><div style="text-align: justify;"></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i>"Así, cine y pintura comparten una gramática común. Incluso la historiografía moderna ha hecho aseveraciones tan concluyentes como que el cine como arte, no tiene sentido si se le separa de la historia de la pintura."</i></span></div><div style="text-align: right;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i>Jacques Aumont</i></span></div></blockquote></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En esta nueva retrospectiva sobre grandes cineastas en la Cinemateca de Bogotá, el invitado fue Stanley Kubrick, considerado como uno de los más importantes directores del siglo XX, el cual, además de un depurado y obsesivo estilo, fue un creador innovador tanto en el lenguaje como en la técnica cinematográfica; aunque el nacido en Nueva York tiene un universo reconocible, no exento de la época en la que firmó su obra y de sus propia manías que se iban evidenciando; también es cierto que cada película, fue un singular experimento y proceso de creación, en el que exploró las zonas más oscuras de la mente humana, sus demonios internos y consecuencias, y el decadente proceso de una sociedad a la que estaba (des)acomodada el o los protagonistas; ésto también lo logró a través de sus cuidadosas imágenes, tan cargadas de sobriedad como simbolismo. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">De la obra de Kubrick se ha escrito bastante, de su indiscutible calidad, pulso narrativo, complejos personajes y épico naturalismo en el que afloran las pasiones humanas como lo pudimos observar en Barry Lyndon, -la única película que vimos de toda la retrospectiva- relato e historia de vida de un hombre hecho a pulso en medio de una época tan romántica como compleja como lo fue el siglo 18, y los añós que empezaban a colindar con el 19, donde las guerras, la trampa, la muerte y la mezquindad crecían con la sociedad, en la que Redmond Barry, joven irlandés con un destino sellado por la desgracia y los excesos, es protagonista.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Pintando a 24 FPS</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Kubrick, basándose en la novela La suerte de Barry Lyndon de William Makepeace Thackeray, nos adentra en las vivencias de un joven irlandés, que se va vistiendo con los ropajes de la necesidad y experiencia que su propia vida le ha puesto en el camino, desde un primer amor, no del todo correspondido hasta un traje militar traicionero, van formando el caracter y astucia de alguien preparado para la desgracia, como su propia familia, lo argumenta, al igual que un padre muerto en duelo, por las mismas nimiedades románticas de la época. La suerte del ahora militar y tahúr irlandés se irá convirtiendo en fortuna y gloria, además de un matrimonio que le dará el apellido Lyndon y nobleza, pero también, se irá sellando el halo de desgracia, invocada por su propios vicios, naturaleza y el nunca lograr pertencer del todo a una clase, ajena a su rudeza e impetu. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Si lo analizamos bien, varias de las películas de Kubrick han tenido a este tipo de protagonista, que evoluciona, perdiendo su inocencia hasta una decadencia moral o física, pasando por triunfos y logros, que además de experiencia muestran el tipo de sociedad que estaban viviendo, la mayor de las veces, vil y desmoralizada. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjfnnAe1jPBSJd5uNTCWq6ZkzM5zXIDonDQFwoIrRFySVdBDE46eXhrb9uXkDcJ0PqbfO872XUDSV5Bo5WhXJC_SbOuXJGDXITXT47Vf0dzQ7EE60ytr1u75vRffZOdeIJKt-jXd7FdXURY7-Lw29q4mxRIOxOmndfX0204wBhZJdNnET2-N_BcpOjuzdk" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="531" data-original-width="800" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjfnnAe1jPBSJd5uNTCWq6ZkzM5zXIDonDQFwoIrRFySVdBDE46eXhrb9uXkDcJ0PqbfO872XUDSV5Bo5WhXJC_SbOuXJGDXITXT47Vf0dzQ7EE60ytr1u75vRffZOdeIJKt-jXd7FdXURY7-Lw29q4mxRIOxOmndfX0204wBhZJdNnET2-N_BcpOjuzdk=w640-h424" width="640" /></a></span></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /><div style="text-align: justify;"><br /></div></span></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div style="text-align: justify;">De ésto se va a valer el director newyorkino, para trasladarlo a su puesta en escena, principalmente en lo fotográfico, emulando la pintura inglesa del siglo XVIII, ante todo, el paisajismo y los retratos, que reflejaban dicha sociedad; gracias a John Alcott, a unos lentes diseñados por la NASA y al obsesivo estudio de la época por parte de Kubrick, no sólo cada fotograma es un reflejo pictórico de la época, sino del tenebrismo y claroscuro de pintores como de La Tour y los artificios del Barroco y el Rococo. </div></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Alcott, haciendo uso de la luz natural, como de fuentes artificiales más realistas como velas, no sólo diseña un impresionante trabajo fotográfico sino todo un ejercicio estético e histórico, en el que sí bien va a primar lo artístico no deja de ser documento de una época, marcada por el histrionismo, y la romantización a todo nivel. Alcot y su equipo de cámara, también aluden al uso del zoom, no tanto como un recurso técnico - cabe recordar que Hollywood y el cine en general han visto en el zoom una especie de defecto- sino estético, como sí de una pintura se tratara, por aquello del aplanamiento de la imagen.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Al gran trabajo de Alcott se va a sumar un preciso diseño de producción, en el que tanto el vestuario, maquillaje y una sobría dirección de arte nos imbuyen en esa mitad del siglo 18, donde el romancticismo excesivo, se tradujo en duelos por amor, honor y otras rencillas al igual que las guerras, traiciones y demás disputas familiares, que entre luces y sombras, y algo de pasteles, nos revelaban el caracter hedonista y superficial de una sociedad. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El off cinematográfico: montaje, música y la voz de Michael Hordem</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La voz del actor Michael Hordem, no sólo fue fundamental para la estructura de Barry Lyndon, sino que fue una de las voces más importantes del teatro y el cine inglés, Hordem, quien nos narra las desventuras y fama del joven escocés, además del hilo conductor, es a su vez la conciencia moral de Lyndon, y posiblemente de Kubrick, quien estaba desencatado de la humanidad, como concluye la obra; la voz del inglés a su vez se traduce en la forma del montaje: clásico y emulando cierto carácter literario, con muchas elipsis como sucede cuando se cuenta la vida de alguien, todo ésto bajo los sonidos musicales de Leonard Rosenman, que logra asimilar no sólo el carácter de Lyndon sino el espíritu de una época.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEimM2Pb1xdXbJTw7F0q-ee47CQj7tDEg-wNmv-elF7UYZD2Q0V04dhhX9Y9l1OQ4h1B8qjvLy3N4-WzeiAilOM3muiAEeER8y8hyy3wgo66lLK900yuW68IPFbsHaDs56r9gt2rm6GcZTLyIu3rHR14GrB3kQce0NvgLRcekudDilah7cObdeqVKRTzPek" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="634" data-original-width="1024" height="396" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEimM2Pb1xdXbJTw7F0q-ee47CQj7tDEg-wNmv-elF7UYZD2Q0V04dhhX9Y9l1OQ4h1B8qjvLy3N4-WzeiAilOM3muiAEeER8y8hyy3wgo66lLK900yuW68IPFbsHaDs56r9gt2rm6GcZTLyIu3rHR14GrB3kQce0NvgLRcekudDilah7cObdeqVKRTzPek=w640-h396" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg9sD1cztv7JpfOhIso3V8maRrPOz1RkvsU1yiHnL_wxGNSjj1l6pm9hs1ESjHHKzPxKr1s615cfqPR2ioMtkt3kOefTJshlubMvisGw6-rjG38URikqzRzXdglV2Eugl0gseok_tFHZhWYzCtSSzwqMPP8emU1MLxnZOcg_fMKhr0uOcSqVcV11aMkB_E" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1080" data-original-width="1920" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEg9sD1cztv7JpfOhIso3V8maRrPOz1RkvsU1yiHnL_wxGNSjj1l6pm9hs1ESjHHKzPxKr1s615cfqPR2ioMtkt3kOefTJshlubMvisGw6-rjG38URikqzRzXdglV2Eugl0gseok_tFHZhWYzCtSSzwqMPP8emU1MLxnZOcg_fMKhr0uOcSqVcV11aMkB_E=w640-h360" width="640" /></a></div><br /><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque las actuaciones se puedan ver opacadas por la estilización de la obra, tanto el trabajo de Ryan O Neal como el der Marisa Berenson con más dignos, al igual que los secundarios de lujo, que decoran pero a la vez lideran los cuidadosos cuadros en movimientos planeados entre Kubrick y colaboradores. Aún más, -y como opinión personal-, el alejamiento con los actores, le dan mayor fuerza a los componentes técnicos - estéticos, y su interacción con las interpretaciones, juegan en favor del todo cinematográfico. </span></div><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Crítica </b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Para mí, el cine con tintes bélicos de Kubrick, es donde mejor refleja su calidad y forma, y en este caso, lo bélico, es lo que le da soporte al personaje de Lyndon, lo mejor y lo peor de éste se debe a la guerra, pero también es la obra donde mejor desata sus manías, experimentaciones y obsesiones convertidas en imagenes preciosistas, épicas y grandilocuentes, en términos históricos y narrativos; una de las mejores de Kubrick, y posiblemente el mejor o uno de los mejores ejercicios de traslación plástica a imagen en movimiento, que se puede ver reflejado en esa icónica secuencia en la que Lyndon es desafiado a duelo por su hijastro, y vemos que la pintura cobra vida a 24 cuadros por segundo. Toda una obra maestra.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Zoom in: </b>Varias nominaciones y premios, principalmente por su fotografía, dirección al igual que diseñor de producción y arte, categorías por las que ganó en los Oscar, BAFTA y otros más.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Montaje Paralelo: </b>Cine pictórico - Siglo 18 </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> <br /><br /></span></p><div style="text-align: right;"></div><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-84883181144611867062023-06-06T20:01:00.004-05:002023-06-06T20:02:33.566-05:00El Aleph de Borges y su "Montaje de Atracciones"*<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><br /></p></blockquote>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="https://www.youtube.com/embed/C3PmZ1Oe27M" title="YouTube video player" width="640"></iframe><div><br /></div><div><br /></div><div><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i> </i></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 17.12px;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i>"En la parte inferior del escalón, hacia la derecha, vi una pequeña esfera tornasolada, de casi intolerable fulgor. Al principio la creí giratoria; luego comprendí que ese movimiento era una ilusión producida por los vertiginosos espectáculos que encerraba. El diámetro del Aleph sería de dos o tres centímetros, pero el espacio cósmico estaba ahí, sin disminución de tamaño. Cada cosa (la luna del espejo, digamos) era infinitas cosas, porque yo claramente la veía desde todos los puntos del universo. Vi el populoso mar, vi el alba y la tarde, vi las muchedumbres de América, vi una plateada telaraña en el centro de una negra pirámide, vi un laberinto roto (era Londres), vi interminables ojos inmediatos escrutándose en mí como en un espejo, vi todos los espejos del planeta y ninguno me reflejó, vi en un traspatio de la calle Soler las mismas baldosas que hace treinta años vi en el zaguán de una casa en Frey Bentos, vi racimos, nieve, tabaco, vetas de metal, vapor de agua, vi convexos desiertos ecuatoriales y cada uno de sus granos de arena, vi en Inverness a una mujer que no olvidaré, vi la violenta cabellera, el altivo cuerpo, vi un cáncer de pecho, vi un círculo de tierra seca en una vereda, donde antes hubo un árbol, vi una quinta de Adrogué, un ejemplar de la primera versión inglesa de Plinio, la de Philemont Holland, vi a un tiempo cada letra de cada página (de chico yo solía maravillarme de que las letras de un volumen cerrado no se mezclaran y perdieran en el decurso de la noche), vi la noche y el día contemporáneo, vi un poniente en Querétaro que parecía reflejar el color de una rosa en Bengala, vi mi dormitorio sin nadie, vi en un gabinete de Alkmaar un globo terráqueo entre dos espejos que lo multiplicaban sin fin, vi caballos de crin arremolinada, en una playa del Mar Caspio en el alba, vi la delicada osadura de una mano, vi a los sobrevivientes de una batalla, enviando tarjetas postales, vi en un escaparate de Mirzapur una baraja española, vi las sombras oblicuas de unos helechos en el suelo de un invernáculo, vi tigres, émbolos, bisontes, marejadas y ejércitos, vi todas las hormigas que hay en la tierra, vi un astrolabio persa, vi en un cajón del escritorio (y la letra me hizo temblar) cartas obscenas, increíbles, precisas, que Beatriz había dirigido a Carlos Argentino, vi un adorado monumento en la Chacarita, vi la reliquia atroz de lo que deliciosamente había sido Beatriz Viterbo, vi la circulación de mi propia sangre, vi el engranaje del amor y la modificación de la muerte, vi el Aleph, desde todos los puntos, vi en el Aleph la tierra, vi mi cara y mis vísceras, vi tu cara, y sentí vértigo y lloré, porque mis ojos habían visto ese objeto secreto y conjetural, cuyo nombre usurpan los hombres, pero que ningún hombre ha mirado: el inconcebible universo."</i></span></span></p></blockquote><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> <b> El Aleph. Jorge Luis Borges </b></span></p><div><br /></div><div><div style="text-align: center;"><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="https://www.youtube.com/embed/ARTLckN9e7I" title="YouTube video player" width="640"></iframe></div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: right;"><o:p><span style="color: #666666; font-family: helvetica; font-size: x-small;"> *Idea tomada de James Hunter y su texto La Estética de lo Posible </span></o:p></p></div></div>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-1572875496936506092023-06-02T21:56:00.004-05:002023-06-02T21:59:26.823-05:00Día de la Bicicleta: Los primeros registros cinematográficos de la bici<p><br /></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="480" src="https://www.youtube.com/embed/aKb42y066Dw" width="640" youtube-src-id="aKb42y066Dw"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div style="text-align: center;"><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="https://www.youtube.com/embed/Df4fVqsPYDc" title="YouTube video player" width="640"></iframe></div>
andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-89723881955326345792023-06-02T19:05:00.007-05:002023-06-07T12:49:24.382-05:00La estética de lo posible <p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoii0hhlzNcodSYLY90pg42HUMflHxqAHNP2Cdnc6wjJF2JUY8_8TY7srJ1SA7tWZWU9lere5WqKlGJt4rNBlGdE-q5r0ebb7MsuHftlEBT0oWEUAATw-ADdd4VN12-KzW1s-nHvgrC-hmpMoCnJ_HMPmprUeKVHHckiG1G-38OvHRkKG32gy-W1kJ/s834/portada.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="834" data-original-width="517" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoii0hhlzNcodSYLY90pg42HUMflHxqAHNP2Cdnc6wjJF2JUY8_8TY7srJ1SA7tWZWU9lere5WqKlGJt4rNBlGdE-q5r0ebb7MsuHftlEBT0oWEUAATw-ADdd4VN12-KzW1s-nHvgrC-hmpMoCnJ_HMPmprUeKVHHckiG1G-38OvHRkKG32gy-W1kJ/s320/portada.jpg" width="198" /></a></div><br /><p><br /></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Autor: James Hunter<br /></b></span><b style="color: #666666; font-family: helvetica;">Año: 2002<br /></b><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>País: Colombia<br /></b></span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Editorial: Ecran<br /></b></span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Género: Ensayo</b></span></div><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Serie de ensayos sobre el cine desde la mirada de un literato como lo es James Hunter, donde sí bien el libro o mejor el autor peca en su desconexión con la que parece ser su especialidad la literatura, tiene un par de apuntes e ideas interesantes, las cuales se anotaron a continuación:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El libro nos introduce con una ideas oparticularmente nteresantes entre la relación influencia de un medio con el otro:</span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> "...lo que también uno se pregunta es : ¿qué sintió Trilling cuando leyó el Ulises de Joyce, el Orlando de Virginia Woolf, la novela Berlin Alexander Platz, de Alfred Doblin o Manhattan Transfer de dos passos? obras que él conocía muy bien, novelas que, de paso crecieron paralelamente con el nacimiento del montaje cinematografico."</span></blockquote><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"en este momento el cine vino a depender de la sustancia propia de la narrativa: historias atractivasy una técnica para contarla. Tal es el caso del director D. W Griffith quien se sirvió de las técnicas narrativas usadas en las novelas decimonónicas en especial las de Dickens." (pág. 8)</span></p><p style="text-align: justify;"></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Frente al capítulo relacionado al cine de género, ene ste caso el Noir, el autor hace las siguientes aclaraciones:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"....la mujer fatal descrita anteriormente es la marcade un género cinematografico como cine negro o film noir. y aunque los los filmes correspondientes al mismo se distingande los demás por sus imagenes oscuras colnadas de sombras, hay algo de mucho más espesor sémico de lo que se piensa."</span></blockquote><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">las mujeres son focalizadas por medio de una diegesis en clave homodiegética, tipología que nos permite aprehenderlas, tanto en la novela como en el cine, a partir de esta factura estilistica y genérica, como si fueran idealizadas en medio de la oscuridad. (pág. 18)</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El filme de Luc Besson (Nikita), como sucede en los del género negro, está enmarcado en una atmósfera inquietante, seguida por un nervio criminal permanente. Todo anda orientado hacia el analisis sico-politico-social de la violencia y lo delictual, pero tomado como ironía (pag. 31)</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El segundo capítulo, que parece ajeno a la propuesta inicial, se ajusta a contarno sobre el Cinemascope el cual, es visto y analizado por el autor de la siguiente manera: </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Hoy estamos ante una realidad simplificada por los medios con que contamos en la actualidad. se habla de cinemascope cuando se quiere hacer reminiscencias potenciales de nostalgia. !Quién lo hubiera pensado en 1953!, que este invento de Henri Chrétien pasara a los anales de internet a ocupar un nada amplio espacio referencial, como suceso curioso y científico para los espectadores del medio siglo XX ansiosos por novedades fotogramáticas que hoy, curiosamente pueden apeciarse a través de los infogramas de la televisión para que la mirada actual de la hiperekinesis tenga algo parecido a un simulacro de lo que fuera un acontecimiento que cambió, a pesar de todas las estrategias de distracción, la manera de abarcar la realidad. (pag. 35)</span></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"...se sabía que el cinemascope nació por una crisis del cine. Lo que muy pocos presentían era que nos aguadarba otra crisis que no tardò en hacer su aparicicón, para que la industria se apercibiese de que su verdadera renovación tenía que venir desde adentro y de que sólo , a través d eun profundo cambio ideológico, podía mantenerse en pie. (pag. 38), la conclusión del autor, nos recuerda que varios de los cambiso e innovacines cionematográficas se debieron más al mercadeo, que al verdadero interés estético o tecnológico de éste. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Hunter coloca una serie de datos que aunque relevantes, no parecen ajustados a la estructura del mismo texto, aún así valen la pena ser revisados para este blog:</span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Es importante consignar aquí que la película o cinta es una tira de celuloide que puede tener 11 mm. de ancho y que es empleada por los aficionados (cine "amateur"); las hay de 35 mm. (imagen 18x24), que e sl anormal, empleada en todas las salas del mundo, de tipo universal, y está la de 70 mm,. bastante frecuente con los modernos sistemas de proyeción panorámica.</span></blockquote><p></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La cadencia o compás, velocidad con que se desliza la cinta en la cámara y en el proyector, era en las películas mudas de 16 imágenes por segundo; a raíz del cine sonoro, se ha elevado a 24, y, en sistemas de pantalla muy ancha, a 30. (pag. 43)</span></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Este capítulo me parecía interesante, para adentrarse en la idea y praxis del </span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Decoupage Téchnique, en el cual como explica el autor:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cine y literatura es una simbiosis a veces compleja, otras lúcidas, en la que han cabalgado narradores latinoamericanos quienes, con alguna frecuencia, realizan los guiones de sus propios escritos. Son escritores audaces que con mayor o menor éxito lograron traspasar el umbral de sus ejercicios para zambullirse en otros ámbitos donde la musa nocturna se ocupa de articular una prosodia embriagada de luz y movimiento. (Pag. 87)</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Dato: el decoupgae technique, término empleado en 1958 por Paul Leglise</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En este mismo contexto Hunter nos paltea la siguiente idea, que reflexioan muy bien sobre la relación entre las disciplinas: cabe recordar en este punto de la investigación que, mientras la novela es el arte de la interioridad subjetiva, el cine será el del reflejo objetivo de la realidad. (pag. 99)</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La adopción de los postulados del realismo y el naturalismo como modelos arrativos será el punto de pàrtida de la relación entre el cine y la literatura. Tal imbricación tiene mucho que ver también con el foletín ppr entrega que se transfigura en un cinede episodios multiplicado hacias los años 40 en la industrai cienmatográfica nortemarican a y cuya fundamnetación está en contextualizar todo lo que aporta la estética del cómic </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El cine nace en los momebntos en que los fabuladores ecimonónicos estan en la cúspide de su producicón literaria. El punto de vista neutro en la narreativa de Emile Zola; las técnicas del paralelismo en la descripción de simultaneidades en el accionar de los mundos ficticios de Charles Dickens, Stendhal y Leon Tosltoi; las analepsis o slatos hacía el pretéritoy la prolomgación de la acicón drama´tica en Carl Theodor Dreyerr t Fedor Dostoievsky, respectivamente serán los modleos ideales para que los cinematografistas notables como el nortemaricano David Ward Griffith y el alemán Eric Von Stroheim puedan contar sus historias. (pag. 101 -102)</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El capítulo 7 es la aproximación más concreta entre la literatura y el cine, es éste, Hunter remarca lo siguiente:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En John Dos Passos , con su obra Mnahhatan Tranfer,; Aldoux Huxley, con un Mundo Feliz, y Viriginia Woolf, con Orlando, estñá la presencia d eunas fómulas narrativas cuyas estructuras aconologicas nos remiten al modelo de donde proceden tales trangresiones espaci- temporales; me refiero al filme mudo Intolerancia (1916) del maestro fundamnetador de una grmática del cine. David Ward Grigffith. Este crucigrama ahistótico cuyo laberinto nos conduce hacia la desvelación d eun comncpeto, la intolerancia , cambiará el modo de narrar del siglo xx. (pag. 103)</span></blockquote><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Así mismo, el autor anota lo siguiente, haciendo una extensión del lenguaje y las formas:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">...la llamada cultura de la MTV cons us técnicas dadíastas de una factura pop nada alejada de la literatura yamnqui reflejada en la genración beat nortemaricana con sus exponentes Allen Ginsgberg, Jack Kerouac y William Burroughs, también tienen que ver con esta relación que nos toca. (103)</span></blockquote>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-51222083780096815542023-05-01T21:05:00.003-05:002023-05-01T21:05:20.140-05:00Reflexión Cinéfila: Versiones del Bogotazo<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"></span></p><p><span style="font-family: helvetica;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgRX1Koy42zoVUVva9sjlIi7ZuFRYdIlzPj0Dc8B9_dFvkLMfBmh8guYnT_9F_SgoYfARbKfW4UFujtziyXXo5FYYNtjcVlo4tkcvqBMfHkg8LIhe51U4-LdLDmhja_J32m7K1Gl5KN7kdYgTMpzl_lr5xtP1AnKM93Y6-8cXpvjnxEboh33YbgHpyq" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" data-original-height="360" data-original-width="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgRX1Koy42zoVUVva9sjlIi7ZuFRYdIlzPj0Dc8B9_dFvkLMfBmh8guYnT_9F_SgoYfARbKfW4UFujtziyXXo5FYYNtjcVlo4tkcvqBMfHkg8LIhe51U4-LdLDmhja_J32m7K1Gl5KN7kdYgTMpzl_lr5xtP1AnKM93Y6-8cXpvjnxEboh33YbgHpyq=s16000" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: right;"><span style="font-size: xx-small;"><i>Fotograma: Cesó la horrible noche de Ricardo Restrepo</i></span></td></tr></tbody></table><br /><br /></span></p><p><span style="font-family: helvetica;"> </span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i>"Desde arriba, con la vista hacia el oriente, contemplamos un panorama apocalíptico. El centro de la ciudad estaba complementamente a oscuras, pero gracias a esa oscuridad, se veían muy bien las llamaradas de los incendios, se oían las explosiones, las ametralladoras, los tiros a lo lejos, como una guerra. La impresión era la misma que le daban a uno los noticieros de la Segunda Guerra Mundial que pasaban antes de las películas hace tres o cuatro años, y el espectáculo era fantástico, horrorosamente bello: ver el centro de la ciudad en llamas bajo el resplandor anaranjado del cielo. Asi estuvimos hasta las once de la noche."</i></span></blockquote><p><span style="color: #666666;"> <span style="font-size: x-small;"> Versiones del Bogotazo. El incendio de abril. Guillermo González Uribe. (pág. 126 )</span></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;"> </span></blockquote><p> </p><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-16007537275900503232023-04-04T11:59:00.002-05:002023-04-04T12:11:41.154-05:00El cine en su época. Una historia política del filme<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-JVpjj9pXGvM/WmZabTJTq_I/AAAAAAAAWrM/p3mpP1U1VKY_awIf6RhiXeQXBbPinuGxQCLcBGAs/s1600/9789876020909.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="278" src="https://1.bp.blogspot.com/-JVpjj9pXGvM/WmZabTJTq_I/AAAAAAAAWrM/p3mpP1U1VKY_awIf6RhiXeQXBbPinuGxQCLcBGAs/s1600/9789876020909.png" /></a></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Autor: Enrique Lacolla</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Año: 2003</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>País: Argentina</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Editorial: ComunicArte</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Género: Historia</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El libro escrito por el periodistas y docente argentino Enrique Lacolla, que más que escribir una historia del cine nos acerca a la historia del siglo XX mediado por el séptimo arte. Mediando entre los acontecimientos más importantes de la historia para dar paso a los movimientos cinematográficos el argentino crea un libro estructurado, muy bien planificado en lo que cuenta y sistemático en esas obras de cine que marcaron su momento y que son clásicos y puntos de referencia para el día de hoy; tal vez el libro se quede corto después de los años 80, donde el autor - como tanto otros- no encuentra validación en las obras que han surgido en eso que se conoce como el Posmodernismo; de todas formas es un libro, que además de académico, así Lacolla diga lo contrario, es una forma muy puntual de reconocer al siglo XX y ese invento que mejor asumió la época.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Dividido en varios capítulos, donde se reconocían los eventos más importantes del siglo como la afectación dentro del cine, el autor va haciendo un recorrido por múltiples situaciones, explicadas en varias ocasiones bajo su punto de vista y la subjetividad que esto implica pero igualmente acertado en su percepciones sobre lo que se enfrentaba el cine, la historia y el mismo desarrollo de la civilización.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Notas tomadas del libro:</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>La Revolución industrial y el cine</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Como se ha dicho tantas veces, es el único arte con fecha de nacimiento. Mientras casi todas las otras disciplinas expresivas hunden sus raíces en la noche de los tiempos, el cine es hijo de una época dotada de una exacerbada noción de la historia y proclive a datar todo lo importante.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Los tiempos modernos nacen de la revolución francesa., ella misma consecuencia de una profunda modificación estructural de las relaciones de clase y poder entre los estamentos sociales.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Es verdad que el planeta era uno a partir de los albores del capitalismo y de la edad moderna, en los siglos 16 y 17, pero sólo en la segunda mitad del siglo 19 la humanidad dispuso de los medios técnicos y mecánicos capaces de cubrir rápidamente todos los horizontes.</span></div>
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<span><a name='more'></a></span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Hasta las postrimerías del siglo 19 e incluso ya algo avanzado el siglo 20, en la mayoría de los países del globo la población era predominantemente campesina, dispersa y mayoritariamente analfabeta.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Hasta entonces el teatro y los espectáculos de feria habían sido suficientes para abastecer esos requerimientos. El público culto tenía las artes superiores como las exposiciones plásticas y sobre todo el teatro y al ópera; el público basto podía solazarse con el circo, el grand guignol y las ferias ambulantes que se desplazaban de un villorrio a otro.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El cine debía crecer, aunque no eran demasiados, al principio los que veían su enorme potencialidad económica y artística. Los primeros pasos en ese sentido estuvieron contrariados por la catástrofe del Bazar de la Caridad en París, producido en 1897, casi dos años después de lanzado el invento Lumiere. Este fue uno de los accidentes más complejos que tuvo el cine, la muerte de 130 personas, muchas personalidades de la alta sociedad francesa, todo debido a la impericia del operado., y la alta inflamabilidad de la película.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Fue así como nació el primer estudio de cine, en un invernadero adecuado a sus nuevos fines en el fondo de una casa que el realizador poseía en Montrevilsur seine, en las cercanías de París, el autor explica acerca del primer estudio creado por Mellies.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El film d´art</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque el cine era el espectáculo popular por excelencia y aunque el grueso de la producción estaba constituido por cortas bandas de películas que en el mejor de los casos no superaban los 15 minutos y giraban entorno de intrigas por lo general policiales o cultivaban un género cómico que propendía decididamente al grotesco, comenzó a abrirse paso al deseo de hacer del cine un arte, o por lo menos con dichas pretensiones.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Había también una afinidad entre las posibilidades comerciales del cine y la potencia y el dinamismo del capitalismo estadounidense. La primera década del desarrollo del filme en Estados Unidos es turbulenta como ninguna, al reeditar en cierto modo las fiebres del oro y la conquista de las tierras vírgenes en el oeste que habían marcado tan particularmente la historia de ese país durante el siglo 19.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Edison dio la primera función pública y paga del Vitascope en abril 1896 pocos meses después de la representación ofrecida por los Lumiere en el Salón Indio del Grand Cafe de París.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La imagen, signo de comunicación por excelencia, saltaba las barreras idiomáticas y ofrecía a espectadores que hablaban polaco, alemán, ruso, yiddish, sueco o italiano, un espacio de comprensión que no requería traducciones.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Viajantes de comercio o pequeños traficantes de ropa vieja, hebreos..., se lanzaron a la aventura de producir y exhibir películas de corta duración en salas improvisadas a toda prisa. Pronto, sin embargo, a partir de 1905, las proyecciones se organizaban en base a nickelodeons, pequeñas salas de fachadas decoradas con luces brillantes y afiches llamativos donde se desarrollaban funciones en continuado desde las 8 am a la medianoche y a los cuales el público podía acceder a través de una entrada que costaba un níquel (5 centavos).</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Este conflicto entre el "trust" y los "independientes", esta disputa entre bandas , que parece presagiar tanto al cine como a la comedia norteamericanos, tuvo mucha significación en la localización de la industria en la que pronto se transformaría en la llamada Meca del cine: Hollywood.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Muchos productores independientes, en efecto, para huir de los oficiales de justicia que Edison hacia llover sobre sus cabezas , emigran a la costa oeste, a California, donde además disponían de dos ventajas adicionales de considerable importancia: un tiempo generalmente soleado, indispensable para rodar con la película de baja sensibilidad que había por entonces; y la proximidad a la frontera mexicana. </span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La evolución hacia la conquista de un lenguaje cubre un periodo que va del nacimiento del cine en 1895 a 1914/15, momento en el cual en los Estados Unidos aparecen las primeras películas concebidas como unidades narrativas articuladas de acuerdo a un concepto estilistico que es intransferible a cualquier otra disciplina artística que no sea la fílmica.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">William Paul y la llamada Escuela de Brighton, UK, las contribuciones de algunos cineastas escandinavos que experimentaron con la sugerencia mágica de los fundidos encadenados y transmitieron también al cine una sensibilidad por la naturaleza, tuvieron importancia en Europa en este tipo de avances; pero fue sobretodo un norteamericano, Edwin S. Porter, quien más aportó en esta materia en los años iniciales. Trabajando a las ordenes de Edison, en alrededor de 4 años Porter descubrió el montaje como recurso para generar una continuidad narrativa y exploró las posibilidades de expedientes d elenguaje como el montaje de acciones, paralelas y el gran primer plano.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Entre los primeros teorizadores del cine están Riccioto Canudo y Sebatián Lucianti, que en aquellos años iniciales definieron el nuevo medio como "arte plástico en movimiento" y como un relato que no era la ilustración de una trama por medio de imágenes, sino "una representación autónoma, intrínseca y exhaustiva" en si misma. </span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cine Italiano: La tendencia a recuperar la historia como escenario provisto de prestigio, tan perceptible en la variante francesa, en Italia cobra aún mayor fuerza, abonada por la inlexión melodramática de la cultura operística y por la propensión a la hiperbole expresiva que se suele atribuir a los pueblos latinos.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Es importante recalcar que el salto desde el corto y mediometraje hacia el largometraje se dio con Cabiria, película de gran influencia para Griffth.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Pero Italia aportó en aquellos años inaugurales otros elementos al cine que harían carrera dentro de él, convirtiéndose en algunos de sus datos característicos. El que muy pronto sería llamado Star System y el ahondamiento en el retrato psicológico de alguna manera estuvieron unidos en esa época, contribuyendo a reforzar la atracción del cine como fenómeno.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Fue entre los italianos donde se descubrió y potenció primero la función de la diva, de la "estrella", es decir, de la figura arquetípica que condensa las ilusiones populares sobre un tipo ideal para devolverlo magnificado sobre la audiencia, que tiende a imitar a la figura del espejo donde cree mirarse.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">El recurso al primer plano significativo - si no se podía escuchar un sollozo, se podía ver una lágrima en detalle y esto podía incluso convertirse en una metáfora - empujó a buscar combinaciones de planos que hiciesen creíble la evolución de una situación dramática, y </span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">así mismo empujó a directores y actores a explorar en procura de un estilo recitativo, ... forzosamente elocuente, para descubrir formas de expresión mínima, que otorgaban a un actor, por primera vez en el arte escénico, la posibilidad de transmitir estados de ánimo absolutamente íntimos.</span></span></div>
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<span><!--more--></span><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Sobre Griffith, si el romanticismo está en la base de la percepción vívida de la historia, el de Griffith fue pintoresco, aventurero y más en la línea de Victor Hugo y Robert Louis Stevenson que en la del pesimismo metafísico.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Su vida fue ejemplo del <i>self - made man</i> y de un esfuerzo constante para afirmarse como creador de una cultura no ya superficial, como era la de muchos de los pioneros del cine, sino bien arraigada en el conocimiento de la literatura y el teatro.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">D.W.G rodó un centenar de películas cortas entre 1908 y 1913. Aprovechando su aprendizaje a las órdenes de Porter desarrolló el principio del montaje al extremo, a través de un sinfín de películas de una o dos bobinas</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El uso variado y funcional a un propósito narrativo de los planos generales, medios y primeros planos, fueron el arsenal de recursos que Griffith, forjó o potenció y que lo convirtieron en el padre del lenguaje cinematográfico.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Los puntos de vista de Griffith son reaccionarios, expresamente racistas e imbuidos de un virtuoso horror ante la posibilidad del mestizaje, pero la exteriorización de estos sentimientos y la descripción de los acontecimientos en sí mismos dan la pauta de un realismo que gracias justamente a su deformación subjetiva supera a mucho cine norteamericano contemporáneo, preocupado por obtener el sello de marca políticamente correcto que viabiliza el acceso de un filme al mercado. La óptica de Griffith es más veraz que la de muchas películas actuales que tratan temas socialmente escabrosos, porque carece de hipocresía, es crucialmente franca y pinta datos de la realidad que, por muy ideológicamente condicionada que estuviera la óptica del director, formaban parte del panorama.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif" style="color: #666666;">A lo largo de sus varios años como director de filmes de dos, tres</span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif" style="color: #666666;"> o cuatro bobinas, Griffith se había ido haciendo de un bagaje lingüístico con el que no vacilaba en experimentar. El gran primer plano, descubierto por Porter pero utilizado por éste y otros directores simplemente como una variante más detonante que expresiva , fue empleado por Griffith como un elemento que debía necesariamente combinarse con otros para alcanzar una dimensión dramáticamente significativa.</span></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La rápida asimilación de los mecanismos asociativos de la mente al decurso de las imágenes cinematográficas liberó al cine de sus ataduras con el teatro, proyectándolo a una dimensión original.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Pero la comprensión de Griffith respecto de los expedientes narrativos no se limitó al desarrollo y perfeccionamiento del montaje. Tendió a ver el filme como un espacio provisto de sus propios recursos y en el cual el director es también el escritor de la trama; no por que el la haya necesariamente redactado, sino porque se ocupa de escribirla con la cámara, con la selección y edición de los planos, con la iluminación y, en última instancia, con la prestación de unos actores que asimismo deben responder a los propósitos del realizador.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El autor cita a Lewis Jacobs: " La cámara y película constituyen las primeras herramientas del cine, más que el actor:; el argumento debe plantearse en función del ojo de la cámara y del montaje; la unidad cinematográfica es el plano; a través de distintos planos se construye la escena; la sucesión de las escenas forma la secuencia; la progresión de las secuencias, el filme. La claridad y vigor del relato depende de la disposición de planos, escenas y secuencias.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>La era de los extremos </b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La gran eclosión catastrófica del siglo XX estuvo preparada por todo el desarrollo capitalista desde le siglo 14. Pero el universo capitalista revela plenamente sus potencialidades creadoras y destructoras a la vez en uno de esos momentos claves de la historia que, aunque no hacen sino llevar a la superficie fuerzas subterráneas que habían estado preparando largamente la explosión...</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En un espacio europeo restringido, superpoblado, recorrido por rivalidades nacionales, rencores étnicos y tensiones entre el capital y el trabajo, alumbrado por los descubrimientos de la ciencia y por la difusión del psicoanálisis - todavía circunscrito pero que tocaba a sectores con una gran capacidad de irradiación e influencia; esta atmósfera intoxicante y estimulante dio lugar a una agitación intelectual que encontró en las vanguardias artísticas su expresión más importante.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Puede decirse que el romanticismo fue en ese sentido (grupo de ruptura) la primera de las vanguardias por su tesitura anticlásica y antiburguesa. Pero ese, como otros cambios producidos con anterioridad, se manejaban en un entorno relativamente poco movible, donde se generaban cambios espaciados.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Todas las vanguardias tendrían que ver con el cine, que de hecho proporcionaría el soporte técnico que popularizaría a muchas de sus perspectivas. Pero en el periodo inmediatamente anterior a la guerra del 14, que es el momento en que las vanguardias se manifiestan, el nuevo medio expresivo todavía está buscándose a sí mismo... En esos años, nacen el cubismo, el expresionismo, el futurismo y la abstracción en la pintura; la atonalidad en la música y los primeros ensayos de ruptura de la narración literaria que preparan el camino a la irrupción del discurso interior. Pero es fundamentalmente "en la arquitectura donde se produce la renovación mayor., al adaptarse al funcionalismo y dar lugar con éste a la revolución arquitectónica más comprehensiva que cualquier otra desde el Renacimiento.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Conviene observar que nunca como en el siglo XX el arte ha desempeñado con mayor elocuencia su papel de agorero de la historia: la sensibilidad del artista le permite percibir instintivamente lo que otros no ven suele hacerlo una especie de sismógrafo del desarrollo social. Mucho antes que el terremoto se manifieste en la superficie, el fino oído del artista escucha el movimiento sordo que ocurre en las profundidades o a distancia, y de esos síntomas saca un sistema.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Bajo la influencia del freudismo hicieron hincapié en las zonas oscuras de la psiquis para descubrir lo que la corza brillante de la cultura convencional ocultaba y donde, de alguna manera, se estaba preparando las redomas del furor de las que saldría la guerra.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El Expresionismo se ubica e una postura sistemáticamente contradictoria a la del Impresionismo. Su nombre encierra su clave: lo que busca es obtener la "expresión más expresiva de las cosas"(Edschmid). Es un arte predominantemente subjetivo, preocupado por asomarse a la interioridad del individuo y, en su esfuerzo por llegar a ese núcleo oculto, explorador de escorzos exagerados y distorsionados para llegar a manifestar las emociones más soterradas.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En la psicología del arte de vanguardia, el futurismo representaba "la fase profética y utópica, el estadio, si no de la revolución, de la agitación y de la preparación de la revolución anunaciada". Los futuristas italianos y rusos encontrarían una ocasión y un lugar donde explayar sus furores y donde canalizar sus aspiraciones violentas al cambio: la primera guerra mundial y los radicalismos de izquierda y de derecha que la seguirían: el comunismo y el fascismo. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">
</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>La guerra del 14</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La guerra estalló por un motivo aparentemente nimio, el asesinato del príncipe heredero de la corona habsbúrgica y su mujer en las calles de Sarajevo. Si bien el episodio fue dramático, no habría debido transformarse en un <i>casus belli </i>si no hubiera sido por la endemoniada imbricación de factores que contribuyó a precipitar los acontecimientos y, básicamente, por el carácter irracional que subyace a las contradicciones del sistema capitalista, cuyo apetito no reconoce límites y que en su furor a veces no divisa los bordes que designan al abismo y que deberían marcarle su propia aspiración a la supervivencia.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La primera guerra mundial fue, entre otras cosas, la expresión de la crisis del orden mundial basado en la supremacía británica que había regido el mundo desde Waterloo en adelante.Con el estallido de la guerra en agosto de 1914 comienza el verdadero siglo XX en todo lo que éste tuvo de extremista y catastrófico.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<b><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></b></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>2. La conquista del Rango</b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Cine y revolución: Alemania </b></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La opinión conservadora, que se sentía abofeteada por el derrocamiento de la monarquía; los sectores medios que se veían desposeídos de sus ahorros por una inflación galopante; los ex combatientes que sentían que sus sacrificios habían sido en vano y los ejércitos de desempleados dieron pábulo al crecimiento de los extremismos de izquierda y de derecha que durante unos pocos años tuvieron en vilo al país, hasta que una enfermiza política de créditos externos, dirigidos a pagar los interese de la deuda pero también a activar la economía, dio a Alemana el respiro que necesitaba para pararse en sus propios pies.</span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Sin embargo, a Alemania y al mundo en general les esperaba el "crac" de la Bolsa de Nueva York, abriendo el paso al nazismo, en palabras de Lacolla, pero a la final ese período intermedio entre catástrofes, fue absolutamente fecundo para el cine en su crecimiento e innovación.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El periodo de Weimar y el cine</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cabe resaltar en este punto lo que autor quiere expresar con la República de Weimar, no sólo su relación y estadía de Johann Wofgang von Goethe, sino lo que ésta significó para el siglo XX, tanto para el arte como para la Guerra, algo así, como lo que expresa Lacolla del Sturm und Drang (tempestad e impulso) que tanto para lo bueno como para lo malo estuvieron presentes, en el pensamiento del creador como del destructor, en relación al romanticismo y el nacionalismo. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
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<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cito específicamente lo que escribe Lacolla: "Los primeros atisbos del expresionismo cinematográfico se dieron en El Golem, de egener, el 1915, y luego en Homunculus, del mismo autor, rodada al siguiente año, historias que giran en torno de seres artificiales, robots de ingenio humano, que se rebelan contra su condición de muñecos y acaban tomándose ferecoes desquites de quienes los han condenado a la situación de parias funcionales a las necesidades del hombre. (Lacolla, pág. 64)</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Como bien sabemos Caligari es la película más conocida y representativa del expresionismo, el autor lo que asume con esta escritura, no sólo es la presentación de la obra, sino que nos identifica las relaciones sociopolíticas de ésta, desde la influencia de sus "creadores", Janowitz y Carl Mayer, que además de estar cansados de la guerra y la autoridad alemana, sentían una repulsión por todo lo que había representado ese sentir de orden y jerarquías, Lacolla utiliza la figura de George Grosz para definir tal sentimiento, e igualmente escribe lo siguiente: " Janowitz y Mayer a bordaron su crítica a ese universo germánico de una manera no menos radical, pero a través de premisas no tan realistas, a partir de una obra de factura exquisitamente vanguardista en la que se insertaba una historia de horror con propósitos abiertamente revolucionarios" (pág. 65)</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Concluye Lacolla: "Tal como quedó, de cualquier manera, el filme confirma la atención que los factores de poder daban al cine y la expansión de una censura y autocensura que lo acompañaría desde entonces. (ibidem)</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cabe resaltar lo que apunta el autor: " Las formas atormentadas del arte expresionista veían incrementada su atracción o su efecto por el manejo deliberadamente elaborado dela iluminación, que introducía una nueva forma de ver las cosas, rodeandolas de una "Stimmung", de una "atmósfera con alma", como la denominó Lotte Eisner"(Lacolla, pág. 67), huella de identidad de este cine de estudios, ajeno a lo natural, y que, como anota Lacolla, tiene una predilección por lo pesadillesco pero con cierto matiz de videncia a a renuncia y derrota política, que se reveló con la subida de Hitler al poder en el 33.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Hitos</b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En este punto podemos encontrar una interesante diferencia, en la cual se nos dice que:" Los realizadores expresionistas alemanes constituyeron la primera vanguardia cinematográfica, sí bien no cabe ignorar el experimentalismo del cine francés que, casi contemporáneamente al expresionismo, lanzó para competir con él su llamada escuela impresionista, cuyo rasgo preponderante era el deseo de usar el cine como lenguaje artístico autónomo, integrando elementos provenientes del cine alemán y del cine norteamericano con la refinada percepción de la realidad de una cultura que conservaba sus raíces en lo literario. (Lacolla,pág. 67)</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Dentro de este capítulo, es decir el de Hitos, van a aparecer los nombres de Lang y Murnau, frente al primero, se revelan dos obras capitales como Los Nibelungos y Metropolis, así como la esa compleja relación con Thea van Harbou, su guionista, esposa y filonazi, de la dos películas se recogen sendas impresiones ligadas a un misticismo prenazi (romanticismo y como explica el autor, la amenaza de una revolución proletaria). También cabe destacar la anécdota, que el buen recibimiento de Metropolis por parte de Hitler y Goebbels, puso al señor Lang en un tren a Francia, con lo que llevaba puesto. El otro director, Murnau que conformó junto a Pabst y Lang, el triángulo de oro del cine alemán de los años 20 (Lacolla, pág. 72) </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">nuevamente el autor nos sumerge en una generalidad del cine alemán de ese momento, en el que expresa lo siguiente: </span></div>
<blockquote class="tr_bq" style="clear: both; text-align: justify;">
<i><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"la valorización de la luz como elemento poético - narrativo, la integración dela perspectiva expresionista - radical o moderada por una cierta voluntad de realismo- y la utilización de los desplazamientos de la cámara como expediente para introducir al espectador en el seno de la acción y sumergirlo en la visión subjetiva que los protagonistas tiene de ella". (Lacolla, pág. 72) </span></i></blockquote>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Un término que recoge el autor, el de la "cámara desencadenada", va a darle al cine expresionista - y en general- una evolución, entendida desde el montaje interno (interior) del cuadro, evitando tantos cortes y mayor movilidad peor con una función narrativa.</span> </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lacolla concluye con la siguiente frase: " El período de Weimar no estuvo solamente limitado al evocar los fantasmas del pasado o a expresar una sumisión fatalista a los dictados del destino, sino también y sobre todo fue representativo de una época tensada entre la revolución y la reacción" (Lacolla, pág. 73)</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>La nueva objetividad</b></span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b><br /></b></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Como en el arte y el diseño, la practicidad se va a tomar a la Alemania de ese momento, van a surgir otras expresiones y representaciones, marcadas por la luz, la simplicidad o nuevos discursos realistas, esto se va a reflejar en el cine, que como escribe Lacolla, se va a influenciar por el teatro de cámara o Kammerspiel (film), o entendido como un realismo expresionista, que también se vió en la pintura, muchos de estos directores fueron los que estuvieron en el expresionismo, peor en este caso ya no era la deformación visual, sino la capacidad de "comprimir una filosofía o una psicología en imágenes" (ibidem, pág.75)</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Rusia </b></span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b><br /></b></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">El capítulo ruso no se puede entender sin todas las complejidades en torno a la revolución, a las derrotas políticas y militares que vivió en los primeros años del siglo XX, así como la crisis que empezó en febrero de 1917 y que desembocó en la revolución de octubre, -huelga del pan , protestas y violencia-, y finalmente una brutal guerra civil, donde además de desaparecer a la monarquía, al abdicar el zar, la violencia y brutalidad se tomó al enorme país, que a la final no tuvo un punto fijo, sino el de la guerra y un radicalismo político, que no quería se adoptado en el resto de Europa.</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En palabras del autor, la revolución bolchevique había impuesto el terror como único expediente para asegurar su supervivencia, lo cual debía mejorarse de alguna manera, y sólo a través de la cultura o del arte, se podía dar un giro a esas circunstancias,para ta fin tal gobierno lanzó entonces la Nueva Política Económica o NEP, que también se reflejó en los jóvenes militantes.</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En el terreno cinematográfico, estos cambios y oportunidades, fueron muy bien aprovechadas porque: </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Libres de los pruritos de la cultura académica, que en otras partes del mundo trababan todavía la consideración del cine como u arte mayor, los jóvenes rusos que habían crecido con él y que además compartían una visión iconoclasta del viejo mundo, estaban en condiciones óptimas para dar al nuevo instrumento el brillo, la carga formal y espiritualmente subversiva, y la arrolladora capacidad de impacto que estaban ínsitas en sus posibilidades" (Lacolla, pág. 82)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Para entender el funcionamiento del cine ruso de ese momento, Lacolla nos dice lo siguiente: </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"El cine ruso de la época nació en medio del desorden y de las devastadoras experiencias de la guerra civil. Cuando ésta promediaba, la floreciente industria cinematográfica de la época zarista se había desvanecido. Los cineastas reconocidos hasta ese momento habían pasado a occidente huyendo del terror rojo o se habían refugiado en Crimea entre las tropas blancas.....[....] Subsiguientemente a la incautación de todo el material negativo y positivo por el gobierno en 1918 y de la nacionalización del cine en 1919, la iniciativa oficial comenzó a propulsar los agitprop o agitki, películas de propaganda de corta duración que combinaban la agitación revolucionaria con los consejos prácticos para enfrentarse a los males que devastaban a Rusia: el hambre, tifus y la guerra. Este escenario cabalgado por lo jinetes del Apocalipsis empezó a ser recorrido también por autos-cine y por trenes bautizados como "el tren de Lenin" - Estrella Roja - Revolución de Octubre", que proyectaban películas educativas por todo el territorio controlado por los bolcheviques e incluso en la inmediata retaguardia de las líneas de fuego. Se trataba de documentales o de semidocumentales, pero pronto empezaron a hacerse un lugar entre ellos las películas narrativas giradas sobre los mismos temas." (Lacolla, pág. 84) </span></blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> </span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Para recordar y hacer eco de lo que se pensaba, -por lo menos lo poetas rusos-, o mejor Vladimir Maiakovski que decía: "el cine hace envejecer a la literatura. El cine demuele la estética. El cine es un atleta"...</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Para finalizar, y después de hacer un análisis al cine de Vertov, sus contradicciones y paradojas, el autor nos dice lo siguiente: </span><br />
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<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Pero la historia se construye dialécticamente, y las paradojas son sus ironías. Se trata de aprender de ellas para asumir nuestros deberes con una disposición abierta hacia la comprensión de la realidad.Que no se organiza para arreglarse a los esquemas preconcebidos que se forman en ella, sino que es una dimensión fluida y cambiante, imposible de ordenar rígidamente y a la que sólo es posible aspirar a orientar, y aún en ellos en form relativa" (Lacolla, pág.87)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lo anterior para verificar, que sí bien el vanguardismo de Vertov o del mismo Eisenstein fue fundamental para el desarrollo del lenguaje cinematográfico, también ha sido copiado en la publicidad, no sólo para otros fines sino revirtiendo la idea original de éstos. </span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Eisenstein</b></span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Cito textualmente lo que escribe Lacolla acerca de Eisenstein:"El carácter implacable de la época y del lugar totalitario en los que vivió Eisenstein lo convierte hasta cierto punto en una figura trágica de nuestro tiempo, representativa del desgarramiento del artista en un mundo de masas guiado por conductores de masas,que poco tiene en cuenta las necesidades exquisitas del poeta. (pág. 89)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Cabe destacar este dato histórico: En el otoño de 1920, cuando la Guerra civil estaba finalizando Eisenstein fue desmovilizado, en Moscú va a estudiar japonés. Errando en una ciudad hambrienta y casi destruida, va a ser apoyado por el actor y amigo de la infancia Maxim Schtraukc, con éste se va a iniciar en el Proletkult, en un principio como pintor de decorados.</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Dentro de este punto, es inevitable definir al Proletkult, una agrupación dedicada a forjar un arte y cultura proletarios (pág. 90), pero también es importante resaltar que se hacían unos agitprop teatrales - la mayor parte con tono satírico-. En estas experiencias nace la amistad entre Eisenstein y Vselvod Meyerhold - figura más brillante del teatro de ese momento-; que se puede determinar de la siguiente manera: " Esta "revolución permanente" dramática tenía también sus puntos de contacto con el expresionismo, en la medida que pretendía que en la lucha contra lo perimido en el arte, se debía tender a lograr una forma que fuera consustancial a un periodo dado." (pág. 91). También podemos incluir en este apartado: el anular la distancia entre el público y la escena, identificando al espectador con la acción (ibidem), además del uso de filmes como parte complementaria de la obra teatral.</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lacolla explica que el montaje de atracciones, que va a ser usado por Eisenstein en su primera película, La huelga, éste vincula"esta intuición poética con los principio del materialismo dialéctico, Eisenstein tendió a ver el arte como un conflicto que se extendía tanto a su misión social como a su metodología". (pág. 92)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En el subcapítulo entorno al montaje intelectual, Lacolla nos dice lo siguiente: " Esta variante ponía en su centro un tipo de relato elaborado en base a contraposiciones sucesivas de imágenes discordantes en su contenido, pero que, en el decurso del relato que el realizador estaba elaborando, consentían la detonación, el surgimiento, de otras imágenes implícitas que se forjaban en la mente del espectador e incentivaban sus procesos asociativos (pág. 92) en esa misma idea existe relación con el teatro brechtiano, en el cual lo distante del registro dramático tenía expandía la trama; es decir, "ambas posturas eran características del romanticismo racionalista que distinguía a las variantes del pensamiento progresista y del arte de vanguardia durante el periodo de entreguerras". (ibidem)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Todas las complejidades, intrigas y misterios de la Rusia que va a poner a Stalin en el poder, y va a llevar al asesinato de Trostky, se van a empezar a reflejar en la parte cultural, es, como explica Lacolla: "El cambio del clima político en Rusia pronto habría de hacerse sentir entre los cineastas. La vigilancia se estrecharía, las posibilidades de disenso o incluso de mera originalidad en el tratamiento de las materias argumentales se irían reduciendo hasta desaparecer casi por completo y un cine dogmático, pontificiante y más bien conservador lingüísticamente, reemplazaría al cine explosivo y audazmente innovador que había ocupado el primer plano durante los años 20". (pág.97)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Hollywood y alrededores</b></span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b><br /></b></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Cito textualmente como inicia Lacolla este capítulo: "Mientras en Rusia tenían lugar los proceso revolucionarios que hemos descrito y su cine se ponían en función de ellos, en occidente, y más precisamente en Hollywood, se estaba viviendo una historia muy distinta, quizá más representativa de las coordenadas de la época moderna tal como nos toca vivirla ahora" (pág. 105)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Es importante reconocer que la industria se había configurado alrededor de algunos productores: Mayer, Goldwyn y Lasky, así como de unos sellos reconocidos (ibidem), llevando a que: "la aptitud para elaborar una narración que atrajera y colmara las expectativas de un público masivo predominó definitivamente sobre los criterios de calidad estética respecto a lo que cabía exigir de un cineasta". (ibidem)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lacolla nos presenta en este capítulo el inicio del código Hays que apareció por las siguientes cuestiones: "Escándalos como la muerte de una joven actriz en una orgía de la que participaba una de las más populares estrellas y la del director Thomas Harper Ince -junto a Griffith, el más destacado exponente de la generación de directores que forjaron el lenguaje del cine-, muerto de un tiro presuntamente accidental por el magnate de la prensa William Randolph Hearst".</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">También nos muestra el autor que después de la "brutal experiencia de la guerra del 14, el siglo 20 se estaba revelando como el siglo de la gente común, que requería esparcimientos de carácter realista, [...] sumado a ésto, los años 20 en Norteamérica, también conocido com los roaring twenties (rugientes 20), fueron testigos de un brusco cambio en las costumbres. Las mujeres se acortaron el pelo y las faldas; la producción en serie lanzó al mercado un océano de automóviles que modificaron profundamente los hábitos de vida de las clases populares y una independencia de movimientos que nunca habían conocido; las costumbres sexuales, en parte debido a este último factor, se liberalizaron enormemente." (ibidem)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Para Lacolla, sí bien el western es un género típicamente cinematográfico y estadounidense, es con el gag, donde hay mayor originalidad porque: " el gag es un chiste visual que combina sorpresa y violencia para provocar un efecto cómico." (Lacolla, pág. 108), todo esto articulado en el slapstick , un tipo de cine que no requería mayor preparación, que era corto (5 a 10 minutos) y basado en una idea general, sin dejar de lado que Mack Sennett fue el inventor del género , al que puso bajo la advocación del absurdo y la percusión incansable (ibidem); para continuar con este apartado, Sennett introdujo sistemáticamente las bathing beauties, bellas mujeres en traje de baño, que para la época eran eróticas.</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Cabe destacar dentro de lo que escribe el autor, que esa <i>generación perdida</i> de escritores: Hemingway, dos Passos y otros, más que alimentar un movimiento contestatario de proyección social, lo hicieron de individualistas, desentendidos de la política (pág. 110)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Igualmente se explica que Hollywood fue un gran derrochador, sin negar una sistematización industrial y concentración económica; tales sumas de dinero interesaron a Wall Street, las cuales se convirtieron en acciones, y a la final en regla de la producción y distribución hollywoodense; que en palabras de Lacolla, esa ""racionalización" capitalista, mostró las contrapartidas anárquicas de ésta. Se multiplicaron las batallas por el control de las salas, se atrajo el interés del gobierno y de las leyes anti-trust. y a ese debate se sumaron las prevenciones que suscitaba la marea de escándalos privados que se gestaban en el calor de la libertad de costumbres que imperaba en Hollywood." (Lacolla, pág. 110)</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Apogeo y ocaso de la estética silente</b></span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En este capítulo, cabe destacar algunas anotaciones, en torno al apogeo del cine silente, principalmente en Francia, y de cómo fueron percibidas las estructuras visuales y narrativas que se dieron allí, en el primer caso Lacolla, nos dice lo siguiente: "La vanguardia francesa deberá más al dadaísmo y al surrealismo que al expresionismo; y por cierto la calificación que genéricamente se le dio por esos años, la de impresionista, no se acomoda más que a algunos de sus filmes y realizadores". (pág. 113)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En este punto se puede destacar lo que el autor analiza de Abel Gance, uno de los más representativos directores de la época, porque "la agudeza de Gance para percibir las variables técnicas del cine le hizo asimismo prever la por otra parte inminente irrupción del cine sonoro. Caso único entre los directores del cine mudo, obligó a sus actores a estudiar y reproducir sus parlamentos ante la cámara, haciendo coincidir exactamente sus palabras con las del argumento escrito: eso permitió años más tarde, lanzar una versión sonora de ese mismo sin que se produjeran desincronizaciones ostensibles entre el diálogo y el movimiento de los labios de los actores." (pág. 114)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lacolla hace un concienzudo análisis de esos primeros años de Holywood, en el que la migración europea le va a aportar bastante a éste:</span><br /><br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Por esos mismos años, la que empezaba a llamarse Meca del cine recibió el aporte de numeroso directores y actores extranjeros que emigraron de Europa en busca de mejores salarios. El cine norteamericano poseía su propia dinámica y había generado decisivos aportes al cine, pero los grandes productores hollywoodenses percibían la originalidad de las contribuciones europeas y, un poco al estilo de los nuevos ricos que habían lanzado el film d´art en los comienzos del cine, buscaron ennoblecer sus títulos y asegurar sus arcas atrayendo a Hollywood a figuras que estaban dejando su marca en el viejo mundo y cuyas películas y actuaciones tenían buena aceptación en Estados Unidos" (Lacolla, pág. 114)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lacolla, toma en este capítulo dos casos paradójicos, el de los cineastas/artistas/autores Erich Von Stroheim y Carl Theodore Dreyer, el primero, más cercano a cineasta maldito y Dreyer, como la cumbre del cine silente, y la necesidad de ponerlo a "hablar", en este punto cito textualmente dos frases que resumen a la perfección el trabajo de éstos:</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Von Stroheim tuvo una carrera relativamente poco extensa como director, debido a la forma en que los estudios le quitaron espacio, pero su desempeño actoral fue largo.Especializado en los roles de villano,estableció un patrón del oficial germano durante la primera guerra mundial, al que proseguiría sirviendo durante la segunda y durante el periodo intermedio entre ambas. El estereotipo del oficial hierático, con monóculo y talones automaticos debió más tal vez a la estilzada creación de Stroheim que a la realidad, aunque de cualquier manera habitó las fantasías de varias generaciones que estigmatizaron al tipo". (pág. 115)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En este caso el autor se concentra en la película Juan de Arco de Dreyer de la cual saco la siguiente premisa: "Mediando los 20´s, el cine mudo estaba cubriendo el último tramo de su recorrido. Había alcanzado u arte acabado, basado esencialmente en el cuadro que jugaba con los diferente ángulos de cámara, con los claroscuros, con las aceleraciones o los "ralentis" de la imagen; con las sobreimpresiones y con las diversas maneras de cerrar o abrir una escena: cortes directos, iris o fundidos y fundidos encadenados. El montaje había llegado a un grado de refinamiento excepcional y todo el lenguaje del cine estaba siendo objeto de una teorización sistemática" (pág. 116)</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Más que enfatizar en la película Lacolla sintetiza y concluye con lo siguiente: " El cine, pues, sentía la necesidad de encontrar una voz. Pero en el trámite habría de pasar por un período de adaptación y cambio que por un instante pareció echar por la borda todo lo adquirido, devolviéndolo al rol de un sirviente pasivo del teatro". (ibidem)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>
La crisis de un lenguaje y de un entorno social</b></span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">De este capítulo podríamos tomar textualmente gran parte de lo que escribe Lacolla, sin embargo, con los primeros párrafos se establece cuál es el punto a tratar y los referentes principales de esta época, es decir:</span><br /><br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Los intentos para hacer hablar al cine acompañaban a éste desde sus orígenes. Los ensayos más ingenuos habían consistido en poner a un actor que prestaba su voz a las figuras que pasaban por la pantalla, pero desde luego se había intentado también sincronizarlas imágenes con discos o rodillos gramofónicos. A mediados de los años 20´s, los problemas de amplificación estaban resueltos, se conocía la posibilidad de fotografiar las oscilaciones sonoras sobre la película, los avances de la radio masificaban la comunicación oral y era la pereza de abandonar un negocio conocido para echarse a nadar en aguas agitadas lo que retenía a los grandes estudios de Hollywood de explorar los nuevos sistemas. Las grandes compañías eléctricas, filiales de las bancas Morgan y Rockefeller, percibían desde luego el filón que se abría, pero sus propuestas había sido rechazadas por los empresarios de Hollywood, que tendían a apoltronarse en los dólares que acumulaban." (Lacolla, pág.121)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Después que la Warner en su crisis económica, le diera al sonido la relevancia y funcionamiento que necesitaba, y que las demás compañías, hicieran lo mismo, comprando y alistando salas que se acomodaron al sonido, pasó lo que tenía que pasar, y "los grandes productores, es decir los tycoons y los moguls dejaron de ser realmente los dueños de sus propias firmas para convertirse en los gerentes, fabulosamente bien pagados por la renta del capital accionario, de una rama industrial hegemonizada por la gran finanza." (ibid) </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Una de las primera conclusiones que deja este capítulo es la siguiente: </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Los teóricos y realizadores más importantes de ese momento protestaron por la irrupción de este facilismo. Rudolf Arnheim, Chaplin, Eisenstein, Clair, sentían la licuación expresiva del instrumento que habían ayudado a forjar. Estaban conscientes al mismo tiempo, sin embargo, de que el sonido había llegado para quedarse, que ofrecía asimismo un ámbito para hacer jugar la invención cinematográfica y que con él el cine mudo encontraba, paradójicamente, la dimensión que le faltaba: la posibilidad de de hace oír el silencio y usarlo como elemento dramático. La concordancia armoniosa de las voces contrapuestas, el contraste del ruido con la carencia de él, se hacían por fin posibles. El contrapunto le había sido dado al filme. (Lacolla, pág.123)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Del capítulo De bailarines y pistoleros tomo dos anotaciones del autor, de forma textual:</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Todo el mundo se puso a cantar y a bailar, a veces sin demasiado éxito, pero en este trabajo rápidamente Hollywood refinó su discurso, en especial gracias ala labor de un coreógrafo de imaginación desbordante, Busby Berkeley, un individuo capaz de mover masas de bailarines y sobre todo bailarinas; de encuadrarlos desde los ángulos más diversos y sobre los fondos más rebuscados, y de editar toda esa muchedumbre como floraciones de carne viviente. [...] Fue él, más que Fred Astaire y Ginger Rogers, quien dio sus cuarteles de nobleza al género, permaneciendo como una figura inalcanzable hasta la aparición de Gene Kelly, Stanley Donen y Bob Fosse muchos años después" (Ibid)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Y concluye con la siguiente intervención, que además puede resumir el contexto:</span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Abocados a la realización de películas de género, había sin embargo en Hollywood directores de fuste, capaces de servir con inteligencia a sus productos, y que a veces los hacían trascender de la categoría de piéce bien faite para remitirlos a una categoría superior. Fue así que el mencionado Howard Hawks, pero también Lewis Milestone, John Ford y King Vidor, quienes habían hecho ya filmes memorables y se aprestaban a hacer otros, darían a Hollywood la oportunidad de reflejar una crisis que estaba por abatirse sobre el país y el mundo. La meca del cine, que curiosamente o no tan curiosamente, se mantendría a salvo de esta tormenta, encontraría en ella una ocasión para descubrir el sentido urgente de la realidad social que hasta entonces le había faltado" (Lacolla, pág.124)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Cabe resaltar del capítulo la Caída de Wall Street lo siguiente, que está obviamente ligado al octubre de 1929, y el fin de la prosperidad económica estadounidense, marcada por, en palabras de Lacolla: la locomotora de la fabricación de automóviles y el nuevo mundo de las comunicaciones por radio (pág. 124)</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Es importante resaltar en este punto la llegada al poder de Rooselvelt, el new deal y las ideas George Maynard Keynes del welfare state, el mejoramiento de a economía estadunidense, aplacando de cierta forma las ideas del comunismo, pero que de todas maneras, con el mejoramiento, el capitalismo salvaje se siguió extendiendo. </span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Los años 30 y la irrupción totalitaria</b></span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">El capítulo inicia con una evidencia histórica del siglo XX, la cual refleja lo siguiente:</span><br /><br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Los años 30 y 40 del siglo 20 supusieron un punto de inflexión en la batalla que se estaba librando para definir los modelos políticos y sociales a través de los cuales habría de discurrir la arrolladora revolución cultural que vivía el mundo. Esta se aceleraba a medida que las tecnologías cambiaban las condiciones de vida y promovían choques y fases de transición de un periodo de adaptación a otro, casi sin solución de continuidad y en una progresión que sigue en nuestros días con más violencia que nunca." (Lacolla, pág.129)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Consecuencias de la crisis en Europa y el mundo</b></span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Cito textualmente lo que escribe el autor en este punto, porque nos describe perfectamente la situación de la época:</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La perspectiva de una nueva hiperinflación avivó los fantasmas que habitaban en la clase media y en los pequeños ahorristas que habían sido arruinados por la inflación inmediatamente posterior a la guerra, haciéndolos sensibles al reclamo del partido del orden, el nazismo , que clamaba contra contra el Tratado de Versalles y arremetía contra el comunismo. Los comunistas, a su vez sometidos a una rígida obediencia a Moscú, se plegaban a la fase izquierdista por la que pasaba en ese momento el proceso revolucionario ruso como consecuencia de sus propias disputas internas y, mecánicamente, rechazaban la asociación con el partido socialdemócrata, única pared que hubiera podido detener la marcha de Hitler hacia el poder.....(Lacolla, pág. 130) </span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Totalitarismos</b></span><br />
<br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Se define en el inicio de este subcapítulo:</span><br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Los años 30 son los que cobra forma uno de los fenómenos más importantes y agobiantes de nuestro tiempo: la sociedad totalitaria. Según su definición convencional, el totalitarismo implica un régimen que ejerce una fuerte intervención en todos los órdenes de la vida nacional, que invade el ámbito de la vida privada con un espionaje difuso y que concentra todo el poder político en un sólo partido o movimiento. </span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lo que queda en claro es que: <i>Los tiempos de Hitler y Stalin vieron los primeros experimentos de regulación de la opinión a través de los medios de comunicación de masas. La radio y el cine uniformaron el pensamiento político en Alemania y Rusia, y su discurso monocorde pero continuo, aplastante o sofocante, hasta cierto punto embotó la conciencia popular respecto de la realidad de las cosas. (pág.133)</i></span><br />
<br />
<br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Los años 30 y el cine: Rusia</b></span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En este capítulo además de centrarse en la figura de Serguei Eisesntein, y sus pericias no sólo con la censura rusa, también muestras las complejidades que éste sufrió en los Estados Unidos, el desconocimiento de la cultura capitalista; como se explica en la página 139: </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Eisenstein rodó casi 600.000 metros de película, se excedió largamente del presupuesto fijado y, lo peor de todo, cometió el error de ofender a su patrocinador y su familia al desplegar un tipo de comportamiento que para Sinclair y su cuñado,quien era el encargado de vigilar la marcha del rodaje por cuenta de los socios capitalistas, resultaba. altamente ofensivo, bohemio, promiscuo para con los mejicanos, "degenerado" y dilapidador de los recursos que habían sido puestos a disposición de la troupe." (Lacolla)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Es importante resaltar cuando se habla de los comisarios artísticos, que eran los que vigilaban el trabajo de los artistas, que en el caso de Eisesntein, fue más complejo porque: Tuvo un mecenas de hierro, el Estado; una inspiración trascendente, la Revolución; una sensibilidad personal desgarrada por una infancia infeliz ; un interés desbordante por los problemas de la expresión artística y una necesidad de dar forma a sus inquietudes que tropezó con obstáculos tanto interiores (su voracidad intelectual desordenada) como exteriores (las coerciones ideológicas y la variabilidad de una situación política a la que no podía ajustarse). </span><br />
<br />
<b>Los años 30 y el cine: Alemania e Italia</b><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En este capítulo, se van a dejar en claro cómo se afectó la cultura de los regímenes fascistas, principalmente en Alemania donde: Las raíces de este irracional comportamiento son complejas. El provincialismo de parte del público alemán y que Hitler compartía fue una de ellas, desde luego; pero, al menos en el rechazo al arte de vanguardia, había una tendencia muy viva y popular que propendía a una mixtura de clasicismo y romanticismo, situando la estética de lo bello como el paradigma inviolable de la cultura. (Lacolla, pág. 147) </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Muchas de las ideas o de los postulados del pensamiento alemán, para e autor se van a transformar o derivar en : </span></span><br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Fueron los alemanes justamente los que bautizaron ese deslizamiento como "kitsch". Pero subsistió el hecho de que los parámetros del arte tradicional, esto es del clasicismo y del arte revolucionario, es decir del romanticismo, legibles por todos quienes poseían una formación media, regirían como verdades absolutas en la Alemania posterior al 31 de enero de 1933, una vez que el país fue expurgado de las vanguardias" (Lacolla, pág. 148) </span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lacolla hace un interesante análisis sobre la obra de Riefensthal, no sólo por lo que cinematograficamente, significa sino por el sentido que esas obras, le estableció al lenguaje cinematográfico, como analiza el autor: "....los filmes de Leni Riefenstahl se aproximan curiosamente a los del soviético Dziga Vertov. Ambos logran traducir mucho de la realidad que los rodea a través de una inserción mágica o pánica en el mundo, aunque desde luego su criterio preestablecido a favor de lo que examinan les impida someter su material a una revisión que implique un análisis crítico de éste." (pág. 150)</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">El autor reconoce que el nazismo, por lo menos a nivel artístico dejó dos piezas fundamentales del cine, porque, además los retos técnicos que supusieron, lo que hizo esta directora fue además de sincronizar exactamente los movimientos de masa con la músicas y los cantos marciales, y todo esto en una época en que no existía la toma de sonido en directo y, en el caso de la película de 1934, cuando todavía las cámaras se accionaban a manivela. (pág. 151)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lo que sí se deja en evidencia en este capítulo es que la experiencia italiana, por lo menos bajo el fascismo, es nutrida, como lo explica el autor:</span><br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"De cualquier manera, esta concentración de poder estuvo muy lejos del carácter implacable que tuvieron las experiencias en la Unión Soviética y la Alemania Nazi; la violencia sanguinaria ejercida contra los adversarios políticos fue escasa y tuvo un carácter episódico o accidental antes que sistemático, Sólo durante la última etapa de la segunda guerra mundial, con Italia derrotada, invadida y desgarrada por la guerra civil, el país conoció, durante algunos meses, la espiral del terrorismo, las represalias las contra represalias. practicadas indiscriminadamente tanto por el fascismo como por el antifascismo". (Lacolla, pág. 152)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">La visión italiana era más bien "positiva" , que el palabras de Lacolla excluía el el enfoque crítico de lo que podía estar mal; y más importante aún, "la penetración de otras cinematografías era libre salvo en el caso de la producción soviética (pág. 52), y aún así, en círculos educativos y culturales (creadas por el régimen), se vieron varios titulos.</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Vale apuntar esta cita de Lacolla en la que estima lo cinematográfico con lo económico político:</span><br /><br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"Nada hay de extraño entonces que Musollini apuntase a fomentar el renacimiento del cine italiano a través de un expediente bien conocido en los países democráticos y que consiste en ayudar a la economía privada , favoreciendo sus beneficios a través de la reducción o anulación delos impuesto, y asumiendo los pasivo en el caso de que el filme fracase comercialmente". (Lacolla, pág. 152)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Dato histórico: </b>Tirrenia, una ciudad del cine capaz de ofrecer el ciclo completo de la producción cinematografica y...... </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b><br /></b></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Febrero de 1934: </b>"Se dicta una ley sobre la constitución y función de" ......es el inicio de El Centro Sperimentale Cinematográfico y Cinecitta, instrumentos de la ambiciosa empresa que el régimen pone en marcha; un aparataje técnico cercano al de Hollywood y al igual que sus dimensiones. Lo que explica el autor: " (ésta) ocupaba 16.000 metros cuadrados con 10 sets...., más diversos pabellones dedicados a las tareas de laboratorio y servicios." </span><br />
<br />
<br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Sin embargo, como explica Lacolla, además del funcionamiento de este gran aparataje, lo que le dio gran importancia a estos espacios: </span><br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"fue el fomento de la enseñanza y el debate sobre el cine que tuvieron lugar a través de los GUF (grupos universitarios fascistas); de la práctica sistemática de la crítica especializada que brindaba la revista Cinema (dirigida por Vittorio Mussolini, hijo del Duce y protector de una camada de analistas, de entre los cuales surgirían algunos de los más importantes realizadores antifascistas del neorrealismo); y de la creación en 1937 del Centro Sperimentale Cinematográfico, inspirado en el modelo del Instituto Cinematográfico de Moscú, fundado en 1919, y animado por el talento y la finura intelectual de Luigi Chiarini, uno de los teóricos más importantes del cine, cuyos certificados de militancia y adhesión al régimen le permitieron hacerse acompañar por su amigo Umberto Barbaro, ex anarquista y comunista confeso. Se creó así un ámbito de enseñanza y debate que, como dice Brunetta, "fue un lugar de libre circulación de las ideas, no importa si éstas fueran descentradas o centrífugas respecto de las expectativas de los vértices fascistas". (Lacolla, pág.153) </span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"> </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Dato histórico: Revista Bianco y Nero, análisis de cine.</b></span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Como concluye Lacolla, además de los subgéneros que surgen:Peplum, Comedia de los"Teléfonos Blancos", Caligrafismo y más; las relaciones entre fascismo y cine, fueron ambivalente, ricos y de cierta manera más libre y fresca, que se vi reflejada en sus obras y lo que posteriormente se reconocería en el neorrealismo. </span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>Los años 30 y el cine: Francia y E.E.U.U</b></span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b><br /></b></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">En este escenario preocupante vino a impactar una serie de conflictos en cierto modo periféricos, pero que fueron decisivos para alterarlos ya frágiles instrumentos de legalidad internacional, como la sociedad de la Naciones . Ya muy debilitada en el momento de su nacimiento por la retirada de los Estados Unidos , a principios y mediados de la década la Sociedad recibió el impacto de dos golpes frente a los que se manifestó impotente y que la descalabraron definitivamente.[...] El segundo fue en 1935, la invasión italiana a Etiopía, que en siete meses liquidaría a un estado soberano miembro de la sociedad de la naciones, provocando un escándalo internacional como el cual el imperialismo británico hostigó al neoimperialismo fascista sin conseguir otro resultado que alinearse a Mussolini, hasta entonces muy definido es su rol de participe de una alianza antialemana, llevándolo a decantarse del lado del otro poder europeo que exigía la revisión del statu quo. </span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Los nombres que ilustran el movimiento son muchos y no están vinculados por un credo estético específico, como fuera el caso de los expresionistas, de los doctrinarios del cine ruso o, años más tarde , de los cineastas neorrealistas.más bien se trató de coincidencia aparentemente espontánea y a veces provisoria - por ejemplo en el caso de Jean Renoir- en el gusto por los climas impregnados de melancolía y, muy frecuentemente, aunque no siempre, con personajes tomados de las capas más bajas y marginales del espectro social: desertores, legionarios, prostitutas,macrós,asesinos o, en el caso de tratarse de seres humanos comunes y corrientes, obreros condenados por un amor fatal o empleados arrastrados al delito por el imperio de alguna pasión insana.</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b>La segunda guerra mundial</b></span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b><br /></b></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><b><br /></b></span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Lacolla, asume que la Segunda Guerra mundial, fue la culminación catastrófica de la guerra del ´14, pero marcada por algo que denomina "cinismo tecnocrático" (pág. 175)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Algunos datos históricos-sociales que establece Lacolla: Hitler pensaba entrar en guerra en el 44-45, y de cierta forma hacer coalición con Francia e Inglaterra, establecer su poder en Europa y expandirse a Oriente, con cierta ayuda o correspondencia japonesa, pero todo eso falló, y en el 39 inicia lo que ya conocemos.</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Hay que tener en cuenta que ni la entrada de Japón a la Guerra, ni de Estados Unidos fue casual, a pesar de su idea pacifista, los estadounidenses vieron cierto potencial en la guerra y más con el ataque a Inglaterra; de cierta forma lo de Pearl Harbour, fue un acto de propaganda estadounidense. Y esto se pudo comprobar con las bombas en Hiroshima y Nagasaki, prueba de que a ciencia y la moral, no siempre van de la mano.</span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">Frente al cine, el autor propone que además de la evidencia de lo propagandístico, el racismo tanto alemán como estadounidense, llenaron la pantalla; pero también recalca Lacolla, que la industria del cine se centró más en las batallas que se dieron en oriente que en el mismo flanco europeo. A lo que concluye o explica el escritor argentino: "Los filmes de guerra de Hollywood se subdivideron grosso modo en tres subgéneros: el filme documental propiamente dicho, el cine de ficción bélica y las películas dedicadas a mostrar el frente doméstico; es decir, los problemas y ansiedades de quienes habían quedado en casa y debían sobrellevar otro tipo de tensiones que las que soportaba el combatiente......[...] En todas estas películas la entereza de los combatientes y de la mayoría silenciosa queda fuera de duda, así como lo irreprochable de su actitud moral frente a los problemas. (pág. 183)</span><br />
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<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">El autor después de establecer las complejidades científicas, morales y legales de la guerra, no sólo nos dice, que el positivismo comtiano recibió una dosis de su propia medicina, sino que con los campos de concentración y las bombas nucleares, el hombre firmó su carta de suicidio, pero con la legalidad y el poder de su lado, y de forma lapidaria escribe lo siguiente: </span><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span>
<br />
</span><blockquote class="tr_bq">
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La irrupción de esta problemática en cierto modo finalista en el escenario contemporáneo no provocó, como después de la guerra del 14, una sublevación de los espíritus, contra el estado de cosas; sublevación que podía tomar las vestes del revolucionarismo militante o de ruptura teórica de las formas de la cultura establecida a través de la fractura propuesta por las vanguardias. Por el contrario, al último disparo de la segunda mundial siguió el silencio. Cuando a fines de los años 50, superadas la inmediata posguerra y sus primeras esperanzas, en el cine se abrieron paso los primeros testimonios profundos sobre el estado de ánimo moderno, el planteo no fue vanguardista ni detonante, sino más bien el de una constatación horrorizada del exceso, combinada con la desolación ante el vacío que resultaba de ese mismo exceso. (pág. 185)</span></blockquote>
<span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /><b>
Neorrealismo y serie negra</b><br />
<span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif"><br /></span><span face=""helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif">El capítulo nos recuerda que la Italia fascista , bajo el mando de Musollini, fue una serie de malas decisiones y acontecimiento bélicos erráticos, que difícilmente un país como Italia habría soportado sin la ayuda de la Alemania Nazi, como anota Lacolla:</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></div><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">"El país no estaba preparado ni material ni psicológicamente para librar esa batalla y el rosario de desastres que llovieron sobre las fuerzas armadas italiano en los Balcanes, el Mediterráneo, África y Rusia, sumado a la invasión de Sicilia, preludio al desembarco aliado en la península, llevaron a la caída del régimen en julio de 1943, tras gobernar veinte años con un agradable grado de consenso" (pág. 187)</span></div></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Todo lo anterior entra en paradoja con lo que va a ser el cine de ese momento, porque tanto los estudios de Cinecitta y obviamente sin insumos materiales, destruidos por los factores bélicos, van a dejar en claro lo siguiente, que:</span></p><p></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> "los cineastas salieron a la calle con medios de fortuna y en poco tiempo generaron uno de los fenómenos fílmicos más frescos, irradiantes, genuinos y estimulantes que haya producido el cine: el neorrealismo" (pág. 188)</span></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El Neorrealismo como el mismo régimen fascista es tan paradójico como contradictorio en varias ideas, esto lo podemos comprobar con una película como <i>Ossesione</i> de Luccino Visconti, considerada la semilla del neorrealismo, y una obra repudiada por Vittorio Mussolini, hijo del <i>Duce </i>y quien manejaba los hilos de la cinematografía de su país, aún así, la película, con escándalo y algunos recortes, circuló, de cierta forma, libremente. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cabe recordar en este mismo punto una obra como Los niños nos miran (1943) primera colaboración entre Vittorio de Sica y Cesare Zavattini, gestor del neorralismo.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Continuando con las ambigüedades y paradojas, nos podemos centrar en la que se considera manifiesto del neorrealismo y su obra inicial,<i> Roma, Ciudad abierta</i> dirigida por Roberto Rosellini, figura emblemática del neorrealismo, como anota Lacolla, pero quien se formó en el cine con dos documentales propagandísticos del fascismo: <i>Luciano Serra pilota y Uomini sul fondo. </i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Frente a la pregunta si el neorrealismo era una vanguardia, Lacolla lo responde de una manera bastante lograda: la tesitura del cine neorrealista era lo menos políticamente doctrinario que pueda imaginarse, Su substrato era un humanismo genérico, y su manera de expresarlo un estilo intimista, inmediato, casi documental, directo y ascético. (pág. 190) Complementando, al autor nos dice lo siguiente: Sin quererlo expresamente, el neorrealismo exterioriza una compasión de filiación inequívocamente cristiana en la inmensa mayoría de sus películas. (pág. 192)</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">De la misma página podemos sacar esta idea que particularmente es la que mejor define o se apropia de este movimiento: </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El movimiento neorrealista se propuso como un cine austero. Lo que no quiere decir lo mismo que un cine pobre. La austeridad surgía tanto de las condiciones en qué había que trabajar como de un propósito voluntario de mostrar las cosas como son; de un despojamiento de toda retórica para alcanzar una forma de significar que fuera directa y enérgica, capaz de estar a la altura del drama que se pretendía mostrar y al que hubiera sido obsceno representar con las fórmulas y los recursos de un arte exquisito". (pág. 192)</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Otra de las películas fundamentales para el neorrealismo es el Ladrón de bicicletas, que como cita Lacolla de Zavatinni, nos dice lo siguiente: </span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cómo deberán ser nuestros filmes? No serán ni alegres ni tristes. Haremos películas con cualquier desenlace.....Mientras esperamos la edad de oro nosotros los cineastas buscaremos un mínimo común denominador y podremos encontrarlo en el coraje de aceptar lo que somos y no lo que querríamos ser." (pág. 194)</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Como todo movimiento, la decadencia o los cambios en la sociedad, le dan un cierre al mismo, en el neorrealismo, además del milagro económico europeo y otros factores, éste se vio afectado, por algo que Blasetti definió como "maggiorate", es decir la mujer esplendorosa, sensual y bastante natural, que se podría resumir en Gina Lolobrigida o Sofia Loren, y en contraposición de la diva italiana.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>3. Los años de Plenitud </b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>La evolución social de posguerra</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">se puede decir, sin embargo, que a pesar de la constitución de un mundo bipolar, el verdadero ganador del segundo conflicto mundial fue estados unidos. la unión tuvo escasas bajas - un poco más de 300.000 muertos, contra los casi 20 millones de persona que perecieron en la URSS- resolvió el problema del paro y de las secuelas de la Depresión gracias al pleno empleo de la economía de guerra; multiplicó su poderío industrial y militar a una escala inimaginable poco tiempo atrás y se erigió en el alrededor número del mundo, gracias a los créditos, ayudas y aportes de diverso genero con que proveyó a sus aliados, primero, y luego a los mismos países que había vencido y a los que estimó conveniente rescatar de su miseria como expediente para cerrar el paso al comunismo. (pág. 208)</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">la creación del estado de Israel en el corazón del medio oriente dio lugar a una guerra amarga entre árabes y judíos, y si bien compensó así en parte, la injusta y horrible persecución que había padecido la población hebrea europea a manos de los nazis durante el holocausto, lo hizo al precio de generar un problema mayor y doblemente insoluble como consecuencia de la funcionalidad que a partir de ahí revistió el estado judío como punta de lanza del imperialismo contra la revolución árabe. (pág. 209)</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>La edad de la sospecha</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">en este capítulo el autor se centra en la idea del cine como la nueva novela, su capacidad para acercarse a la gente y a sus mismas dinámicas</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">en este punto cabe destacar su acercamiento al cine italiano, en el cual:</span></p><p></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">la decadencia es el tema del gran cine italiano de comienzos de la década de los 60´s. En Visconti el asunto se articuló en un estilo que, se aplicase tanto a la descripción de épocas pasadas como el presente, se cargaba de resonancias operísticas y en cualquier caso trágicas (pág. 219)</span></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Lacolla, denomina a esta época una generación novelesca, cambio en el pensamiento, en la forma del cine y en su temática, alejándose del neorrealismo, donde empiezan a resonar los Antonioni, Fellini, el mismo Visconti y otros más que se adaptaron a este cine que también se cuestionaba su tiempo y sociedad.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666;"><span style="font-family: helvetica;">También se va a agregar la figura de Ingmar Bergman en este capítulo, que conectaba de cierta forma con algunos autores italianos, pero éste tenía sus propios caminos es decir: </span><span style="font-family: helvetica;">En Bergman, como generalmente sucede en la realidad</span><span style="font-family: helvetica;">, el dolor se entreteje en el universo de los afectos filiales y de las historias familiares en una trama</span><span style="font-family: helvetica;"> inextricable (pág.. 221) para eso también se explica que el Kammerspielfilm , saca lo mejor de su cine intimista en su espacios reducidos, propios del teatro, que fue la otra gran pasión y talento del cineasta sueco.</span></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>La nueva ola</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">el autor vislumbra esa idea de lo que va a ser el cine en plena posguerra, es decir un cine que se dividía ya no sólo en estilos o formas, si no eso que: se empezó a llamar como el tercer mundo (para distinguirlo del primero, capitalista; y del segundo, comunista) (pág. 227) idea que se fue trasladando a lo cinematográfico. Teniendo en cuenta que hasta los años 50, varios países eran colonia europeas, o como escribe Lacolla, oprimidos de la tierra, y que se empezaban a hacer un papel dentro del mundo, ya no sólo a nivel socio político, sino cinematográficamente hablando</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">como dato histórico Lacolla escribe lo siguiente: </span></p><p style="text-align: justify;"></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Por otra parte, el frente interno en los mismos Estados Unidos se quebró como consecuencia de la lucha. Un público norteaméricano acostumbrado a acunarse en la ilusión de la justicia que asistía a todas las causas que defendía su país, se vio conmovido por la visión de la guerra en directo que ofreció la televisión. Allí se mostraba a los muertos y heridos propios y ajenos, y también la brutalización a qué se sometía a los insurgentes y civiles. Se asistió en ese momento al primer ejemplo del poder de convicción masivo e instantáneo de la imagen cuando se la lanza al aire sin procesar, desde el lugar que se verifica un hecho. Conviene apuntar que esa fue hasta ahora la única vez en que se permitió atestiguar libremente a a la televisión desde el frente de batalla. (pág. 230)</span></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El autor nos habla de una generación que se quiere despegar de sus padres, de su cultura y formas, principalmente en los Estados Unidos, en cierta forma como otro mercadeo, y en Europa como un nuevo proceso cultural, que se puede ver reflejado en la Nueva Ola. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La nueva ola, nouvelle vague en francés, nació casi como un fenómeno literario, des delas oficinas de la revista especializada Les Cahiers du Cinema. Sus redactores participaban de criterio muy exigentes respecto del cine. Despreciaban sus facetas desvergonzadamente comerciales y apoyaban un cine de autor en el cual la cámara debía tener las funciones de la estilográfico de un escritor. (pág. 233)</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">en cierta forma, resume el autor que la Nouvelle Vague:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">De cualquier manera, la irrupción de la nueva ola en la realización significó una bocanada de aire fresco no sólo para el cine francés. Películas rodadas en escenarios naturales, con actores a veces improvisados , sin decorados, que trataban de temas a veces desagradables vistos desde una óptica joven y muy preocupados por la continuidad y la originalidad narrativa, aparecieron en alud. Aunque bastante pronto estos jóvenes realizadores revelarían sus límites - curiosamente próximos a los del cine de papá por su proximidad a la literatura-, algunas de sus obras describieron universos representativos de la sensibilidad de los nuevos tiempos, sensibilidad degagé respecto del compromiso político o, en todo caso, cuando ese compromiso existía, experimentado a través de un testimonio individualista y poético, antes que desde un enfoque ideológico o menos, que menos, doctrinario. (pág. 234)</span></blockquote><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Como concluye el autor, fue un cine joven, con una visión joven y acorde a su contexto, tanto por la posguerra, como por fenómenos, como mayo del 68 y demás respuestas de rebeldía y contracultura, que sin embargo en palabras de Lacolla, la juventud no es un sujeto histórico, es una etapa, en la que si bien se pueden construir las bases de ciertos pensamientos e ideas, y traducidas en radicalismos de funcionamiento, pasan, y se convierten en otras estructuras con el pasar de los años. </span></p><p style="text-align: justify;"><b><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">al este del paraíso</span></b></p><p style="text-align: justify;"><b><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></b></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El autor inicia con una idea bastante representativa de lo que fue ese cine del eje comunista, marcada por el "deshielo" y una generación tan inconforme y rebelde como la que fue retratada por diversos cineastas, que criticaron tanto al capitalismo como al comunismo, no sólo a nivel político sino en su propia decadencia como sociedad.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">....en el vasto mundo de las naciones satélites de Rusia que se agrupaban detrás de la cortina de hierro, los sucesos del `68 vinieron a dar alas a una disconformidad que se incubaba desde mucho tiempo atrás. Aunque esa disconformidad en esa ocasión provocó un sólo un sólo episodio importante (la llamada Primavera de Praga y su poco cruenta supresión por las tropas del pacto de Varsovia), el amplio eco que los acontecimientos de occidente tuvieron allí vino a manifestar dos cosas: primero, que las sociedades centroeuropeas conformaban un área conectada de una manera mucho más sensible que la URSS con occidente; y, segundo, que la zona incubaba diferencias simétricas respecto del poder ruso, que hegemonizaba desde el final de la segunda guerra mundial. (pág. 241)</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El nombre de Nikita Khrushev, y el deshielo van a ir de la mano, ya que éste además de denunciar los crímenes de Stalin también le va a dar apertura a u a relación con el capitalismo, y en cierta medida, una nueva oportunidad al gigante europeo, lo cual no se va a dar por diversas situaciones, y que con: El proyecto de "la guerra de la galaxias de Reagan fue el golpe definitivo y la URSS tiró la toalla, exhausta, indiferente y desasida de su pasado (pág.. 244) </span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El deshielo en el cine</b></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">De este capitulo se toma como referencia, el cambio que va a tener el cine, después de ese realismo socialista, que nada tenía de realista, y que puso en entredicho la calidad de la cinematografía rusa; el autor se extiende principalmente en las pocas obras relevantes, muchas de estas adaptaciones literarias, y otros cambios que:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Las sensacionales revelaciones de Nikita Khrushev en el vigésimo congreso del Partido tendrían un eco casi instantáneo en el cine. No desde luego en lo referido a la materialidad de los actos que el discurso del secretario general la había denunciado., sino a través del ingreso a una atmosfera diferente, más sentimental y cotidiana; a un universo desasido ya de planteamientos épicos de gran envergadura y de compromisos positivos en torno de causas como la colectivización, la industrialización y la lucha contra el enemigo externo e interno, que habían constituido el leit motiv del cine ruso anterior, ya fuese durante la época de oro inmediatamente posterior a la Revolución, en los complejos años `30, cuando sobrevivía mucho del impulso inicial, o en el periodo más gris y adocenado del realismo socialista de la última época de Stalin. (pág. 245)</span></blockquote><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Películas y cineastas a recomendar: </b></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Pasaron las Grullas de Mijail Kalatazov</span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La balada del soldado de Girogi Chrukrai</span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La casa en donde vivo de Lev Kulianov y Jaconb Segel </span></p><blockquote><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> </span></blockquote><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Polonia y las tinieblas</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Tal vez más directo y significativo que el cine ruso en los años del deshielo resultó ser el testimonio brindado por el cine de los países que se encontraban dentro de la órbita de la URSS el caso más notorio y notable se dio en Polonia. Ahí hubo una generación (para tomar el título de una de las películas expresivas de la corriente) de cineastas movidos por una preocupación existencial de fuerte conexión con la terribles experiencias vividas por su país en los años de guerra y también informados, de una manera subrepticia, por el dilema de la sofocante influencia rusa en la historia polaca.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666;"><span style="font-family: helvetica;">El autor asume que la oscuridad, en términos estéticos del cine polaco, fueron influencia directa de las problemáticas y complejidades sociopolíticas del momento, es decir los polacos fueron invadidos tanto por alemanes como por rusos, y como concluye Lacolla: </span><span style="font-family: helvetica;"><i>Los contornos lúgubres del cine polaco de la época</i></span><span style="font-family: helvetica;"><i> del deshielo se deben en gran medida a la memoria de esa terrible peripecia</i>. (pág. 248)</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cabe resaltar en este punto la figura de Wajda, tal vez uno de los cineastas más comprometidos e interesante de Polonia, y al qué el autor, le legitima estas ideas: </span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;">El barroquismo es un dato compositivo central en el cien de Wajda. Su gusto por los encuadres expresionistas , el sumo cuidado puesto en el tratamiento de la fotografía, ya aparecen claramente instalados en Cenizas y diamantes, definiendo a un autor de peso, que se sirve de estos elementos para explayar una concepción del mundo que oscila entre la nostalgia por el pasado y la condena de éste, y entre el interés apasionado por la Revolución y un rechazo no menos apasionado de lo que parecen sus excesos. (pág. 250)</span></span></blockquote><p><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;"><br /></span></span></p><p><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;">Revisar la trilogía de la guerra de Wajda:<i> Kanal - Cenizas y Diamantes - Generación</i></span></span></p><p><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;"><br /></span></span></p><p><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;">Como conclusión, Lacolla dice lo siguiente: </span></span></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;">Los años 60 no fueron solamente los años de la rebelión juvenil, del mayo francés, de la liberación sexual y de la revolución cubana. Fueron también los años en que se creyó en la posibilidad de un "socialismo con rostro humano" y se estimó posible que el bloque comunista pudiera arrancarse por sí mismo de la a que lo había condenado el postestalisnismo. (pág. 252)</span></span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;">Es decir un cine que marcó un estilo y forma particular, con un lenguaje cinematográfico particular, y como dice el autor, con tradiciones culturales más profundas (pág. 253), además de una gran fotografía y puesta en escena.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: helvetica;"><span style="color: #666666;"> </span></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El lejano oriente</b></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En este capítulo el autor argentino inicia con una frase lapidaria pero muy certera sobre este tipo de cine:</span></p><p></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El cine de oriente y el lejano oriente llega al conocimiento del gran público occidental después de 1945. En buena medida porque antes no existía: en países atrasados, colonizados o en guerra no era fácil que surgieran cinematografías dotadas de un valor específico y que fuesen capaces de hacerse reconocer como proyecciones legitimas de sociedades que, por entonces, no tenían muchas posibilidades de expresarse. (pág.. 255)</span></blockquote><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Cabe resaltar de este capítulo la idea del museo imaginario al que alude Malraux en su texto la voces del silencio, un concepto que se entiende como un espacio donde se mirarían las arquitecturas y el arte de diferentes civilizaciones, e influirían mutuamente (pág. 256)</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>4. La crisis de la modernidad</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Un viraje en la historia</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El 6 de octubre de 1973,el comienzo de un choque armado de enormes proporciones dio la señal para el ingreso una nueva etapa en los desarrollos contemporáneos. etapa que sellaría el final de los años dorados de la prosperidad irrestricta que había sido la marca de los tiempos, al menos para los países desarrollados del occidente, desde el momento del milagro económico europeo en adelante. Ese día egipcios y sirios lanzaron un gigantesco asalto contra las posiciones israelíes en el desierto de Sinai y el macizo del Golan, que había sido conquistados por hebreos durante la guerra de los seis días, siete años antes, y obtuvieron su primer triunfo táctico en la amarga guerra que mantenían con el estado judío desde el momento de la fundación de éste, en 1948. (pág. 267)</span></blockquote><p> </p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666;"><span style="font-family: helvetica;">Toda esta crisis económica, además de un declive en la producción, que se veía como el sistema capitalista era afectado, no sólo por un petróleo que dejaba de ser barato, se reflejaban todas estas condiciones no sólo en la construcción del mundo sino en el imaginario del cine, lo que llevo a un: </span><b style="font-family: helvetica;">Ataque y contrataque, </b><span style="font-family: helvetica;">por parte de éste:</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">el cine norteamericano se convirtió gradualmente, desopués de la dacada de los 70, en el patrón del mercado internacional de filmes,. siempre lo había sido, en cierto modo, pero a partir de ese momento y hasta el presente , su peso se hizo sentir no solo cuantitativamente sino también en lo referido a las pautas de género y estilo, que colonizarían paulatinamente a muchas cinematografías hasta allí dotadas de personalidad propia. (pág. 275)</span></blockquote><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Contraofesiva</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">La industria del cine montó entonces su contraofensiva. una contraofensiva que procuraba explotar la que suponía era su ventaja intrínseca e inalienable: la capacidad de dar espectáculo. frente al minúsculo cuadro donde se hacía visible la imagen electrónica, el cine postuló la pantalla de cinemascope; el recurso a la tercera dimensión fue otro expediente con el que trató también de seducir al público, con poco éxito; al blanco y negro de la tv de los años iniciales se lo contrarrestó con la imposición del color en la casi totalidad de las películas; pronto se difundió el sonido estereofónico y la industria se prodigó en historias más largas, más colosales, más anchas y más atiborradas de extras que nunca. (pag. 276)</span></blockquote><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>El revival imperialista</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">los años 60 van a reivindicar esa idea de un cine nostálgico, que veía no sólo al pasado, sino a un momento de gloria del país, pero principalmente evitando o desconectándose de la realidad del momento, en la que: (los ) traumas de los asesinatos de Kennedy, Malcolm X, Martin Luther King y más, se sumaba al Watergate, la Guerra Vietnam y demás conflictos que estaba viviendo una sociedad en plena revolución sexual, musical y de diversa índole, es decir, como anota el autor: <i>La mirada atrás del cine de la nostalgia se explica en buna medida por el carácter desgarrador de los tiempos que se estaban viviendo</i> (pág. 278) opuesto al confort de la época pasada.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>La conciencia morbosa del mundo</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Como introducción a este capítulo Lacolla anota lo siguiente, y deja entrever su posición sobre el cine posterior a los años 80 y que de cierta manera le da forma a lo que se entiende como postmodernidad, a continuación algunas ideas del autor:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"></span></p><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El cine ha apelado al suspenso y al miedo como imán para captar espectadores , prácticamente desde un principio. Desde Meles a las películas con momias, fantasmas, Frankesteins y asesino de las¡ más diversa laya; y desde el gangster al maníaco sexual, el cine en general y el norteamericano en particular han jugado la clave del suspenso y el horror con gran entusiasmo. El deseo de explotar comercialmente esta proclividad tan humana a derivar placer del susto dio lugar incluso a un género específico: el thriller, que deviene d ela palabra thrill, en inglés estremecimiento, erizarse de miedo. La propensión a cierto masoquismo como expediente para procurarse un contento pasablemente morboso o es entonces ninguna novedad. (pág. 283)</span></blockquote><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Para el autor: el cine de Hollywood ha tomado esta senda, y da algunos ejemplos cinematográficos, que aunque reconociendo sus cualidades cinematográficas, también deja un sino de pesimismo y violencia exacerbada en nombre de la nada, y obviamente del espectáculo, que también se puede reflejar en otro tipo de cine como lo es el de catástrofes en el que: </span></p><p></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">(este) ha sido cultivado profusamente tanto antes como después de la guerra fría. Antes probablemente porque la espada de Damocles del Apocalipsis nuclear pendía sobre la cabeza de la humanidad, sensibilizando a la gente al ponerla cotidianamente frente a la perspectiva d ela aniquilación. (pág. 286)</span></p></blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> La pirueta posmoderna </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En este capítulo más que la definición del posmodernismo por parte de Lacolla, tomamos sus ideas más particulares como la siguiente: </span></p><p></p><blockquote><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El posmodernismo coincide con el triunfo del occidente capitalista sobre la Unión Soviética y la implosión de ésta. Este hecho fue saludado como el acta de defunción de las utopías. Las utopías son sin embargo algo más que la proyección política del sueño milenarista; son el rostro cambiante de la esperanza (pág. 290)</span></p></blockquote><p><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Conclusión</b></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Dentro de las conclusiones de este libro vale la pena resaltar lo siguiente:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"></p><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El cine de ciencia ficción expresa mejor que cualquier otro esta angustia difusa. Comercial en alto grado, dirigido al público en masa, sus manifestaciones son sin embargo el eco de unos estados de ánimo que están latentes en el publico . Al descubrirlos para explotarlos comercialmente, la ciencia ficción asi mismo descubre y precisa los temores de la actualidad, anticipando tal vez las consecuencias del complejo de factores que connota al presente. (pág. 318)</span></div></blockquote><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En este punto, se reitera lo anterior, convalidando no sólo la posibilidad del cien de ciencia ficción sino su relación con la misma sociedad </span></p><blockquote><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En este sentido, el rasgo que más llaman la atención en dichas obras es el pesimismo que las impregna. Pesimismo político y, por consiguiente, pesimismo existencial. La inteligencia artificial ha tomado el puesto de la inteligencia natural, la Máquina ha suplantado al hombre, el Apocalipsis nuclear ha tenido lugar; o bien los métodos de manipulación y provocación se han adueñado absolutamente de la conciencia del individuo, como sucede en Total Recall. O, como ocurre en Blade Runner, el hombre -dios se ha convertido en el verdugo inmisericorde de sus propias criaturas, los clones a los que crea y condena a muerte n un mismo gesto de indiferencia feroz. (pág. 319)</span></div></blockquote><blockquote><p><br /></p></blockquote><p></p>
andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-45513099640293689432023-03-30T20:15:00.009-05:002023-03-30T20:19:01.092-05:00Mary Ellen Mark: sus retratos de cine*<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: right;"><span style="background-color: white; color: #666666; font-family: helvetica; font-style: italic; text-align: start;">"Fotografía el mundo tal como es. No hay nada más interesante que la realidad”</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque se le conoció como la fotógrafa de la realidad social, de los invisibles y gran parte de sus protagonistas fueron mujeres en ambientes difíciles , también Mary Elllen Mark fue colaboradora habitual de foto fija de grandes rodajes cinematográficos, en las que no sólo retrató a sus protagonistas sino sus historias en ese breve instante que es la fotografía; de muchas de estas exploraciones se publicaron libros que profundizaban en los temas que interesaron a esta fotografa, tan reconocida y querida por la industria hollywoodense como por la cultural; en este caso nos centraremos en su aporte a los detrás de cámara del cine. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeqQQ45TJi-cmaSgVCRorU9ip1OAQfV3IgqkdB97iqbGl9qOHFjo_f9US1dtRQqkjkfKaA-ek3OymsSST6ZHm_s5UtSDR0MizlRHb23WeV14xLNV92BEj6MYacxmU3SR7iKWTfzHpmmerYPxXi1gv9MtIJEI3GhXTXQZUcaVFww2H4zIoOjjXGjq31/s2048/05-lens-mary-slide-DW1N-superJumbo.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1371" data-original-width="2048" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgeqQQ45TJi-cmaSgVCRorU9ip1OAQfV3IgqkdB97iqbGl9qOHFjo_f9US1dtRQqkjkfKaA-ek3OymsSST6ZHm_s5UtSDR0MizlRHb23WeV14xLNV92BEj6MYacxmU3SR7iKWTfzHpmmerYPxXi1gv9MtIJEI3GhXTXQZUcaVFww2H4zIoOjjXGjq31/w640-h428/05-lens-mary-slide-DW1N-superJumbo.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: helvetica; text-align: right;"><span style="font-size: x-small;"> </span><span style="color: #666666; font-size: xx-small;">Detrás de cámara: Apocalypse Now y Marlon Brando como protagonista</span></span></div><span style="color: #666666; font-size: xx-small;"><br /></span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw5gP2DWqulnayLRvSyhRyq9lkZQTLL9UqEzHAYBakShLxJYixO730Ule4FzatQW7qAQ3HyyJRURrpYs1uFbRbIYndPCEadGcu3ArZg2MzkUfLWGxaEsE5sZJkeaBiAmjwqlPGPVH-uUQvsck8I8ektBu5dsDhCQ81ZTkvf6C4IcyYJcn9H7s38RFc/s2400/8bOx3ftD6d63RvbJ223JIeVjT2ZQyY.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: #666666; font-size: xx-small;"><img border="0" data-original-height="1626" data-original-width="2400" height="434" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjw5gP2DWqulnayLRvSyhRyq9lkZQTLL9UqEzHAYBakShLxJYixO730Ule4FzatQW7qAQ3HyyJRURrpYs1uFbRbIYndPCEadGcu3ArZg2MzkUfLWGxaEsE5sZJkeaBiAmjwqlPGPVH-uUQvsck8I8ektBu5dsDhCQ81ZTkvf6C4IcyYJcn9H7s38RFc/w640-h434/8bOx3ftD6d63RvbJ223JIeVjT2ZQyY.jpg" width="640" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: #666666; font-size: xx-small;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="color: #666666; font-size: xx-small;"> Fellini retratado por Mark </span></div><span style="color: #666666; font-size: xx-small;"><br /></span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfn-Qg_EdhdOELB7VVizfQG84xxp2HVvZL0FxlTpkhLyrUOIAaV8dBorOF5OCFGQqRf3ARAmXwYVbC7EIAv-YIzsiS1qDj8eBv90vfEvEh469PYH8feWR4aA2HyLvqlLP6izQFMfu82q0nKiz6xRaXqXkcxKR_gbe5PkiSUce-5kL_I2QCsKJAK8qh/s1200/bunuel-rodaje-tristana.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: #666666; font-size: xx-small;"><img border="0" data-original-height="803" data-original-width="1200" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfn-Qg_EdhdOELB7VVizfQG84xxp2HVvZL0FxlTpkhLyrUOIAaV8dBorOF5OCFGQqRf3ARAmXwYVbC7EIAv-YIzsiS1qDj8eBv90vfEvEh469PYH8feWR4aA2HyLvqlLP6izQFMfu82q0nKiz6xRaXqXkcxKR_gbe5PkiSUce-5kL_I2QCsKJAK8qh/w640-h428/bunuel-rodaje-tristana.jpeg" width="640" /></span></a><span style="color: #666666; font-size: x-small; text-align: right;">Buñuel en escena</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><em style="background-color: white; box-sizing: border-box; text-align: start;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><blockquote><br /></blockquote></span></em></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAqz6sRBNed-vsEx5UZe591YXgomlUriwULG16iDg4d-X1ElDj8g98JiEWWyzEDyp8snIE_Xymv8lnDVYM_QDfhpnVgEgTg51pCnU7bCZyg_tIGMn4piDWSYiydBrn80nOJnhdm8aJc2veOD_uVU3mtCwFhZHqwiXQwkWEjuYCzMs8yc_QsQtkZl5Z/s962/H3855-L80095313.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="962" data-original-width="750" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAqz6sRBNed-vsEx5UZe591YXgomlUriwULG16iDg4d-X1ElDj8g98JiEWWyzEDyp8snIE_Xymv8lnDVYM_QDfhpnVgEgTg51pCnU7bCZyg_tIGMn4piDWSYiydBrn80nOJnhdm8aJc2veOD_uVU3mtCwFhZHqwiXQwkWEjuYCzMs8yc_QsQtkZl5Z/w498-h640/H3855-L80095313.jpg" width="498" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4cp_oFCFCYPfuIXLAyotsh7pw6Wa29cvsM3LgoUb6fssDZvS1A3LTEkP3IQ0PZQ6TwL57DqjWXLYwOvxaxY4d2hUpIZBlMV7b-GIxVaPr8biVbl3PjpVfXkgYX2XZtFaLB8BPe9-_qIF1hJSMmvkrOKG3oCz2meIDpsky-qVmEsUmGc2BZdHw7csx/s2832/XM2LEOCZRKOIYT7KKG5MEHRKGU.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2832" data-original-width="1960" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4cp_oFCFCYPfuIXLAyotsh7pw6Wa29cvsM3LgoUb6fssDZvS1A3LTEkP3IQ0PZQ6TwL57DqjWXLYwOvxaxY4d2hUpIZBlMV7b-GIxVaPr8biVbl3PjpVfXkgYX2XZtFaLB8BPe9-_qIF1hJSMmvkrOKG3oCz2meIDpsky-qVmEsUmGc2BZdHw7csx/w442-h640/XM2LEOCZRKOIYT7KKG5MEHRKGU.jpg" width="442" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica; font-size: xx-small;">Brando y Mary Ellen Mark</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjH4IFPZdjaZho0fET5Y_eYYm2s_H2asEKPh8nPZ05HPHHEU0bFkvCzTG4OZaP6VLSvrSB9TNsnADYQ7NJsDOI6bZCP2HJwJnIm2ECiZDsjFJPzji2PzwOAbIxqOqfpbkKuqShJ_GNna6bLSfWS58hUsUTUbag4rAg1qHtE6AwNv9aVqczij0AefhGJ/s1610/jodie-foster-photography-mary-ellen-mark-harper-s-bazaar-january-1995-1715_o.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1046" data-original-width="1610" height="416" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjH4IFPZdjaZho0fET5Y_eYYm2s_H2asEKPh8nPZ05HPHHEU0bFkvCzTG4OZaP6VLSvrSB9TNsnADYQ7NJsDOI6bZCP2HJwJnIm2ECiZDsjFJPzji2PzwOAbIxqOqfpbkKuqShJ_GNna6bLSfWS58hUsUTUbag4rAg1qHtE6AwNv9aVqczij0AefhGJ/w640-h416/jodie-foster-photography-mary-ellen-mark-harper-s-bazaar-january-1995-1715_o.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2DeCyyM9Gjjey94EB4odUlT01vztfojvfO2QJReetwrNTQIca4meMex3bdpw9jyMBVQ8zc6UiYu4pGbDX52adF5N9m_WWh8eCjCotWjB7TxJtQwLQrR-pqaRTXn_RTAAZJQOOFadKRB-q1YJBbqgqeqK5ITLRrPhqc2qXOS9F-OPXzdnzx_O9qXwO/s640/maryellenmark_cine48.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="426" data-original-width="640" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2DeCyyM9Gjjey94EB4odUlT01vztfojvfO2QJReetwrNTQIca4meMex3bdpw9jyMBVQ8zc6UiYu4pGbDX52adF5N9m_WWh8eCjCotWjB7TxJtQwLQrR-pqaRTXn_RTAAZJQOOFadKRB-q1YJBbqgqeqK5ITLRrPhqc2qXOS9F-OPXzdnzx_O9qXwO/w640-h426/maryellenmark_cine48.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG_GSvfjvp5Za4Xq3D2AzulSTTie8dVyFjtM-C8TEhDASU0nAfGXVlPebw4xExmFDQYnzXRBRfopNtpiC6rMbhzjLzB22U50A2ewCJemO4mZa9wlEGRz19arUkKwl7n0OE6yRuC2NGJTJ_Vj5rzs0kl6gizdB8lq_b7BO4VD-M0TQxBMtRHDVXsz5c/s2400/SWeeTt0QzE2pHVbFYVkLgSL3JObq5G.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1612" data-original-width="2400" height="430" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiG_GSvfjvp5Za4Xq3D2AzulSTTie8dVyFjtM-C8TEhDASU0nAfGXVlPebw4xExmFDQYnzXRBRfopNtpiC6rMbhzjLzB22U50A2ewCJemO4mZa9wlEGRz19arUkKwl7n0OE6yRuC2NGJTJ_Vj5rzs0kl6gizdB8lq_b7BO4VD-M0TQxBMtRHDVXsz5c/w640-h430/SWeeTt0QzE2pHVbFYVkLgSL3JObq5G.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica; font-size: xx-small;">dos colaboradores habituales</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj86Qxgx1UMS6D79ppPzhxe5BHx1ZXITnjP7ehSk04RVt8S9lKBvEdUfoQPQu3TogNGVPlWQpwF1W0J0YHelieexTlXs6FIGChKJDhZrV_OEH7kJnRkXZilAACMgpmFRv4kIfzxsek20dR7_nzhPMIYLKy-KHCqO4SNQDOU9Djos86J50CRgC0fEm_B/s2400/TmRUtZXSAWh38Ei16OoDRFi8dsOUHm.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1635" data-original-width="2400" height="436" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj86Qxgx1UMS6D79ppPzhxe5BHx1ZXITnjP7ehSk04RVt8S9lKBvEdUfoQPQu3TogNGVPlWQpwF1W0J0YHelieexTlXs6FIGChKJDhZrV_OEH7kJnRkXZilAACMgpmFRv4kIfzxsek20dR7_nzhPMIYLKy-KHCqO4SNQDOU9Djos86J50CRgC0fEm_B/w640-h436/TmRUtZXSAWh38Ei16OoDRFi8dsOUHm.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl9nKVbMIdnAuY24R64VRGph8hjsed6uhhCbK2W1oT3ZQjsDLrK5UUkXIguwsxvoh0jEf8ZfPshc-cDf1St3pBGRg-MUfTZEBZe4Yb0IJZp_EEcWsPqKUJT4fS6D-nYzyFVS8rnn7fKTe-VBB9tCT_WgwmmHBGwfKQP4-Gwl1_Kw0MA70WVdRfK8NU/s1240/041-mary-ellen-mark-theredlist.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="838" data-original-width="1240" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl9nKVbMIdnAuY24R64VRGph8hjsed6uhhCbK2W1oT3ZQjsDLrK5UUkXIguwsxvoh0jEf8ZfPshc-cDf1St3pBGRg-MUfTZEBZe4Yb0IJZp_EEcWsPqKUJT4fS6D-nYzyFVS8rnn7fKTe-VBB9tCT_WgwmmHBGwfKQP4-Gwl1_Kw0MA70WVdRfK8NU/w640-h432/041-mary-ellen-mark-theredlist.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica; font-size: xx-small;">Apocalypse Now: fotógrafo fotografiado </span></div><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3xan2Gg5u79ShLHyVP6SqPddgiKrB1emZBMrBr_e-g7RW9PjTynXpcxfwCEZ2MjrKtPiIi8N2lJLbn9z_1CtagzsuKfO403xhlVTWbJg0iGOpDRpxbfsLnnntf4osulDd9JnflaVZY80JcCkXpn8DVJzQRczFpv6x1Tl4sIDdJj9bJtWqXXC-vI6a/s2400/vpPhLS13rxODmP9bEhgyx3qvEFXEkH.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1604" data-original-width="2400" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3xan2Gg5u79ShLHyVP6SqPddgiKrB1emZBMrBr_e-g7RW9PjTynXpcxfwCEZ2MjrKtPiIi8N2lJLbn9z_1CtagzsuKfO403xhlVTWbJg0iGOpDRpxbfsLnnntf4osulDd9JnflaVZY80JcCkXpn8DVJzQRczFpv6x1Tl4sIDdJj9bJtWqXXC-vI6a/w640-h428/vpPhLS13rxODmP9bEhgyx3qvEFXEkH.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica; font-size: xx-small;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica; font-size: xx-small;"> De la película: One Flow over the cuckoos nest </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><div style="text-align: right;"><span style="font-size: xx-small;">*el uso de las imágenes es netamente pedagógico y tomadas libremente de la red </span></div></span> <p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-768300199876818834.post-49744079914093206692023-03-29T22:14:00.002-05:002023-03-29T22:14:52.705-05:00Franja Estrenos Nacionales: Camilo Torres Restrepo, el amor eficaz<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj5HxGX6Ui5Psu2aML5bf1GQZzbHoGLLAOJ4FbGYER7Rt-c5hkU7JRZOLJFpCrfuGjrOeFH9WKPw-A26Wq6rIG1RGRrJ23LM_3bvo1gXgxrHE3I1yZLqrK4pRqyoEzq3RF0HLQrg7v76NkIeaBAbCuE5Pc8k2-AGhRuiQewKqV8cDjJ1SUyOb1Eb4Kn" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="1429" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj5HxGX6Ui5Psu2aML5bf1GQZzbHoGLLAOJ4FbGYER7Rt-c5hkU7JRZOLJFpCrfuGjrOeFH9WKPw-A26Wq6rIG1RGRrJ23LM_3bvo1gXgxrHE3I1yZLqrK4pRqyoEzq3RF0HLQrg7v76NkIeaBAbCuE5Pc8k2-AGhRuiQewKqV8cDjJ1SUyOb1Eb4Kn=w224-h320" width="224" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><blockquote style="text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><i><b>“La entrevista es el género de ficción veraz por antonomasia. Difícilmente encontraremos nada más literario, más directamente creativo que la entrevista. Las entrevistas en alguna medida se inventan todas, pero no por ello tienen que dejar de responder a la verdad."</b></i></span></blockquote><p></p><p><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">Aunque las <i>conversaciones imaginadas</i> o las <i>entrevistas a "fantasmas"</i> puedan entrar en esa extraña categoría de la noficción, y en el debate mismo sobre la veracidad y creación -de cualquier formato-, lo que es cierto, es que estos ejercicios estilísticos han existido en la literatura desde hace mucho tiempo, la comedia escrita se ha valido de estos ejemplos para crear interesantes relatos, y el mismo periodismo, no ha sido ajeno a su uso, para fines estilísticos, intelectuales y críticos; y así como en el falso documental, recurre a la mentira para encontrar verdades, idea que pregona Todorov; con la entrevista imaginada nos acercamos a figuras ausentes, supuestos muy bien documentados y en el mejor de los casos, en discursos socio culturales a través de una figura fundamental para cierto momento histórico de un país, movimiento cultural y demás; es esto lo que vimos con <i>Camilo Torres Restrepo, el amor eficaz,</i> último documental de Marta Rodriguez y Fernando Restrepo, que le dan voz al cura guerrillero, en una entrevista imaginada, repensada y adaptada a esto tiempos, por alguien que conoció de cerca a Camilo Torres, como lo fue Marta Rodriguez, que además de su mentor, fue ejemplo para su cine. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El gran acierto de esta obra, que ya de por sí, empieza a cuestionar esa idea de lo real o el verismo propio del documental, está en su formato y en la adaptabilidad de su lenguaje, en la que Rodriguez y Restrepo, este último dándole voz a Camilo Torres, conversan no sólo sobre "sus" vidas, sino sobre las realidades de un país, y como el sacrificio, la desaparición y la lucha -a través de las imágenes, armas, resistencia o vida-, aún potencian la memoria, que es lo que finalmente, traduce este trabajo, la memoria de un hombre convertido en figura, no muy ajeno a lo que Rodríguez y sus colaboradores, filmaron - documentaron a lo largo de los años.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiDyKvw7QCrbFGiMam1aVH0t_GlZ6LqLiNX1-qziKYlX28aEcDMQQlSNS5_JtIF3XpX72Eu7-o1WzpWfOKz4Y-2y_zbrs-kpFvydoPE6sqtZUW2L0CCjgLImruDDQFE7AYubH7azjT-QkqqIm2y_WWRGmzLiRAepW8qacC6zJ7TwssK0ZYnefbQDy97" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" data-original-height="671" data-original-width="1200" height="358" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiDyKvw7QCrbFGiMam1aVH0t_GlZ6LqLiNX1-qziKYlX28aEcDMQQlSNS5_JtIF3XpX72Eu7-o1WzpWfOKz4Y-2y_zbrs-kpFvydoPE6sqtZUW2L0CCjgLImruDDQFE7AYubH7azjT-QkqqIm2y_WWRGmzLiRAepW8qacC6zJ7TwssK0ZYnefbQDy97=w640-h358" width="640" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: right;"><span style="font-family: verdana; font-size: xx-small;"><i>fuente: Proimagenes Colombia</i></span></td></tr></tbody></table><br />Inteligente en su puesta en escena, complementada por el material de archivo, la presencia de Marta Rodriguez y la voz off de Restrepo/Torres, el último trabajo de la gran representante del documental latinoamericano, es bastante interesante no sólo como documental que registra la historia reciente de nuestro país si no como ejercicio de memoria, en el que lo difuso, lo complejo y la experimentación hacen parte de un todo. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">El documental, al igual que la charla entre los documentalistas, uno presente y el otro ausente, también dialoga con los formatos, formas y lógicas de este tipo de obra audiovisual, en el que la verdad es uno de los tantos componentes que están presentes como objeto de creación, ya no sólo como poetización (Grierson), o como denuncia o representación (Nichols) sino como un lenguaje que busca a través de sus propios métodos, ese aspecto de la realidad que quiere ser revelada.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Estrellas fugaces, estrellas constantes (una minicrítica)</b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b><br /></b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;">En la charla, que tuvo lugar en la Cinemateca de Bogotá, estuvieron presentes tanto Marta Rodriguez como Fernando Restrepo, quien concluyó que son mejores las estrellas constantes, es decir Marta Rodriguez que las fugaces: Torres y algunas de sus ideas, esta idea da pie, para entender la lógica no sólo de nuestro país, si no sus realidades, destino e influencia, que tal vez un documental no pueda dirigir pero sí, ofrecer el camino a transitar, que es lo que cada uno de los personajes tomó como bandera, y es en ese punto donde el documental logra su cometido; un gran trabajo, tanto en forma como en contenido.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><b>Zoom in: </b>Presentado en varios festivales, a destacar el FICCI en Colombia y el Festival de cine político en Argentina.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="color: #666666; font-family: helvetica;"> </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"> </div><p></p>andres aroshttp://www.blogger.com/profile/02042908854849604577noreply@blogger.com0