El día de ayer llegó a su fin -por lo menos para Bogotá- el Festival de Eurocine, uno de los festivales más queridos por los cinéfilos colombianos; con Holanda como país invitado y las películas de carretera como foco temático. Con una selección de los mejores largometrajes de los Países Bajos y de Europa en general, este festival que homenajeó a Monic Hendrix y que tuvo como iniciativa, el Eurocine comunitario mostrando de manera gratuita algunos títulos y la integración con personas que no tienen acceso al cine europeo.
Sin embargo, ha sido uno de los años que menos películas he visto de este festival, y donde he tenido la mala fortuna de ver una de las peores películas de la muestra: Las mujeres de Gooi.
Will Koopman (der.) junto a las protagonistas
Precedida de varias nominaciones y premios del cine holandés, esta serie convertida en película e influenciada notoriamente por Sex and the City y Desperate Housewives* y con la producción de una de las personas no sólo más influyentes sino adineradas de la televisión holandesa, elemento que se hace notorio en la publicidad y éxito comercial de esta producción.
Igual o más superficial que sus predecesoras estadounidenses, este cóctel de trivialidades, humor exagerado y situaciones grotescas, sólo se puede describir como un intento - y en este caso un intento victorioso- de cine exageradamente comercial que triunfó no sólo en su país de origen sino en otros países europeos.
El vacío contenido de esta producción sólo es rescatable por la cuidada fotografía y algunas actuaciones, que finalmente se acomodan al estilo de vida de Gooi,- el equivalente de Beverly Hills-.
La directora Will Koopman, que tiene en su haber algunos filmes de suspenso, coloca su nombre para este errático ejercicio de banalidades, en donde Linda de Mol - creadora junto a su hermano de esta serie- y sus otras amigas se pasean por su ciudad y por Paris, intentando ser graciosas.
Como señala el catálogo de Eurocine, esta película trata sobre cuatro amigas, llenas de problemas y que deciden viajar un fin de semana a París, para descubrir la importancia de la amistad.
Zoom in: Serie/película nominada y ganadora de varios premios de comedia y actuación
Vendida a varios países de Europa Linda de Mol - actriz y creadora de la serie- es junto a su hermano, unos de los productores más poderosos de la tv holandesa. Montaje Paralelo: Sex and the city y todas esas carajadas
*Series estadounidenses de gran éxito comercial, pero odiadas en mayúsculas por este blog y servidor.
24 abr 2013
Richard Dumas
"El cine, como la pintura o la literatura, da y toma cosas de la vida, con la diferencia de que la literatura y la pintura existen como arte desde el comienzo; el cine no."
El director surcoreano Park Chang Wook, es uno de los realizadores más representativos y aclamados de la cinematografía de su país, y uno de los más importantes del cine actual; su visión, conceptos morales, estéticos y cinematográficos de oriente se suman a su percepción filosófica del mundo y sus conocimientos desde la crítica fílmica, los cuales se reflejan en sus historias, lenguaje de cine y básicamente en su trabajo como realizador, donde la violencia, la sangre y otros temas considerados moralmente restringidos, Chang Wook, los usa como parte de su narrativa y reproducción lírica.
Con ésta, su última película, el surcoreano, se aleja de la violencia explicita y la venganza como temática, y se acerca mucho más - como en su anterior filme Thrist- a la sangre y decadencia como motores fílmicos, una especie de elementos góticos que se mezclan con las particularidades morales de los personajes, una transformación, inicio, un descenso y renacimiento a partir de sus propios demonios.
Mia Wasikowska (der.) Chung-hoon chung. Dir de Fotografía (centro) y Park Chang Wook (izq.)
A partir del guión de Wentworth Miller (actor de Prison Break), el director surcoreano traduce visualmente este cuento gótico donde la familia y la sangre se mezclan con la gran fotografía de Chung-Hoon Chung y un bello diseño de producción que contrasta con las perversiones de los Stoker.
La última película del consagrado director del Old Boy - y su trilogía de la Venganza- es un thriller oscuro, con la marcada presencia del terror y del cine de vampiros, que va desde el nombre de la familia, recordando al célebre escritor Bram Stoker hasta los elementos de la sangre, el ansía y esa manipulación estética que no sólo está presente en la fotografía, vestuario o interpretaciones sino en la atmósfera y percepción misma del fime, algo así como romper con los paradigmas del género cinematográfico, y en cierta forma Park Chang Wook realiza este filme como respuesta a Thirst, pero invirtiendo los valores y arquetipos del género.
Un argumento que mezcla de forma correcta la perdida de la inocencia, el destino y la naturaleza de un personaje, en este caso India Stoker, interpretada por una acertada y sombría Mia Wasikowska, la cual al perder a su padre y mejor amigo en su cumpleaños número 18, ve cómo se derrumba la estabilidad de su hogar; la llegada de su tío Charlie (Mathew Goode) será el inicio del destino de India, y las respuestas de la familia Stoker.
El cine coreano y sus talentosos directores han empezado a debutar y participar en el cine estadounidense, con el inglés y la moralidad de occidente como base; en el caso de Park Chang Wook, su debut no sólo ha sido bien recibido por crítica y festivales sino que los seguidores del surcoreano, han vuelto a percibir la calidad de su cine en un contexto e idioma diferentes, pero con los matices y cualidades de este directo. Un cineasta que sabe amalgamar los más diversos géneros en un sólo filme, y que engaña de la manera más inteligente al espectador promedio, ubicándonos en una apartada localidad estadounidense, con una estética que recuerda al cine de vampiros, un drama familiar de fondo y las perversiones que afloran con la madurez, el amor y el destino.
El surcoreano, no sólo logra darle una tonalidad al gran guión de Miller-considerado como uno de los mejores guiones que no se habían filmado- sino su propia factura y estilo, que va desde el estupenda y dinámico montaje/edición de Nicolas de Toth, hasta la excelente y lograda fotografía de Chung-Hoon Chung- habitual en el cine del surcoreano-, quien logra imprimir el lirismo de las imágenes con los contrastes del ambiente y personajes, además del color y las composiciones que estimulan la naturaleza del filme; además Clint Mansell, con sus bandas sonoras que trascienden tanto la imagen como las sensaciones del filme, se acomoda a la estética y ambientación de este gótico americano, lleno de los deseo más bajos y las pasiones más oscuras.
Park Chang Wook, no sólo se alimenta de sus propias manifestaciones estéticas, sino que va recolectando diversos fetiches fílmicos e influencias de género, literarias y populares, que no sólo parten del guión sino del conocimiento del surcoreano; algunas tan evidentes y otras que simple y sencillamente muestran su gusto por el cine -Chang Wook, fue crítico y cineclubista-; además es una película llena de simbología, de semánticas que abordan el "dejar la niñez", la naturaleza, el sigilo del cazador; con un tono funerario que no sólo es evidente en la puesta en escena sino en los diverso insertos y elementos que marcan el tono del filme. Es innegable, que las gafas usadas no se parezcan a las del Ansia de Tony Scott, quien funge junto a su hermano Ridley, la producción de este filme, obviamente las características tomadas de la literatura y la fotografía que recuerda a diversos artistas plásticos, las secuencias que perfectamente se le podría atribuir a un Jeunet, y leyendo otros texto, una clara asimilación del cine de Hitchcock, pero llevada a la esencia más oscura y demencial, que caracteriza al surcoreano.
Aunque, no la consideraría una obra maestra de Park Chang Wook, creo que es un debut más que correcto, un interesante trabajo no sólo del surcoreano sino de la cartelera actual, visualmente impecable, y con una historia marcada por el erotismo, el drama y diversos símbolos tanto literarios como cinematográficos sin dejar de lado la simbología misma de la madurez, del destino y de las relaciones filiares. Un excelente debut en Hollywood, con su equipo de trabajo y con las perversiones que en este caso, no sólo funcionan sino que le dan personalidad a este filme. En ciertas forma, esta película parece ser la respuesta formal a su anterior trabajo Thirst, donde los vampiros, la sed, el deseo y la decadencia eran protagonistas, en este caso la sangre sigue siendo el patrón de trabajo pero invierte los paradigmas que usaba en Thirst, y ésto los usa a su favor y la naturaleza misma de la película, logrando no sólo la calidad de ésta, sino el romper las normas de género cinematográfico. Además de los diversos logros, las actuaciones principalmente de Wasikowska y de Mathew Goode, quien encarna al tío Charlie son realmente estupendas y acordes al tono del filme, tal vez el papel de Nicole Kidman, no es el mejor y aunque necesaria con la frivolidad del papel, no llega a la gran calidad de los otros actores.
Zoom in:La película debutó en enero de 2013 en el Festival de Sundance El compositor Philip Glass fue contratado para crear la banda sonora de la película, pero fue reemplazado por Clint Mansell.
"Es demasiado triste que en la vida pueda pasar como en el ajedrez, en el cual una mala jugada puede forzarnos a dar por perdida la partida, (…) en la vida no podemos empezar luego una segunda partida de desquite. En el campo de la ficción hallamos aquella pluralidad de vidas que nos es precisa. Morimos en nuestra identificación con el protagonista, pero le sobrevivimos y estamos dispuestos a morir otra vez, igualmente indemnes, con otro protagonista”.
Autor: Gustavo Chiozza
Editorial: Libros del Zorzal
Año: 2006
Páis: Argentina
Género: Análisis
Esta serie de ensayos sobre diversas películas tiene como fin, mostrar una mirada desde el psicoanálisis, y los conocimientos de Gustavo Chiozza, quien escribe este libro, percepciones muy singulares y subjetivas sobre el cine pero con la validez de la disciplina, en la que está especializado el argentino.
Realmente, los textos del psicoanalista tienen una linea determinada, que en cierta manera, quedan en un limbo, en una frontera entre las dos disciplinas.
Algunos apuntes y textos del libro:
Trama: Según Aristóteles existen dos tramas posibles la física y psíquica, en la primera es la acción la que determina y en la psíquica es el actor, el que genera la motivación; también se puede representar como "el esqueleto sobre el que se construye el argumento".
"Addio mia bella Napoli, Addio, addio La tua soave immagine Chi mai chi mai scordar potr?*"
Película dividida en 6 capítulos con Napoles como fondo pero sin una línea argumental o narrativa en común, dirigida por uno de los maestros del Neorrealismo italiano Vittorio de Sica, quien le imprime no sólo su visión y talento sino un acercamiento al tipismo populista, basado en los cuentos cortos de Giuseppe Marotta. El director italiano, después de haber dirigido sus obras capitales y representativas del movimiento cultural donde obreros y las clase pobres eran retratadas, llevó a la pantalla a mediados de los años 50, este largometraje, que aunque no se aleja de algunas premisas del neorrealismo, en este caso el humor, los sketches y lo popular reemplazan a las problemáticas, frustraciones y principalmente la realidad como reflejo de una sociedad.
Con esta película de Sica, muestra una faceta mucho más comercial y su alejamiento del neorrealismo italiano y del cine de autor, sin embargo, la calidad y pericia tras las cámaras se reflejan no sólo en el humor y narrativa sino en la dirección de actores y sus pequeñas tramas que pasan rapidamente de la comedia al drama, y de la más profunda humanidad que en varios casos nos esbozan una sonrisa o una reflexión sobre un pueblo.
El guión escrito por el mismo de Sica, la fotografía en blanco y negro de Carlo Montuori, y la música de Alessandro Cicognini ambientan este largometraje separado en 6 historias donde prima el humor y la Napoles donde de Sica vivió sus primeros años.
1. I´l guappo
Historia de una familia sometida por Don Carmine (Pasquale Cennamo), mafioso que se "hospeda" en casa de los Petrillo, pero todo cambiará en el momento en el que le diagnostiquen una enfermedad cardíaca. La excelente y cómica actuación de Totó, de sus sketches, el costumbrismo, la unión familiar y la reacción de la familia frente al mafioso en la secuencia final, son elementos que sobresalen en este retrato de una clase social y del folclor de una ciudad.
2. Funeralino Este episodio es el que más se acerca a la estética del movimiento italiano y a la temática del mismo, siendo de cierta manera un relato de pocas palabras e imágenes que emulan el sentimiento de un pueblo y la tristeza de una madre que llora a su hijo fallecido; relato de una carroza fúnebre que recorre no sólo a Napoles sino los estratos y diferencias sociales de éste.
3. Pizza a Crédito Con la imponente Sofia Loren y de un humor populista, este cortometraje de humor y enredos amorosos, un local de pizzas y un anillos de esmeraldas, es el capítulo menos logrado, que reúne de todas formas los elementos cinematográficos del italiano, y la belleza de Sofia Loren.
4. I´l Giocatori Con el propio de Sica, como protagonista, emulando al Conde Prospero B. un decadente y adicto jugador de cartas, el cual encuentra como mayor rival a un hijo de sus empleados, el cual le ganará una y otra vez en las cartas; historia sencilla que marca las diferencias de clases, edades y un reflejo de las personalidades de la ciudad napolitana.
5. Teresa Es uno de los capítulos donde la risa y el drama se unen de forma constante, no tanto como un sketch de humor, sino por la complejidad y costumbrismo del tema donde una prostituta se despide de sus antiguas compañeras para casarse con un desconocido y millonario personaje, el cual ve en Teresa (Silvana Mangano), el personaje en cuestión, una especie de castigo personal, donde la prostituta ve el papel que cumple en la sociedad napolitana, tan crítico como dramático; es uno de los capítulo que hacen reflexionar sobre el papel no sólo de Teresa sino de la mujer en esa época, ciudad y contexto.
6. El profesor El último de los capítulos y el más corto de todos los segmentos es de un inigualable valor en su referencia a lo popular y costumbrismo napolitano; con un sabio de lo cotidiano, enseñanzas de la calle, y un retrato de las clase populares oponiéndose a un anciano burgués prepotente, que encarna la diferencia de clases, todo un pequeño estudio del anarquismo más folclórico de un país.
La Napoles de Vittorio de Sica
Zoom in: Silvana Mangano y Paolo Stoppa recibieron en 1955 sendos premios Nastro d'argento a la mejor actriz protagonista y mejor actor secundario por sus papeles de Teresa y Don Peppino en los episodios «Teresa» y «Pizze a credito», respectivamente.
Primera aparición de Sofia Loren, de las muchas colaboraciones con el director italiano.
Este documental, producido por Keanu Reeves, muestra la revolución que los nuevos procesos digitales han supuesto en la producción cinematográfica. Con entrevistas a conocidos directores, directores de fotografía, estudiantes, técnicos, montadores y distribuidores, el documental examina el impacto en todas las fases de producción de una película, desde el rodaje, el montaje, el telecinado o los efectos visuales, hasta su posterior exhibición e, incluso, el archivo de un largometraje.
En este momento en el que coexisten los procesos digitales y los fotoquímicos, el documental analiza los pros y los contras.
Intervienen reconocidos directores como Steven Soderbergh, James Cameron, David Lynch, Richard Linklater, Martin Scorsese, los hermanos Wachowski, Christopher Nolan, David Fincher, George Lucas, Lars von Trier y Danny Boyle, entre otros.*
"Porque el dinero ha cambiado. Toda riqueza se ha convertido en elemental. No existe otro tipo de realidad. El dinero ha perdido la cualidad narrativa, como le pasó a la pintura en su momento."
La última película del director canadiense David Cronenberg, ha recibido, las más disimiles críticas tanto por parte del público, especialistas y lectores, no sólo por la adaptación de uno de esos libros que se les denomina inadaptables sino por el mismo libro, que en su momento recibió críticas tan disimiles y apasionadas como esta adaptación fílmica.
El universo Cronenberg, ha cambiado tanto en forma como en estilo, pero en el fondo el canadiense sigue haciendo cine sobre monstruos y malformaciones, sólo que son a nivel psicológico o discursivo en este caso, y en sus películas de los últimos años; siendo ésto la gran peculiaridad e interés por el cine del director de la Mosca o Deadringers- por citar algunas.-
Adaptación al pie de la letra de un libro inadaptable y complejo, que como ya había hecho con Naked Lunch, el señor Cronenberg escribe el guión asumiendo los riesgos y encontrando el modelo entre las letras y el celuloide; el director canadiense en este caso absorbe los diálogos y argumentación del escritor Tom de Lillo, y los pone en la imágenes realizadas con cámaras digitales y bajo la fotografía del habitual Peter Suschitzky, y su grupo de trabajo, su hermana Denise y Howard Shore, en la música no pueden faltar.
Ejercicio intelectual que resulta pretencioso pero acertado como extensión o adaptación literaria, tanto así, que Cronenberg, no de desliga nunca del libro, no sólo en diálogos y argumentación sino en la misma narrativa y densidad literaria, algo así como si el canadiense hubiera pensado mucho más en el lenguaje del libro y no en el fílmico, además adopta la no linealidad de los personajes/secuencias y abstracción del mismo, que en cierta medida se plantea mucho más como un ejercicio experimental -al estilo de Naked Lunch- al fusionar y casi amalgamar literatura/celuloide.
Pero, más allá de eso, la película puede resultar forzada para personas que no son asiduas al cine de Cronenbeg o quien esté buscando una adaptación literaria en el sentido más básico y estructural de la palabra. Es un largometraje lleno de simbolismo, de discursos sobre el capitalismo en su punto más álgido y caótico, y como el libro, un discurso casi profético sobre la actualidad económica del mundo, la superficialidad y el vacío, que encarnan perfectamente en el papel de Robert Pattison, quien realmente lo hace bastante bien, y que su propio contexto de "estrella" funciona en la piel de Erick Packer, un joven multimillonario que parece el estereotipo/arquetipo del capitalismo brutal reinante, y como en el cine de Cronenberg, una deformación moral y ética del hombre moderno.
Bajo la premisa de una odisea por una Nueva York colapsada frente a la inminente caída del capitalismo, la visita del presidente, la marcha fúnebre de una estrella de rap y las manifestaciones de unos activistas, Erick Packer, un multimillonario y joven genio de Wall Street, decide ir al otro lado de la ciudad, para hacerse un corte de cabello, no sólo a su peluquería favorita sino un regreso a su estado primigenio, a sus raíces. Aunque la película se pueda resumir en una cuantas líneas, y sea evidente el trasfondo crítico al capitalismo, tiene las mismas complejidades que han obsesionado al director canadiense y los cuestionamientos sobre la sociedad moderna que se hace de Tom de Lillo; lo orgánico, la cibertecnología, el desarraigo humano y las dualidades se hacen visibles durante el metraje. Metraje que con su equipo de trabajo habitual, con las destacadas actuaciones de Pattison, Giamatti y un reparto de lujo, en fugaces apariciones (Juliette Binoche, entre otros), conforman este cerebral y "literalizado" conjunto fílmico.
Creo que como experimento o aún como adaptación es un trabajo interesante; pretencioso pero fiel a los cánones literarios o las estructuras propias de un libro de gran densidad, con varias referencias a lo abstracto y el caos como eje, pero que finalmente como elemento fílmico, no logra generar no sólo empatia sino coherencia como relación cinematográfica; aún así sus diálogos y discursiva es tan poderosa como la limosina- una especie de centro de operaciones, nave y burbuja del capitalismo más salvaje- en la que viaja el joven multimillonario, en esta odisea por el desastre económico mundial. Tal vez, una de las películas menos logradas junto a Stereo, y que menos me ha gustado desde Existenz, aún así el conjunto Cronenberg - Shore - Suschitzky, las actuaciones y principalmente los diálogos le dan cierta personalidad y estilo a este filme, que aunque puede parecer fallido o errático, se la juega por un tono experimental o alejado de una narrativa cinematográfica, y mucho más cercana al mundo literario con imágenes digitales como excusa. Zoom in: Selección Oficial en Cannes y Sitges Montaje Paralelo: A dangerous Method (2011) - Crash (1996)
El cine de Roman Polanski, ha pasado por diversos géneros, críticas y temáticas que pareen estar al corriente de la vida del director/actor polaco, con elementos recurrentes no sólo visualmente sino en sus diálogos, personajes y estilo cinematográfico; un director que coloca a las relaciones humanas en su punto más oscuro, extraño o dramático sin dejar de lado el contexto narrativo y humor negro que caracteriza al propio Polanski.
El sufrimiento y desdicha ha sido parte de la naturaleza del director polaco nacido en Francia, en plena toma del poder por parte de Hitler; su vida se ha visto marcada por diversas tragedias que no sólo han afectado el desarrollo de ésta sino en la personalidad de su cine.
1974, es un año que abre la puertas no sólo a una de las mejores películas de Polanski sino un regreso triunfal después de dos películas que no fueron muy bien recibidas en los Estados Unidos, el asesinato de su esposa Sharon Tate y un periodo de inactividad.
Chinatown, película inspirada en una serie de conflictos entre la ciudad de Los Angeles, agricultores, ganaderos del Valle de Owens y los ambientalistas por el suministro del agua, conocidos como: "La Guerra del Agua de California"; ambientada en los años 30, este thriller con un estilo Noir, de sólidas actuaciones, gran fotografía y música, es en cierta forma una mirada europea a esas ciudades y espacios del olvido o para olvidar de los Estados Unidos, una certera visión de un Roman Polanski que genera un cine negro,donde lo ambiental toma una relevancia, en una época donde poco se hablaba del tema. Este relato de engaños, traiciones, incesto, agua y hombres poderosos escrita por Robert Towne, es una muestra coherente de cómo escribir un guión, narrativa clásica y estructurada en los arquetipos del cine negro pero con la mirada y personalidad tanto de Towne como la dirección de Polanski, quien a final de cuentas es la mano que genera el estilo y forma modelado a través de la naturalista y luminosa fotografía de John A. Alonzo y música de Jerry Goldsmith,m quien captura no sólo la esencia del filme y época sino del Hollywood clásico, el cual es asumido por el director polaco, generando un épico retrato de un período y género cinematográfico.
A finales de los años 30, el detective Jake Gittes (Jack Nicholson), es visitado por la supuesta esposa del ingeniero a cargo de la Compañía de agua de la ciudad, Hollis Mulwray, lo que en un principio parece ser un caso de infidelidad, se termina convirtiendo en todo un complot, cuando aparece la verdadera esposa del ingeniero y éste aparece muerto en la represa. Los secretos, las intrigas no parecen alejarse de Gittes, y éste será contratado por Evelyn, la verdadera esposa de Mulwray (Faye Dunaway) y su padre, el rico terrateniente Noah Cross (John Houston), las mentiras, delitos y engaños no sólo políticos o ecomómicos sino familiares encerraran todo un cuadro que como en Chinatown, no lo podrá olvidar el personaje de Nicholson.
Con un reparto de lujo, encabezado por Nicholson, quien aunque famoso, con esta película muestra lo mejor de sus dotes interpretativos, sus característicos rasgos y diálogos hacen de este personaje, uno tan icónico como la misma película; el genial director John Houston representa al villano de turno, y tomando los personajes de sus propias películas genera a este terrateniente de afable sonrisa pero de un oscuro y ambicioso pasado; y una Faye Dunaway, que marca el espíritu del filme, llena de contrariedades, secretos y vericuetos personales.
El impecable guión de Towne y la acertada visión europea de Polanski, conforman este conjunto fílmico, lleno de grandes interpretaciones, fotografía y música, que guarda una notable idea sobre el medio ambiente, en este caso el agua potable, la ambición y los deseos, cuando van más allá de la oscuridad interior de los personajes.
Cine de alta factura, que encumbró de nuevo al director polaco, y que dejó una de las mejores películas no sólo de la década del 70, sino posiblemente del cine en general por su destacada puesta en escena, que va desde la genial y nominada fotografía de Alonzo hasta la ambientación que logra el director de arte W. Stewart Campbell. Sin olvidar, que el agua, en este caso es el motor narrativo y simbólico de la película, estando presente no sólo como punto de referencia de la historia sino como elemento fílmico, en el sonido, imagen y respuesta al misterio.
Con un final, aunque abrupto, coherente con el relato y cercano al estilo de Polanski; un final donde los malos no reciben castigo, y mueren los héroes, un final digno de Chinatown.
"Olvídalo, Jake. Es Chinatown"
El cameo de Polanski, y haciéndole a Nicholson una de las heridas más icónicas del cine
Zoom in: Nominada en 11 categorías de los Premios Oscar, y ganadora a mejor guión original, y ganadora en los Globos de Oro y Bafta a mejor película, director y actor principal. Montaje Paralelo: L.A Confidential (1997)
.jpg)
