Mogwai es una banda escocesa de post-rock formada en 1995, llegando a ser una de las bandas de
post-rock más conocidas. Su nombre se debe a la criatura de la película Gremlins,
que significa "espíritu maligno" en cantonés.
Su música consiste en largos temas instrumentales a
base de guitarras, siguiendo la tradición dentro del post-rock, alrededor de
una melodía inicial; también son conocidos por su tendencia a intercalar
pasajes tranquilos con pasajes más fuertes de una forma muy dinámica, con riffs
de bajo muy definidos y un sonido más bien introspectivo, a ratos oscuro y a
ratos potente y soberbio.
Película francesa sobre la posguerra de la 1era guerra mundial, sus consecuencias e infortunios reflejadas en 3 personajes que finalmente guardan una relación relativamente cercana: un militar de alto rango que busca identificar los cadaveres de la guerra, una dama de alta sociedad y una maestra que buscan a su respectiva pareja, desaparecidos en combate.
El multifacético director francés, Bertrand Tavernier llevó a la pantalla a finales de los 80, esta representación bélica de la 1era guerra mundial como trasfondo a una historia de amor tan compleja como los resultados de la propia guerra; además el filme muestra las hipocresías y contradicciones de la guerra y de los alto mandos militares.
Una película con una excelente ambientación y puesta en escena , actuaciones y música (algo frecuente en el cine del francés), con un guión líneal e inteligente, que tiene como punto de referencia al "Soldado Desconocido" símbolo de la guerra e ícono de la despersonalización de los demás soldados : http://es.wikipedia.org/wiki/Tumba_del_soldado_desconocido y muchas de las perdidas, dramas y desamores de la guerra. Como en toda gran película de guerra, prima el mensaje antibelicista y un cierto aire reflexivo y pesimista sobre la humanidad.
Zoom in: Premiada con los César (Oscar Franceses) en actuación y música, y reconocidad en varios festivales.
Inicio del díptico sobre la 1era guerra Mundial
Montaje Paralelo: A very long engagement (2004) - Le crox de Bois (1932) - 1era Guerra Mundial
Videoinstalación (video grabado de la instalación)
Galería 303 New York
Autor: Doug Aitken
Título: Sleepwalkers
País: USA
Duración: trailer 1min.
Videoinstalación
La labor artística de Doug Aitken se desarrolla entre Los Ángeles y New
York, abarcando disciplinas como la fotografía, la escultura, la
instalación, la intervención vídeo sobre estructuras arquitectónicas, el
videoarte (single y multichannel) o el happening. En los años noventa Aitken realizó también algunos videoclips para cantantes y Dj como Iggy Pop o Fatboy Slim
En 1856, Carroll descubrió una nueva forma de arte, la fotografía,
primero por influencia de su tío Skeffington Lutwidge, y más tarde de su amigo
de Oxford Reginald Southey y del
pionero del arte fotográfico Oscar Gustav Rejlander.
Éste alcanzó pronto la excelencia en este arte, que
convirtió en expresión de su personal filosofía interior: la creencia en la
divinidad de lo que él llamaba belleza, que para él significaba un estado de
perfección moral, estética o física. A través de la fotografía, Carroll trató
de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde
el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de
culpa. En su mediana edad, esta visión se transformó en la persecución de la
belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida.
Carroll abandonó repentinamente la fotografía en 1880. Después de 24 años,
dominaba completamente el medio, disponía de su propio estudio en el barrio de
Tom Quad, y había creado unas 3.000 imágenes. Menos de 1.000 han sobrevivido al
tiempo y a la destrucción intencionada. Dodgson registraba cuidadosamente las
circunstancias que rodeaban la creación de cada una de sus fotografías, pero su
registro fue destruido.
Es contradictoria mi posición frente a Blow Up de Antonioni, por un lado creo que la fotografía y las magistrales composiciones de Carlo Di Palma (aunque conceptualmente es puro Antonioni) al igual que la edición y ritmo (visual) son estupendas y es un claro e interesante retrato del Londes de los años 60´s; aún más lo mejor de Blow Up, es la sensación de estar en una constante fotografía que sólo cambia de escenarios, pero aún así la narrativa y la historia en general son tan particularmente Antonioni, que más allá de confundir, la historia abre tantas posibilidades, menos una "dentro de la película" es multinterpretativa pero abre más un vacío narrativo (que parece estar más allá del mismo público). A pesar de todo, y que no sea un particular admirador de Antonioni, de lejos no sólo "puede" ser la mejor del italiano y la fotografía en este caso supera cualquiera de los prejuicios que tenga sobre este director.
Obviamente es inevitable dejar en el tintero que Blow Up, está basada libremente en las Babas del Diablo de Cortazar, quien además hace un cameo (fotográfico) en la película, además el protagonista se basa en un célebre fotógrafo de modas inglés.
Blow Up tanto en su estreno como hoy en día, es una película que despierta sensaciones contradictorias, un filme de amores y odios por igual; de la que se ha escrito bastante y se abren muchos interrogantes y algunos puntos en común sobre la interpretación de la imagen y la línea entre la fantasía y la realidad como un elemento fotográfico (qué pasaría si? - la ampliación de la fotografía (Blow ups) llevan al ojo a percibir elementos que dificlmente se verían e a primera vista, etc)
Sin embargo, subjetivamente alabo la genial estética del filme y me reservo frente a la historia y narrativa, puntos que con Antonioni aún no logro adaptar.
Crítica: Seguramente conocerán Vds. esa leyenda urbana que afirma que una vez un
tipo vio una película de Antonioni hasta el final. Evidentemente es un
bulo, porque las películas del director italiano son tan densas, y los
temas que tratan poseen tal gravedad, que nada -ni la luz, ni el tiempo,
ni el aburrimiento- puede escapar a su fuerza de atracción; por tanto
carecen de todo principio o final, y son, consecuentemente, infinitas y
eternas, como Dios o la resaca de la sangría. Uno no ve una película de
Antonioni: es absorbido por ella. Una sinopsis estándar de ésta diría
algo así como: "Durante un verano del Swinging London de los 60, un
fotógrafo de modas cree haber registrado un asesinato con su cámara. Su
deseo de conocer qué ocurrió en realidad le llevará a un viaje…", etc.
Sin embargo, como no podía ser de otra forma estando basada en un cuento
de Cortázar, en esta película hasta la realidad es engullida por un
agujero negro. De modo que, siguiendo la lógica cuántica, hay en ella un
crimen sin víctima, una trama sin acción, efectos sin causa y una
historia sin sentido. Por todo lo cual resulta indefectible y
absolutamente hipnótica. (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)
Zoom in: 1era película e inglés y fuera de Italia de Antonioni Posteriormente al estreno de la película, el director confesó que
necesitaría otra película para explicar el significado de la misma (Wikipedia) Palma de Oro en Cannes (1966) entre otros
Montaje Paralelo: Peeping Tom (1960) - Ventana Indiscreta (1954)
Tomada de una obra de teatro, 12 Angry men es la posición moral y de justicia que 12 jurados deben decidir sobre la vida de una joven condenado por la supuesta muerte de su padre, y en cada uno de estos hombres reflejará las ideas de una sociedad.
Una de las más importantes obras de Sidney Lumet, y básicamente del cine clásico, no sólo por la calidad argumental o las interpretaciones de los 12 personajes, sino por la acertada crítica al sistema judicial americano y en términos reales a la sociedad como tal; cada uno de los personajes es un microcosmos de las sociedades pasadas, actuales y futuras, una personalidad a grandes rasgos de la humanidad, y en este caso un reflejo de las posiciones socio-políticas de Estados Unidos.
Además, es de gran valía su calidad técnica (en un espacio tan reducido), movimientos de cámara, y una fotografía que resalta las expresiones de los personajes, de cierta manera; toda una lección de cine tanto en lo técnico como en lo conceptual.
Cabe resaltar las actuaciones de Henry Fonda y Lee J. Cobb, las dos caras de la moneda, líderes con posiciones opuestas (blanco y negro, literalmente - algo maniqueísta- por los trajes de los personajes), pero en líneas generales cada uno de los actores representa de forma natural y acertada la posición política y social que debe asumir, obviamente en gran parte esto se debe a la estupenda dirección del señor Lumet, )de quien he visto su début y su última película)
Zoom in: début de Sidney Lúmet
multinóminada y premiada película tanto en los Oscar, BAFTA entre otros.
Libro colombiano que recopila no sólo la información de los pioneros de la daguerrotípia en Colombia, sino el material fotográfico y de cierta manera un recorrido histórico de la sociedad europea y colombiana frente a este porceso tecnológico.
Con un acertado contexto histórico social, político, tecnológico y artístico; la recopiladora y autora de este libro nos acerca al desarrollo del proceso y arte de los incios de la fotografía, en este caso, el Daguerrotipo. Un gran ejemplo de ensayo histórico y muestra fotográfica por parte de la señora Pilar Moreno de Ángel, quien en la mayor parte del libro muestra sus propias colecciones y recopilaciones al servicio del lector, con un lenguaje literario, bastante conocedor de la época e historia y con una visualización del material fotográfico, pictórico y relacionado al desarrollo de la época tanto tecnológico como artístico.
"el valor estético de una película, aquello que nos queda cuando la vemos, nadie nos lo puede robar".
Ensayo audiovisual sobre los conflictos de interés de productores, empresas y demás frente a la creatividad de los directores y la propiedad moral de sus obras.
En 'Cineastas contra magnates' Carlos Benpar hacía una defensa de los
Derechos Morales del Autor Cinematográfico frente a las manipulaciones
que el medio audiovisual hace de la obra cinematográfica. En esa misma
línea está su documental 'Cineastas en acción', por el que desfilan,
entre otros, Bertrand Tavernier, Sydney Pollack, Bernardo Bertolucci,
Woody Allen o Bigas Lunas. Una cinta que se estrenará el próximo
viernes, con la que Benpar intenta concienciar al espectador para que
descarte el doblaje, los cambios de formato o las versiones coloreadas. (http://noticias.cine.hispavista.com/n748-carlos-benpar-denuncia-la-manipulacion-de-las-peliculas-y-defiende-las-version-original-en-cineastas-en-accion-)
Con un estilo de ensayo, con una presentadora (Marta Belmonte) que hace eco de las ideas del director y de los cineastas, este trabajo audiovisual es un referente al proceso de apropiación de los derechos que los realizadores, no sólo tiene sino que deben ejercer en sus materiales audiovisuales de cierta manera es un documental sobre las alteraciones que el medio audiovisual ha incluido
en la cinematografía, desde el cambio de velocidad de las películas
mudas hasta el coloreado electrónico de films rodados en blanco y negro,
visto desde la perspectiva de la lucha que suele enfrentar al espíritu
creador contra el manipulador y que, ante todo, pretende ser un
manifiesto en defensa de los derechos morales del autor cinematográfico
sobre su obra frente a las manipulaciones a las que "obliga" el medio
audiovisual.(wikipedia). Con entrevistas realmente valiosas y testimonios que identifican las diversas complejidades y alteraciones que sufren los cineastas (a nivel mundial) en sus producciones desde las intervenciones estéticas hasta las culturas propias de sus espectadores.
Carlos Benpar recorrió miles de kilómetros con su cámara para obtener
los testimonios de los realizadores que más han luchado por defender los
derechos morales de los creadores sobre sus obras, una vez que éstas
están terminadas y empiezan su vida de manera independiente. Cineastas
como Sydney Pollack, Woody Allen, Liv Ullman, Arthur Penn, Luis García
Berlanga, Richard Fleischer, Jack Cardiff, Stanley Donen y otros hablan
en el largometraje sobre las incidencias de las manipulaciones que
cometen contra sus películas distribuidores, exhibidores y televisiones.
A través de los argumentos de los cineastas, que se enlazan en un juego
de montaje donde da la sensación de que el personaje en pantalla
conecta con el anterior tras escuchar su alegato, Benpar muestra las
atrocidades que sufren las películas desde los orígenes del cine hasta
la actualidad. (http://www.elpais.com/articulo/cine/manipulacion/cinematografica/elpporcul/20050715elpepicin_3/Tes)
Citizen Kane tiene por lo menos dos argumentos. El primero, de una
imbecilidad casi banal, quiere sobornar el aplauso de los muy distraídos. Es
formulable así: un vano millonario acumula estatuas, huertos, palacios, piletas
de natación, diamantes, vehículos, bibliotecas, hombres y mujeres; a semejanza
de un coleccionista anterior (cuyas observaciones es tradicional atribuir al
Espíritu Santo) descubre que esas misceláneas y plétoras son vanidad de
vanidades y todo vanidad, en el instante de la muerte, anhela un solo objeto
del universo ¡un trineo debidamente pobre con el que en su niñez ha jugado! El
segundo es muy superior. Une al recuerdo de Koheleth el de otro nihilista: Franz Kafka. El tema (a la vez metafísico y policial, a la
vez psicológico y alegórico) es la investigación del alma secreta de un hombre,
a través de las obras que ha construido, de las palabras que ha pronunciado, de
los muchos destinos que ha roto. El procedimiento es el de Joseph Conrad en
Chance (1914) y el del hermoso film The Power and the Glory:
la rapsodia de escenas heterogéneas, sin orden cronológico. Abrumadoramente,
infinitamente, Orson Welles
exhibe fragmentos de la vida del hombre Charles Foster Kane y nos invita a
combinarlos y a reconstruirlo.
Las formas de la multiplicidad, de la inconexión,
abundan en el film: las primeras escenas registran los tesoros acumulados por Foster Kane; en una de las últimas, una pobre mujer
lujosa y doliente juega en el suelo de un palacio que es también un museo, con
un rompecabezas enorme. Al final comprendemos que los fragmentos no están
regidos por una secreta unidad: el aborrecido Charles Foster Kane es un
simulacro, un caos de apariencias (corolario posible, ya previsto por David
Hume, por Ernst Mach y por nuestro Macedonio Fernández: ningún hombre sabe
quién es, ningún hombre es alguien). En uno de los cuentos de Chesterton – The Head of Caesar, creo -, el héroe observa
que nada es tan aterrador como un laberinto sin centro. Este film es
exactamente ese laberinto. Todos sabemos que una fiesta,
un palacio, una gran empresa, un almuerzo de escritores o periodistas, un
ambiente cordial de franca y espontánea camaradería, son esencialmente
horrorosos; Citizen Kane es el primer film que los muestra con alguna
conciencia de esa verdad.
La ejecución es digna, en
general, del vasto argumento. Hay fotografías de admirable profundidad,
fotografías cuyos últimos planos (como las telas de los prerrafaelistas) no son
menos precisos y puntuales que los primeros. Me atrevo a sospechar, sin
embargo, que Citizen Kane perdurará como
“perduran” ciertos films de Griffith o de Pudovkin, cuyo valor histórico nadie niega, pero que
nadie se resigna a rever. Adolece de gigantismo, de pedantería, de tedio. No es
inteligente, es genial: en el sentido más nocturno y más alemán de esta mala
palabra.
Jorge Luis Borges – Revista Sur Nº 83, agosto de
1941.
Una muestra sensible e inteligente sobre el conflicto árabe-israelí, con un campo de limones como metáfora sobre los problema de poder (político) sobre las demás personas, en este caso Salma, una viuda abnegada que ve en su limonar, el espíritu de un conflícto de nunca acabar.
Con una gran fotografía e historia sencilla y bien direccionada, tanto en lo emocional como en lo narrativo, este filme apropia tal metáfora y la hace participe del funcionamiento mismo de la narratividad, encontrando en Hiam Abbas (Salma), el perfecto espejo de la problemática, del conflicto, y de la situación de la mujer, en el adusto y bello rostro de la actriz árabe-israelí, quien es el peso emocional e interpretativo.
Un interesante largometraje, que el director israelí Eran Riklis (La novia Siria), logra obtener las dos miradas (en este caso femeninas) sobre el conflícto y los absurdos de tal situación.
Zoom in: Varios premios internacionales, principalmente por la actuación de Hiam Abbas
Jenny, una atractiva y brillante estudiante de 16 años (Carey Mulligan)
que vive en un tranquilo barrio londinense, sólo piensa en estudiar para
poder ir a Oxford. Pero un día conoce a Brit (Peter Sarsgaard), un tipo
seductor de 35 años, que la corteja con cenas elegantes, clubs y viajes
con sus divertidos amigos Danny (Dominic Cooper) y Helen (Rosamund
Pike). Así las cosas, las convicciones de Jenny se tambalean y se verá
obligada a elegir entre seguir con Brit y su ajetreada vida o bien ir a
la Universidad. (FILMAFFINITY)
Aunque las interpretaciones son bastante buenas, y en conjunto se puede hablar de una película bien hecha, An Education, es una película que se ha visto varias veces, sólo que en este caso el factor moral y algunos elementos estereotipados se reemplazan por personajes más sofisticados, y aunque es de agradecer tales elementos, como resultado es una película, -que sólo por sus "sorpresivas" nóminaciones al Oscar-, aústera en narrativa o propuesta.
Caben resaltar las actuaciones de Carry Mulligan (tal vez lo mejor del filme), y del siempre multifacético Alfred Molina. Un tipo de cine que a pesar de la gran fotografía y demás elementos, me parece cine "lección de vida" y que la novedad está en los personajes principales y sus conflictos. Es un tipo de historia "fantasía" de niñas burguesas - intelectuales. Lo mejor que tiene este filme, son las nóminaciones por la actuación de la prometedora Carry Mulligan y la átmosfera y ambientación años 60´s siendo lo más representativo en lo personal, en este filme.)
Dirigida por el danés Lorne Scherfing.
Zoom in: Basada en un artículo autobiográfico de la periodísta Lynn Barber
Desde 1968 este director ha hecho más de 30 películas e instalaciones, la mayoría de estos experimentos fílmicos son cuestionamientos y preguntas acerca de la naturaleza del espacio, tiempo y luz, con un carácter matematico y la influencia de los cineastas estructuralistas.
Anna, una rica joven romana, su novio y Claudia, su mejor amiga, se
embarcan en un crucero veraniego entre las escarpadas islas
sicilianas... (FILMAFFINITY)
A pesar de la gran fotografía e interpretaciones, La Aventura no es un filme que particularmente me haya dejado una gran impresión sobre la filmografía de Antonioni, -director del que no soy particularmente seguidor- Sin embargo, el elemento mismo de la desaparición del personaje principal, algunos diálogos y escenas (principalmente la final) y las mujeres que aparecen en el filme, logran que la película del italiano sea soportable.
Zoom in: en su estreno, en el Festival de Cannes, fue abucheada y criticada por el público, y los críticos y otros expertos decidieron darle otra oportunidad y a partir de este hecho empezó a recibir mejores críticas y ganancia, y ser considerada una "obra maestra" del cine.
