"No nos importaba si el cine era arte o no. Eso sí, nos gustaban el humor y la poesía que encontrábamos en él."
Documental biográfico, estrenado para celebrar el centenario del cineasta Luis Buñuel, que además de mostrarnos algún material inédito y de archivo del propio director, mezclada con 54 entrevistas a amigos, expertos, alumnos y compañeros que vislumbran la personalidad, contradicciones y genio del más importante cineasta nacido en Calanda, lugar que nos va a presentar sus orígenes, la férrea disciplina del padre, la ternura de la madre, sus encuentros con la fe, amistades y demás.
Con guión del catedrático e historiador de cine Agustín Sanchez Vidal y la narración del actor Pepe Sancho, quien se convierte en la voz de Buñuel al leer fragmentos de su autobografía El último suspiro, este biopic que intenta alejarse de los tópicos y que nos muestra esa contradictoria personalidad del director, es un homenaje no sólo a éste sino a su propio entorno y a quienes o rodearon durante años.
Un trabajo bien fundamentado en su estructura, que no intenta demostrar teorías o novedades sobre el español, sino mas bien un cálido retrato del hombre, del ateo con muy buenos amigos sacerdotes, del cineasta liberal (libertino para algunos) que en su casa mandaba con "puño de acero", y del visionario del surrealismo que era tan moralista como muchas de las cosas que criticaba con su trabajo.
Con entrevistas a personajes como Carlos Fuentes, su discípulo Carlos Saura, amigos de la infancia, del trabajo y de los que se fueron sumando en su carrera, de su guionista habitual en los últimos años, sus hijos, actores y tantos otros que nos hablan de su personalidad de niño perverso, de creador, su humor y muchos de los elementos que quería imprimir en su obra. Cada uno nos va relatando cómo fue su experiencia, sus diálogos, enseñanzas y acercamiento a este hombre que concebía y trabaja las películas en su cabeza, que sabía manejar presupuestos pequeños por su organización y estructuración en su trabajo que se reducía a unas pocas semanas e incluso días. Igualmente nos encontramos con material del propio Buñuel, su inconfundible humor y picardía, recuerdos y ante todo, la vitalidad de éste.
Correctamente dirigida en conjunto por el fotógrafo José Luis López y el documentalista Javier Rioyo, quienes más allá de recopilar una serie de anécdotas, unen diversas fuentes con un único punto de vista, que sin embargo no cae en el halago o la sobrevaloración banal del cineasta sino en una constante identificación con el trabajo del aragonés y con sus propias ambigüedades, talentos y percepciones del mundo.
Estos directores que se dieron a conocer por su imprescindible documental Asaltar los cielos (1996), retoman de nuevo el material biográfico e indagan y recorren por la vida del gran cineasta español, y para esto se integran al trabajo escrito y al guión del especialista en Buñuel Agustín Sanchez Vidal, generando esta obra documental de gran importancia para conocer más sobre este director.
Zoom in: Estrenada el 22 de febrero del 2000
Más de 70 horas de grabación y 54 entrevistas en total
"Nuestra única defensa contra la muerte es el amor."
José Saramago
Primera película que veo del director Thomas Vinterberg, uno de los más prolíficos y conocidos -junto a Lars Von Trier- cineastas daneses contemporáneos, principalmente por el movimiento Dogma 95, del cual fue co-fundador. Vinterberg, graduado de la prestigiosa Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, ha recibido varias nominaciones y premios tanto nacionales como internacionales por sus películas de sello personal y alejadas de cualquier postura - a pesar de haber iniciado con este movimiento cinematográfico danés- estilo o género; aunque es difícil de clasificar el cine de este realizador nacido en Copenhagen, es la innovación y un mundo propio en las dificultades humanas, sus mayores virtudes, que lo llevaron a dirigir a estrellas como Claire Danes y Joaquin Phoenix en It´s all about Love, su primera producción internacional, y la película que vamos a reseñar.
Escrita por Mogens Rukov junto al propio director, quienes mezclan ciencia ficción, drama y romance en un futuro cercano donde la gente muere en las calles de Nueva York a causa del olvido, la falta de gravedad en un país africano hace flotar a las personas y el congelamiento mundial junto al colapso cósmico está afectando a los humanos, pero aún así, vale la pena lucha por amor, o eso creen los recién divorciados Elena y John.
John (Joaquin Phoenix) se dirige a Nueva York para que Elena (Claire Danes) le firme los papeles de divorcio, en su recorrido por el aeropuerto y las calles de esta ciudad, será común, los muertos y las noticias sobre el invierno y la falta de gravedad en un país. Elena, una famosa patinadora sobre hielo y ex mujer de John, lo recibe con cordialidad y le aconseja que se quede unos días más con ella y los suyos; ella quiere confesarle un gran secreto, y las rarezas que están pasando en el mundo parecen acercar a esta pareja.
Ya en el 2003, el escritor danés Mogens Rukov, apuntaba a trasladar lo esencialmente literario al mundo del cine con sus intricados argumentos mucho más cercanos a las letras pero adaptadas a las imágenes, conformando una amalgama que funcionó en Reconstrucción- del danés Christoffer Boe- pero que falla en esta película, aunque deja elementos muy interesantes tanto en su puesta en escena como en su construcción narrativa, en donde perfectamente podemos identificar una visión poética de la destrucción y el amor e influenciada por cierta literatura latinoaméricana, que encaja en el realismo mágico o en el trabajo de Jorge Luis Borges, obviamente con las particularidades tanto del guionista como del director danés.
Fotografiada por el experto en cinematografía digital y múltiple ganador Anthony Dod Mantle, uno de los más afamados directores de fotografía británicos; éste crea ambientes y situaciones a través de la luz y el color, aunque en esta película técnica y artísticamente logra su cometido, -con algunas secuencias bellamente fotografiadas-, frente a los efectos y pantallas en verde, falla, no tanto por técnica sino por que se pierde la esencia "realista" del largometraje; de todas formas, Dod Mantle, es uno de los mejores detrás de las cámaras digitales, y un apoyo constante a directores como Danny Boyle, al mismo Dogma y aún a proyectos comerciales como Rush de Ron Howard, entre otras.
Con un montaje que juega principalmente con la retórica, paralelo a la historia principal y que se conjuga con la épica música de Zbigniew Preisner - conocido compositor y amigo de K. Kielowski- y Nikolaj Egelund, quienes apoyan a contar esta historia, que navega entre el drama y la ciencia ficción. A pesar de su cuidada puesta en escena, mucho más cercana al realismo, sin mayores efectos o elementos artificiosos, el director se las arregla para generar una atmósfera de extrañeza que se va impregnando en los actores y en la progresión de la propia narrativa.
Aunque las actuaciones funcionan, y la pareja Phoenix - Danes, es más que compatible, en algún punto se van exagerando tanto las reacciones de éstos como las situaciones en las que están involucrados, restándole al conjunto cinematográfico, sin dejar de lado el desperdiciado - aunque sea la voz o narrador de la película- papel de Sean Penn, quien luce perdido en medio de este irregular guión.
Aunque pienso que tiene un guión errático, que no es sólido en la conformación entre la historia de John y Elena y las demás situaciones, que en cierto modo algunas secuencias, son tan absurdas que pueden caer el el ridículo, es un trabajo interesante por las rarezas que se viven de fondo y por su carácter lírico frente a lo caótico o el colapso en donde el amor es el hilo narrativo, sin dejar de lado la música y el trabajo de cámara, que saben apoyar este cuento propio de un realismo mágico nórdico.
Además, la película me recuerda a algún trabajo del director sueco Roy Andersson, sólo que en este caso, lo absurdo o lo raro, no se llega a concretar con la historia, aunque esto hechos afecten al desarrollo de la misma.
Más allá de recomendar o no esta película, es importante conocer el trabajo del director danés, ya que éste, es un habitual de los festivales, y que con sus últimas películas - además de su conocida La Celebración- se va convirtiendo en otro referente de un cine personal, que indaga en las situaciones humanas, muchas veces en lo más profundo y extremo de éstas.
Zoom in: Giro radical en el trabajo de Vinterberg tras su exitosa y ganadora La Celebración
En 1997 en la película U Turn de Oliver Stone, los actores principales Phoenix y Danes junto a Sean Penn, participaron de esta película. Montaje Paralelo: Canciones del segundo piso (2000)
"Lo que sabemos en occidente acerca del cine japonés ,
y cómo lo sabemos, se lo debemos sobre todo a Donald Richie"
Paul Schrader
Autor: Donald Richie
Editorial: Ediciones Jaguar
Año: 2005
País: USA
Género: Monografía
Donald Richie, fue un periodista, crítico de cine y autor experimental, que escribió sobre el Japón, no sólo cultural sino cinematográficamente; el recientemente fallecido (murió el año pasado) escritor nos legó en sus libros, su profundo conocimiento sobre el cine japonés, análisis que fueron avanzado desde lo teórico hasta las curiosidades y los pequeños detalles de esta cultura fílmica.
Este libro, escrito con todo el cuidado y conocimiento de un hombre que fue acogido por el país del sol naciente, es también un recuento sobre el el trabajo de Yasujiro Ozu, y los cambios que ha venido sufriendo el cine japonés, tanto culturales, económicos, sociales y principalmente por la mentalidad de los nuevo directores.
Esta obra, es vital y fundamental para conocer la evolución y el pensamiento, de un cine que parece ser desconocido por algunos, y que en manos de Richie,nos ha abierto una puerta a estas películas y visiones.
Felipe Moreno S. (Director del Festival) leyendo el prólogo de este libro
Aunque libro está en portugués, es una compilación sobre el trabajo de animación brasileña en Minas Gerais
La Redada, centro cultural, fue el espacio para el lanzamiento de este libro
Como decía Moreno S: " no sólo es un libro sobre la historia del cine de animación de esta zona brasileña, sino un catálogo de todas las películas que se han realizado"
Aunque el autor del libro no se pudo presentar, igualmente se vendieron los libros, con un valor de 10.000 pesos y se rifaron los catálogos del festival, al qué está a cargo el brasileño.
El Planetario Distrital, abrió sus puertas a la inauguración del 11vo Festival Internacional de cortometrajes y Escuelas de cine El Espejo, con la presencia de sus director Felipe Salazar, tres invitados internacionales y un sinnúmero de cortometrajes y homenajes al cine de corta duración, charlas y cursos relacionados a audiovisual en general.
Homenajeando a la documentalista más importante del país, como lo es Marta Rodriguez - donde serán presentados todos sus trabajos- así mismo a otros realizadores desconocidos u olvidados como Carlos Alvarez, y una gran cantidad de cortometrajes ganadores nacionales e internacionales.
La presencia del realizador colombo-griego Spiros Sthatoulopoulos, uno de los jurados, junto a la directora de la sección corta de la Berlinale Miake Mia Hohne y el realizador - animador brasileño Savio Leite, que repite invitación y charla.
Además de la presentación del festival, del premio Bacatá y demás situaciones relacionadas a éste, tuvimos la oportunidad de ver dos cortometrajes nacionales, escogidos para la muestra - reseña que haremos en otra entrada-. Para finalizar, y como dictan los promos del festival, una opción para ver cine, por que el "cine sana". *La identidad gráfica del festival y corporación son usadas con fine informativos, toda la información, derechos, usos y demás sólo le pertenecen al festival, a quien creo la identidad y a los directores del mismo.
Este evento se especializa en el cortometraje colombiano y
recientemente ha ampliado su mirada a exhibiciones de cortos de todo el mundo.
Su programación incluye eventos teóricos y el encuentro con invitados
internacionales. Todas las funciones , asi como las conferencias son de
carácter gratuito. El XI Festival Internacional de Cortometrajes y Escuelas de Cine El Espejo, llegara este año a las salas de cine de Bogotá del 19 al 26 de Junio, con el lema “El Cine sana” para vivir en una Colombia Postconflicto.*
ElkanoData es una agencia creativa de diseño de la información. Para celebrar su segundo aniversario han combinado sus dos aficciones favoritas: su trabajo y las películas.
Así nace ElkanoData Film Series, una colección de infografías, Motion Graphics y otros formatos visuales que rinden homenaje al cine que más les ha gustado, influido e inspirado.
La primera entrega se llama: “8 Frases célebres de directores de cine de culto”. En el enlace podréis ver todo esto explicado con más detalle, una animación y una colección de banners verticales, todo relacionado con las 8 frases seleccionadas, y con muchas referencias al cine de los directores elegidos**
"El sonido que suena verdadero para el espectador y el sonido verdadero, son dos cosas muy distintas." Michel Chion
Gracias a la Revista Arcadia y al espacio cultural Cine Tonalá, tuvimos la oportunidad de ver la segunda película del director británico Peter Strickland. Además de la interesante película, es necesario hablar - o escribir, en este caso- sobre ese nuevo espacio cultural que es Cine Tonalá, donde tuvimos el privilegio de observar este largometraje en una función casi privada, y conocer las opciones que presenta este lugar, ubicado en las inmediaciones del Parque Nacional y unas de las zonas arquitectónicas más agradables e importantes de Bogotá.
Peter Strickland, es un cineasta y guionista nacido en Berkshire (Inglaterra), que inició en el mundo del teatro- exactamente la Progress Theather-, donde adaptó La Metamorfosis de Kafka, para luego pasar a los cortometrajes y finalmente en 2006, realizar su primer largometraje, gracias a la herencia que recibió de un familiar cercano; la buena acogida y selección para el Festival de Berlín de su primer trabajo, lo llevó a realizar un segundo largometraje que ha recibido el visto bueno de festivales, crítica y considerar a este director como uno de los más interesante de la escena independiente inglesa. Berberían Sound Studio, es hasta el momento su último trabajo, y es la película que vamos a reseñar a continuación.
Strickland (centro) dando indicaciones a dos actores
Escrita por el propio director, Berberian Sound Studio nos remonta a los años 70, en pleno auge del giallo italiano, este estudio de posproducción dedicado al cine más sórdido y violento, es el encargado de darle forma y acompañar las perturbadoras imágenes de este tipo de cine. A este estudio llega el tímido pero talentoso ingeniero de sonido Gilderoy, interpretado por Tobey Jones, quien cree que va a realizar un trabajo sobre caballos -algo artístico-, y no este tipo de películas. Gilderoy, todo un artesano en la creación de sonidos, finalmente se irá contagiando del mismo ambiente lúgubre y extraño que emana este lugar y sus peculiares compañeros de trabajo.
Una película que tiene como gran protagonista al sonido, haciendo parte de la historia e interfiriendo en la misma narrativa; este largometraje es un homenaje al giallo, al sonido fílmico y al cine dentro del cine como lo notamos desde el principio de ésta, la cual nos incluye en la que se está posproduciendo, en la obra de Santini The equstrian Vortex.
Con un único escenario como fondo, -los estudios de grabación y sus aledaños- Strickland, no sólo nos va mostrando el oficio del sonidista - del sonido en general-, los choques entre los productores y las actrices, las precarias condiciones de éstas y del propio Gilderoy, sino de la locura u oscuridad que se van apoderando de éste, elementos que se decodifican a través del sonido - y obviamente de la gran actuación de Jones- alterando la propia narrativa y otros recursos cercanos a este género y al mismo lenguaje cinematográfico.
La impecable fotografía del veterano Nic Rowland está acompañada por un excelente diseño de producción y ambientación, que principalmente se sustenta en los equipos de grabación, proyecciones -generando las mejores secuencias frente a lo fotográfico- en el espacio cerrado del estudio y sus agobiantes sombras y ruidos, impregnando de un ambiente aterrador, confuso y desasosegante gracias al genial trabajo de sonido de Joakin Sundström y la música de Broadcast
Artística y técnicamente es una película muy bien lograda, que además logra homenajear al giallo y al mundo del cine, en este caso al sonido de forma inteligente y detallada, como los guantes de cuero -típicos en las películas de Argento - manipulando las proyecciones cinematográficas, los foley y la parte operativa de las máquinas de grabación, la cabina de sonido y tanto otros elementos presentes que juegan parte de este metalenguaje, de este cine dentro del cine, que igualmente termina convirtiéndose en una muestra del oficio del trabajo de posproducción sonora - mucho más artesanal y creativo el de esa época-.
Un elemento a destacar es su montaje y edición por parte de Chris Dickens, principalmente en los créditos iniciales y en as secuencias de ensoñación o locura, sin dejar de lado que su estructura lineal está muy bien conformada y es coherente con el relato.
Otro punto a destacar, es la actuación de Tobey Jones, quien finalmente se lleva todo el peso dramático, interpretando al talentoso pero retraído artista del sonido, que finalmente se va acomodando a la perturbada e irritante atmósfera del estudio, empezando a confundir la realidad con la ficción. Jones, uno de esos secundarios de lujo, acá llevas las riendas de la película - como actor- y como lo ha hecho en otros papeles protagónicos - los pocos que ha logrado-, saca su mejor repertorio teatral - es profesional en Drama y Teatro- y en su experiencia en los más diversos papeles. Obviamente, desde el guión, es un personaje que está muy bien construido pero en definitiva es la presencia de este inglés, su aspecto y sus cualidades actorales, las que saben darle una forma absoluta a este Gilderoy, a este tímido artesano del sonido, que como en el sonido de las películas, con un cable dispuesto en otro lado, puede cambiar absolutamente el acento de ésta....o de Gilderoy.
Una interesante película, que juega con uno de lo elementos más importantes del cine - y al que menos se le presta atención- como lo es el sonido, que en este caso, genera una verdadera sensación de agobio y terror a través de los sonidos y música. Además, es un claro homenaje al cine, con una excelente puesta en escena que va desde la gran interpretación del inglés Tobey Jones hasta toda la parafernalia y estética heredada u homenajeada del giallo y del cine de género europeo.
Igualmente, la película se puede ver como un estudio psicólogico sobre la violencia cinematográfica - más no social, antropológica o demás- y su influencia en los personajes, en sus cambios, como termina sucediendo en la actitud del talentoso sonidista, y obviamente, un descenso a los infiernos en clave lynchiana.
Una película que no se debe tomar como un cuento de terror o una historia del género, sino como tributo al cine, al sonido, a sus artesanías y talentos, sin dejar de lado su manifestación implícita de ese género italiano que tantas muertes, incoherencias y elegancia le dieron al mundo del cine. Una más que recomendable obra, y un gran trabajo de director para tener en cuenta como Peter Strickland.
Alejado del tema de la película, es bastante reconfortante encontrar un sitio como Cine Tonalá, que además de sus eventos culturales, es una respuesta muy bien planificada para el cine en Bogotá, no sólo por sus película, sino por la calidad de su sala, con un sonido e imagen favorables, y en definitiva una opción para ver cine - y otros eventos- en la ciudad.
Zoom in: Seleccionada en varios festivales como Locarno y Sitges, nominada en Bafici y en el British Award a mejor película y actor.
Strickland, es un director fascinado por la cultura de Europa del este, y sus estilos cinematográficos, muchos de ellos con narrativas complejas o abstractas. Berberian Sound..es resultado de uno de los primeros cortos de este realizador
Montaje Paralelo: A Lisbon Story (1995) - Giallo (género) - Mullholland Drive (2001)
Película a la que me invitaron, con la promesa que Tom Cruise moría muchas veces y que tenía un guión entretenido e inteligente, aunque las tres cosas se cumplieron, como es habitual el actor estadounidense termina triunfando y saliendo adelante por encima de la lógica, el guión y hasta de la producción misma; dirigida por el estadounidense Doug Liman, cineasta conocido por iniciar la saga Bourney por sus rentables comedias independientes, igualmente ha sido productor de algunos de sus trabajos y de películas de acción como Sr. y sra. Smith y Jumper.
Liman, que inició estudiando fotografía finalmente optó por el cine aunque sus primeras experiencias laborales estuvieron en la televisión universitaria, creando el canal de su alma mater. Con ocho películas en su haber en casi veinte años de carrera, es un realizador constante en los círculos del cine comercial, y una apuesta segura en taquilla, a pesar de haber iniciado en el cine independiente con pequeños presupuestos es un personaje que se ha desenvuelto con facilidad en grandes producciones, estrellas y sistemas de estudio, con ciertas licencias y "alejándose de las convenciones" como reitera el neoyorquino en algunas entrevistas.
Basada libremente en la novela ligera japonesaAll you need is Kill y en el manga del mismo nombre de Hiroshi Sakurazaka, con guión de Jez y John Henry Butterworth junto a Christopher McQuarrie, quienes reconfiguran y adaptan este trabajo al lenguaje cinematográfico, estructurándolo como un blockbuster de Ciencia Ficción en un futuro cercano, donde los Mimics, una raza alienígena ha invadido la tierra, dejando muerte y destrucción en su intento de colonizarla; sólo el poderío de Rita Vrataski, interpretada por Emily Blunt, ha hecho retroceder a los extraterrestres, o por lo menos, esa es la idea que ha vendido el Coronel Bill Cage (Tom Cruise), previendo el final de esta guerra. Sin embargo, cuando éste es enviado al campo de batalla, un hombre sin experiencia militar, morirá rápidamente, sólo que despertará en el día que fue forzado a unirse a ésta, quedando atrapado un bucle temporal que no entiende, y muriendo una y otra vez en el campo de batalla. Con un guión bien escrito, aunque trabajado a favor de la presencia del personaje de Cruise, bastante lógico en su concepción, vemos como el Coronel Cage, se va haciendo más fuerte y superdotado con cada muerte, sumándosele que a Rita Vratanski, también le ha sucedido lo mismo que al personaje de Cruise, de esta forma descubrirán cómo acabar con esta guerra.
Aunque detrás de las cámaras y luces, esté el cinematógrafo australiano Dion Beebe, nominado y premiado en múltiples ocasiones, principalmente por Chicago y los últimos trabajos de Michael Mann, esta no es una película donde se pueda apreciar demasiado el trabajo de este fotógrafo que ha experimentado con el material de video digital, chromas o pantallas verdes, sin embargo, es un trabajo correcto técnicamente, donde su mayor valor está en los decorados digitales y secuencias creadas por ordenador.
Obviamente, con casi 250 personas en el departamento de artes y un gigantesco diseño de producción, es una película que le da prioridad a estos elementos y a las secuencias de acción ambientadas por la música de Christophe Beck, compositor habitual del cine y la tv, al ritmo de un montaje y edición cercanos a los videojuegos por parte de James Herbert.
Igualmente, no podemos dejar de lado el gran diseño de las armaduras o exotrajes que utilizan lo militares, así mismo como el trabajo de las naves y de los mismos extraterrestres, que si bien recuerdan a las últimas -o varias- películas de ciencia ficción (Independence Day, Elysium y principalmente a la violenta Staship Troopers) tiene su identidad y caracteres definidos, además, -aunque es bastante obvio- no se puede dejar de señalar el homenaje superlativo que se le hace al Día D, no sólo como parte de la narrativa sino por su misma producción, en la que intervinieron más de cuatrocientas personas, para recrear esta épica y monumental secuencia, que se va a repetir durante gran parte del metraje.
La actuación de Cruise junto al hiperbólico personaje encarnado por Emily Blunt, no da pie para grandes interpretaciones, pero por lo menos se aleja de estereotipos propios del género, principalmente el personaje del coronel Cage, que no sólo es cobarde e individualista sino débil en sus propias convicciones, esto se debe en gran medida a la construcción del personaje que igualmente encara Cruise, y lo adapta a la coherencia del relato.
Aunque, se puede destacar la presencia de Bill Paxton y del siempre interesante Brendan Gleeson, la película está entorno a Cruise y Blunt, quienes sin hacer una gran pareja o mostrar gran química en pantalla, funcionan como contrastes o polos opuestos, propios de este tipo de cine, generando no sólo empatia sino giros dentro de la propia narrativa, humor y una cierta progresión dramática, cuando uno necesita del otro.
Entretenida y relativamente bien construida película, que apela al taquillero Tom Cruise, como recurso no sólo de garantía sino de improbable héroe, con una exagerada puesta en escena y acción trepidante que sabe empatar con un guión escrito correctamente, que no niega sus obvia influencias de Groundhog Day, Independence Day y hasta de la misma Matrix para configurar todas estas recetas de éxito en un cóctel de violencia para todo público, humor bien pensado y una correcta sucesión de escenas de acción computarizadas sin atisbo de mensajes o reflexiones amparado por la ciencia ficción.
Un trabajo recomendable para verla con los amigos, un entretenimiento de verano - como finalmente está concebida- que de todas formas, se le debe agradecer un coherente guión, humor y las constantes muertes de Cruise - que en medio de todo, se las arregla para salir victorioso y el gran salvador de la humanidad.-
Zoom in: 11 cámaras filmaban simultáneamente desde distintos puntos de vista 1 Año de investigación y desarrollo llevo diseñar y crear la armadura Exotraje que usaron los actores y dobles en la película.
4,700 Ilustraciones crearon en total diversos artistas para ayudar a visualizar el mundo de Al Filo del Mañana.
La película contó con un presupuesto de 178 millones de dólares
Montaje Paralelo: Groundhog Day (1993) - Starship Troopers (1997) - Independence Day (1996) - The Jacket (2005) - The Butterfly Effect (2004)
