Drácula: Fotos de rodaje

De izq. a der. Tod Browning, Bela Lugosi y Horace Liveright (Productor de Broadway) y Dudley Murphy

Drácula: El "Universal" terror de Bela Lugosi

                                       "Listen to them, the children of the night. 

                                        What music they make!"

Una de las películas míticas de la Universal (Studios), dirigida por Tod Browning, fotografiada por Karl Freund (el cameraman del expresionismo alemán) y la actuación de Béla Lugosi, conjunto que hizo de ésta, una obra de culto del terror y una figura icónica de la cultura popular y cinematográfica como la del Conde Drácula, pieza que fue masterizada y reeditada para su 75avo aniversario, que además de la restauración de ésta, tenía unos extras de lujo y la música de Kronos Quartet, la cual fue la versión que vimos.

Sin embargo, antes de reseñar esta obra, debemos escribir sobre el estadounidense Tod Browning, director que participó tanto en el cine mudo como el sonoro, y una de las figuras claves del cine de terror de los años 30 y 40, sin dejar de lado que en su larga producción - más de 60 películas- pasó por diversos géneros, estilos y formatos. Browning, de esos directores que fueron cayendo en el olvido por su películas más famosas -Freaks y Drácula, fueron fracasos de taquilla u obras no satisfactorias, que ahora son de culto- igualmente fue un cineasta que colaboró en sus inicios con D.W Griffith, fue guionista y un prolífico realizador que encontró en los monstruos, el circo y las tragedias la inspiración para su obra, pero que infortunadamente, también se reflejaron en su vida, llena de altibajos, un reconocimiento tardío, que como sus monstruos, sólo en la tumba encontraron la fama.

El guión de Garrett Fort, es la adaptación teatral de Deane y Balderstone, quienes fueron los "primeros" en trasladar a otro contexto, la novela de Bram Stoker; donde un abogado llamado Reinfield (Dwight Frye) viaja a Transilvania para hacer negocios con el Conde Drácula, temido por los habitantes de la región, quienes le advierten al abogado de los peligros entorno a este personaje que habita en un castillo en lo profundo del bosque; Reinfield, hará caso omiso a tales advertencia y será llevado por un inusual coche hasta el castillo, donde será recibido por Drácula (Bela Lugosi), un misterioso hombre, que desea viajar a Inglaterra. Reinfield, será hipnotizado y atacado por Drácula, el vampiro...

Reinfield - ya esclavizado- viaja junto a Drácula en un goleta Vesta, barco que llegará a Londres, con toda su tripulación muerta, a excepción del abogado, que ha caído en la absoluta locura y un par de ataúdes, en el que se encuentra el muerto en vida. Reinfield, será llevado al sanatorio del Doctor Seward, el cual queda cerca a la Abadía donde se ha establecido Drácula; y noches más tarde éste se encontrará con el doctor, conocerá a su hija Mina (Helen Chandler), a su prometido y una amiga; Dracula se obsesionará con la joven Mina, atacará a Lucy Weston, la amiga y se convertirá en una pesadilla para esta familia. Sin embargo, la presencia del profesor Van Helsing (Edward Van Sloan), un experto en casos extraños y vampirismo, será el perfecto adversario y final de Drácula. Historia ya conocido para nuestra generación por sus diversas adaptaciones y tributos, que no varía demasiado al de otras producciones, sin embargo, es este largometraje el que le da esa esencia "gótica", de elegancia e histriónica, no sólo por parte de Lugosi, sino por el mismo manejo de las cámaras, fotografía, composición narrativa y estilo de la obra, que se terminará convirtiendo en influencia y base para los demás nosferatus.

Karl Freund, fue uno de esos exiliados que por su talento y experiencia, pudo mostrar en Hollywoood no sólo sus capacidades sino toda una forma de expresar a través de la fotografía, como ya lo había hecho en Alemania con la UFA, como camarógrafo de Pathé  y uno de los padres "formales" del expresionismo alemán. Este cinematógrafo de larga experiencia pero más bien de una corta filmografía, fue en esencia un creador y quien solucionaba los defectos técnicos que tenía a su paso, un cineasta que con pocos recursos generaba grandes atmósferas, y que conocía a la perfección el material fotográfico. logrando no sólo esos impresionantes contrastes, camafeos o tenebrismo sino toda una suerte de narrativa a partir de la luz, la sombra y composiciones. Sólo cabe recordar esos primeros planos del rostro de Lugosi, la escena inicial en las escaleras del castillo y las "hipnosis" de Drácula a partir de una luz improbable, pero que no sólo sn efectivas enestas obras, sino que fueron de gran importancia para el cine noir y el terror de las siguientes décadas.

En este caso, obviamos la música original y nos decantamos por la composición de Kronos Quartet y Phillip Glass, que ya de por sí es una combinación efectiva, marcada por el sonido de cuerdas de este cuarteto que ha participado en diversas bandas sonoras, con su música clásica contemporánea tan narrativa, dramática y sólida que refuerzan aún más el estilo de esta película, en resumidas cuentas, un trabajo esencial y más que recomendable, de un conjunto que ha hecho de sus bandas sonoras, verdaderos clásicos inmediatos. A pesar del bajo presupuesto, y que su puesta en escena ha envejecido hasta cierto tono paródico, igualmente es destacable el trabajo de Charles D. Hall, un decorador y director de arte, que principalmente trabajó para la Universal y que a la vez creo ese universo tan característico de esas obras de terror y suspenso.

Obviamente no podemos dejar de lado la actuación de Bela Lugosi, que en cierto modo es el icono de esta obra por sus movimientos, histrionismo, fuertes facciones y los superlativos manejos de su cuerpo, que a pesar de exagerar su papel, son estos puntos los que refuerzan la iconicidad del mismo.

Un trabajo esencial para conocer ese género del terror de la Universal, que si bien puede parecer un poco ridículo en esta época, es de un gran valor referencial, que ha hecho mella en la cultura popular y que es vital para la figura de Drácula y su estilo que permaneció por varias décadas, igualmente porque es una obra que técnicamente puede ser bastaste desprolija, pero su fotografía y decoración, son además de imponentes, de una gran recursividad, y en el caso de Freund, una absoluta influencia para los géneros venideros. Tal vez, no podamos hablar de una obra de arte o de calidad, pero sí una película de culto . y fundamental para la cultura del cine y popular.

Zoom in:  En 1930, los derechos de la novela y la obra de teatro fueron adquiridos por el estudio Universal Pictures. El productor Carl Laemmle, Jr. escogió al director Tod Browning para que se hiciera cargo de la adaptación cinematográfica. Browning había trabajado anteriormente en otras cintas del estudio. La primera opción de los productores para interpretar el papel de Drácula recayó en el actor Lon Chaney, quien tenía una larga trayectoria con Universal. Sin embargo, su fallecimiento los obligó a buscar otra opción. El actor escogido fue Bela Lugosi, quien repitió su papel de la versión teatral.  El estudio eliminó quince minutos de la película. (1)


Montaje Paralelo: Universal - Nosferatu 

(1) https://es.wikipedia.org/wiki/Dr%C3%A1cula_(pel%C3%ADcula_de_Tod_Browning)

Cine en papel: Plan 9 from Outer Space, el cómic

Adaptación en papel de la considerada "peor película de los todos los tiempos" Plan 9 from outer space; este cómic a modo de homenaje publicado por Malibú Graphics con guión de John Wooley e ilustrado por Stan Timmons y Bruce McCorkindale, quienes se toman ciertas libertades no sólo por el "aguante" del papel sino por el hecho de hacer un poco más coherente a este obra donde los extraterrestres revivían a los muertos convirtiéndolos en zombies asesinos, todo esto para poner en equilibrio al Universo, ya que lo humanos parecen ser la gran amenaza al construir, en un futuro, el solarita, una arma que puede destruir el universo entero.

En blanco y negro, con una larga presentación del porqué se realizó este cómic, este trabajo no sólo se apropia del mundo de Ed Wood, sino que inserta ciertas mejoras de "diseño" como las naves espaciales y los escenarios, pero sin dejar de lado lo que hizo famosa a esta película.

Conversatorio con Federico Durán, productor de Alias Maria

"La taquilla de cine no da plata.."

"El mercado de cine ha hecho que se profundice en las categorías..."

Federico Durán y Devis Cortés (Cinemateca Sala Alterna)

Charla organizada por Cinemateca Alterna en la Universidad Nacional, como parte de la presentación de la película colombiana Alias Marias, dirigida por José Luis Rugeles; en esta ocasión el invitado fue el productor Federico Durán, socio y amigo de Rugeles, con el que había trabajado en su anterior obra, y en otros productos audiovisuales. Durán, que ha producido varios largometrajes colombiano como El Páramo, en esta oportunidad se puso en la tarea de llevar a la pantalla esta película sobre los niños en el conflicto armado.

La charla se centró en cómo se hizo la producción, los talleres que se llevaron a cabo en la comunidad donde se hizo el rodaje, las complejidades del lugar, el encuentro con la actriz que hizo de Maria, y muchos de los conceptos frente a los retos de producción, selección de los actores naturales, la distribución y problemas de exhibición, tanto por un público renuente a estos temas y de las salas por cuestiones económicas.

Las tetas de mi madre: Edipo callejero

                                         "matará a su padre y se casará con su madre"
                                                                  El oráculo de Delfos a Layo

Las tetas de mi madre es la segunda película del director bogotano Carlos Zapata, que además de su selección en el festival de Guadalajara, también ha tenido cierta repercusión por su censura en las salas de cine comercial, dando pie a qué fuera estrenada en las salas alternas, como el Cineclub de la Universidad Central, donde tuve la oportunidad de ver este largometraje con tintes de tragedia griega en las zonas marginales de Bogotá, el desamparo infantil y el hip-hop como fondo musical. Zapata, graduado de Medios Audiovisuales del Politécnico Grancolombiano (mi alma máter), se ha destacado por la independencia de sus producciones, estilo urbano y una cruda puesta en escena. Guionista, productor y editor de sus dos largometrajes, este joven realizador, se va haciendo un campo en la "floreciente" muestra de cine nacional donde ha ganado diversos premios. 

Martín, un niño que quiere llevar a su madre a Disneyworld, trabaja como repartidor de pizzas recorriendo en bicicleta los sitios más peligrosos de la ciudad, un día, por error, al hacer un entrega en un búrdel, se dará cuenta que su madre es una de las bailarinas, el mundo de éste, no se derrumbará, sino que se dará cuenta, que el amor a su madre es lo más importante, aún por encima de la razón. El guión escrito por Zapata, con ciertos reflejos autobiográficos, es ante todo, una síntesis de la incomunicación moderna, el desprendimiento familiar y la realidad de una ciudad. La película que inicia con una pareja discutiendo sobre un hijo abortado, son los padres de Martín (papel interpretado por los gemelos Heins); la historia, que tendrá como fondo a una Bogotá deprimente, sucia y oscura, en la que los personajes que la habitan, parecen ser los mejores maestros para este niño, que sintetiza el síndrome de un Edipo callejero. La película va utilizar varios de los parámetros de esta tragedia acomodándolos a la realidad de barrios populares como la Perseverancia, Las Cruces o el "Bronx", y varios de los estereotipos de la violencia callejera y drama que se manifiestan en esta Bogotá ambarina, desasosegante y nocturna, como la plantea el director.

Con fotografía de Lucas Cristo, que logra imprimirle a la obra un contraste, no sólo técnico y artístico, sino conceptual, ya que éste logra diseñar un trabajo lumínico crudo, duro y realista - un poco afeando a Bogotá- pero a la vez cuidadoso en el encuadre y en el manejo de la luz, virando hacía un amarillo que hace mucho más fuerte los tonos nocturnos y el choque con esa realidad; es una dirección fotográfica arriesgada que puede pecar de "feísta" y documental en la tomas nocturnas (zonas más peligrosas de la ciudad), pero aún así sin perder la estética o el diseño conceptual de la misma; igualmente es loable el trabajo de cámara y las texturas que se forman a partir de los mismos encuadres.

El trabajo sonoro es bastante bueno, ya no sólo en la "recogida" de los audios o los directos sino en el diseño del mismo, que en este caso afecta al dramatismo de la obra, sin embargo, sí el sonido funciona por su mezcla entre lo real y lo superlativo - hay que escuchar el diseño sonoro que se hace en la parte donde Martín se "desdobla" o en las secuencias en exteriores-, la música - para mí- es un invitado que refuerza al miserabilismo y la tragedia , cayendo en lo obvio y desestabilizando la estructura de la obra; en resumidas cuentas, más que un fallo, la música del grupo de rap Crack Family, parece más bien una imposición de este grupo para que la película se sienta más urbana y social. Eso sí, se echa de menos un mejor diseño de producción, que sí bien no afecta al desarrollo de la obra, tampoco le aporta mayor cosa a ésta. Destacable el montaje a varias manos encabezado por Etiene Bousac y el mismo director, que se la juegan por una estructura lineal, progresiva pero muy bien definida en lo que se está contando.

Aunque las actuaciones de los gemelos Heins funcionan, el papel de "Cacharro" interpretado por Joseph Barrios, es inolvidable, y los adultos parecen encajar en el tono de la obra, realmente no se puede hablar de grandes actuaciones.

Si bien la película funciona en su estilo, tiene elementos artísticos y técnicos destacables, es su guión o la improbabilidad de éste - de varias secuencias- la que le resta bastante a la obra, que cae en lugares comunes, estereotipos, caminos ya trazados por el cine nacional, además se fuerza demasiado la relación Edipo + Bogotá + Rap, quitándole desarrollo al guión, sin embargo, a pesar de ésto, es la crudeza de la historia, algunos elementos de su arquitectura narrativa y sus toques de humor negro, los que hacen de la película, una reflexión entretenida sobre la incomunicación y el desapego de las familias modernas. Recomendable por su misma dureza, por sus mismos errores, y porque en definitiva, la censura es la mejor publicidad.

Zoom in: Premiada en Chile, Málaga y Monterrey, en le Festival de Cine de Santander, y estímulo de posproducción por pare del FDC.

Montaje Paralelo: Rodrigo D - Bogotá

Drácula: La versión en español

"En los primeros años del cine sonoro era común que los estudios rodasen varias versiones de sus películas además de la original en inglés de forma simultánea, aprovechando los mismos decorados."

En el año 2004 se editó una nueva versión de Drácula llamada The Legacy Collection, DVD que contenía la mítica película protagonizada por Bela Lugosi, una nueva banda sonora a cargo de Kronos Quartet, y la desconocida versión en español de la misma, una serie B en su sentido más estricto, hecha por la Universal, como un experimento para llegar a diversas latitudes utilizando los mismos decorados, producción y vestuario pero libres en crear otros procedimientos dentro de la narrativa, dando pie a esta obra protagonizada por españoles, un argentino y el director estadounidense George Melford, esbirro de esta productora que sin saber una "gota" de español realizó cuatro películas en este idioma, además de ser todo un artesano y conocedor de los trucos para producir películas económicas, rentables y que se veían técnicamente superiores, como pasó con esta versión, que para algunos es superior a la original - aunque la mayoría de comentarios fueran españoles-. Melford actor teatral y cinematográfico, que además de dirigir 130 películas para la Universal y la compañía Lasky, escribió guiones y produjo varias obras, que si bien no lo llevaron a las grandes ligas del cine, si fue un personaje importante para la cinematografía estadounidense, y un actor  de carácter realmente importante.

Esta adaptación de la novela de Bram Stocker es hecha por Baltasar Fernández Cue, que simplemente tomó la película en inglés y configuró además del idioma cierta coherencia de la que carecía la obra de Tod Browning, sin embargo, es un calco que tiene las mismas secuencias, inicio, desarrollo y final, con ciertas aportaciones de diálogos y una línea mucho más sexualizada que la película original. La historia ya conocida del Conde Drácula (Carlos Macías) que viaja a Inglaterra, instalándose en la abadía de Carfax, junto al sanatorio del doctor Seward, es allí donde Drácula se enamorará u obsesionará con la figura de Eva (Lupita Tovar), que caerá en el embrujo de este muerto en vida; sin embargo Van Helsing (Eduardo Arozamena) sospecha que Drácula es un vampiro y le dará caza junto al prometido de Eva. En forma paralela, veremos como Reinfield (Pablo Alvarez Rubio), un hombre que ha sido solicitado por Drácula, se convertirá en su esclavo y en el objeto de estudio del Doctor Seward y de Van Helsing.

Con una estructura lineal, que empieza con Reinfield llegando en la Noche de Walpurgis a las montañas de los Cárpatos y siendo advertido de los peligros del Conde Drácula, pasando por la llegada de éstos a Inglaterra, la muerte de los marineros en el barco que se transportaban, el encierro de Reinfield en el manicomio; el encuentro de Drácula con la joven Eva, su mejor amiga y prometido, y de ahí en adelante, un tour de force  entre el científico Van Helsing por descubrir la verdad sobre este personaje, la maldad que ha causado éste y recuperar a la joven Eva.

No me detendré demasiado en los aspectos técnicos, aunque eso sí, vale la pena destacar la fotografía de George Robinson, otro artista de la Universal, que con más de 180 películas en su haber en los más diversos géneros y estilos, fue un verdadero precursor del cine fantástico y de cine serie B, que encontraba en la luz, sombras y otros trucajes verdaderos recursos narrativos y de estilo. Igualmente, es notable el diseño de producción de Charles D. Hall, que enfatiza aún más en la estética "gótica", elegante y sombría. El gran traspié de esta película, es la interpretación de Carlos Macía,que falla al intentar emular el trabajo de Bela Lugosi, además que sus facciones están más cerca del humor, de la comedia, que al estilo de la obra, perdiendo credibilidad en su papel, igualmente los otros actores, más que creíbles o no, es que no parecen pertenecer al mundo de Drácula, y cabe recordar, que quien más destaca es Reinfield, que se termina robando el protagonismo de la película, por su superlativo papel del abogado y esbirro de Drácula.

Aunque debo decir que la película no me gustó, y que las mejoras técnicas de ésta, no superan al papel de Lugosi, o a la estética artesanal de la versión original si es destacable, lo que hay detrás de esta película o de esta experiencia que tuvo gran éxito en hispanoamérica, y que como medio de producción fue interesante, aunque no haya pasado de un mero ensayo. Interesante como curiosidad y dato histórico, pero que en definitiva no marca un gran hito dentro del universo "vampiresco", y que funciona como lo que es en este DVD, un extra de lujo.

Zoom in: Esta versión es mucho más larga que la original, la cual no fue estrenada en Latinoamérica.

El único miembro del equipo que podía ver lo rodado era el protagonista Carlos Villarías, con la intención de que se acerca lo más posible a la interpretación que hacía Béla Lugosi de Drácula.

Montaje Paralelo: Drácula(s) 

El día que la tierra de detuvo: Pacifismo vehemente

!Klaatu barada nikto¡

Robert Wise fue uno de esos artesanos del cine que destacó no sólo por sus cuidadas películas de género o entrañables obras de serie B, sino por sus coherentes y logradas puestas en escena con pocos recursos pero de gran habilidad narrativa que lo llevaron a ganar diversos premios de la Academia - entre otros festivales-, igualmente, sus producciones hacen parte del acervo cultural cinematográfico mundial y popular de los Estados Unidos. Este cineasta nacido en Indiana, que desde muy joven estuvo involucrado en el mundo del cine trabajando para la RKO, que tuvo la oportunidad de hacer el montaje de Ciudadano Kane de Orson Welles, por el que fue nominado a los Oscar, y que su debut como director, fue una especie de azar al reemplazar a Gunther von Fritsch, además de hacer parte de la secuela de una película de culto como lo fue La venganza de la mujer pantera.

Wise conocido por su West side Story o por La Novicia Rebelde, tuvo en la Ciencia Ficción de los años 50, su mayor reconocimiento tanto en critica como en el mensaje de sus obras, que tenían un profundo análisis de la época y sentido pacifismo, que podemos ver en El día que la tierra de detuvo, película de culto de la ciencia ficción y un gran referente de esa década marcada por el Mccarthismo y un mundo que vivía la Guerra Fría, y obviamente la película a reseñar.

Adaptación del relato corto El amo ha muerto de Harry Bates escrito por el guionista estadounidense Edmund H. North (ganador de un Oscar por Patton), a quien se le atribuye la famosa frase de esta película !Klaatu barada nikto¡ además del pacifista/sentencioso discurso final; con el contexto de la Guerra Fría como fondo, esta obra toma todas estas repercusiones militaristas y destructivas que estaban planificando, tomando como partido no sólo el pacifismo como su estructura narrativa sino una sentencia que parecía ser ajena a ese momento, que la humanidad y radicalismos políticos podían acabar el mundo. Y eso es lo que tanto director como guionista ponen en escena en el Washington de los años cincuenta, donde el ejercito y la Fuerza aérea descubren la llegada de un OVNI que desplaza velozmente hacía la Tierra; el aterrizaje de ésta en medio de un parque, llevará al pánico a los ciudadanos y a las armas a los soldados; en el momento que surge de esta nave una figura antropomorfa seguida de un robot de 3 metros, uno de los soldados disparará por error y herirá al humanoide llamado Klaatu (Michael Rennie), y el robot Gort (Lock Martin), mostrará parte de su poder; Klaatu será llevado a un hospital cercano, y los minuciosos exámenes mostrarán que su organismo es como el de los humanos pero que envejece con mayor lentitud y sana mucho más rápido de lo que puede explicar la ciencia. El extraterrestre escapará, se mezclará con los humanos, ahora como Mr. Carpenter, para encontrar la razón que no ve en los líderes mundiales, su amistad con el pequeño Bobby (Billy Gray) y la madre de éste, le darán otro punto de vista a este personaje, que visibilizará los peligros de la creciente manufactura de armas nucleares con el profesor Barhhardt (Sam Jaffe), quien no sólo entenderá las razones de los peligros, sino la capacidad y misión que tiene el extraterrestre junto al robot Gort.

El recorrido de Mr. Carpenter por la democracia estadounidense, la amistad que le ofrece la señora Benson y su hijo,  la inteligencia del profesor y los iconos de la libertad se convertirán en los lazos de respeto que utilizará el extraterrestre para evitar la destrucción del planeta; con cierta manifestación cristiana pero a la vez crítica con la paranoia que se vivió en esos años, hacen bastante sólido el guión estos elementos y la estructura del mismo, que en cierta forma es elíptico y trazado por el gran discurso al final de la obra.

Con la fotografía de Leo Tover, que fiel a la serie B y el bajo presupuesto, se concentra en los puntos más importantes para generar una solidez fotográfica en los espacio abiertos, y jugar con la luz en los espacios cerrados, emulando un poco al expresionismo alemán con la apariencia del robot cuando intenta atacar a la mujer; o cómo manifiesta la luz en los espacios internos de la nave, o las tomas nocturnas cuando el extraterrestre es "asesinado", que perfectamente podrían pertenecer a una secuencia de cine noir, Tover más que crear un diseño lumínico específico, crea diversas atmósferas que terminan funcionando técnica y artísticamente, y ante todo, manteniendo la calidad de una película de un presupuesto bastante limitado. Otro punto a favor es la música Bernard Hermann, compositor especializado en el área cinematográfica, y mano derecha de Hitchcock en varias de sus obras; Hermann, crea a partir de los sonidos del Theremin, del dramatismo de los instrumentos y cierta armonía de las cuerdas, toda una representación fantástica de un encuentro con un hombre de otro planeta; en definitiva, una banda sonora que logra crear la tensión y el suspenso propio de la obra, pero con la credibilidad del universo sci-fi .

Si bien es cierto que los efectos especiales, maquetas, el mismo diseño del robot, han envejecido, y se nota lo naif de ciertas construcciones, igualmente es bastante destacable el diseño de la nave, tanto externa como internamente, y ciertos componentes gráficos, que obviamente han caducado con el paso de los años, tienen aún un valor de interés dentro de la propia artesanía cinematográfica.

Aunque uno puede encontrar un poco débiles las actuaciones de Rennie o de los personajes secundarios, los diálogos, la concepción misma de la obra ayuda a que sea menos notable estas imperfecciones, que no le restan a esos inolvidables fotogramas, que han hecho de esta obra una figura clave de la cultura popular de la ciencia ficción y un poco de lo friki, pero que tienen una validez como discurso, de una época que encontró en el cine esa respuesta a tales complejidades. Obviamente, el gran protagonista es Michael Rennie, una figura entre el Jesús cristiano - por algo toma el apellido de Carpenter (carpintero)-, con una palabra de cambio y la resurrección, y obviamente un discurso vehemente contra la guerra configurado en un hombre venido del cielo (estrellas); tal vez sea esa mezcla y su amable rostro, los que no encajen en su misma actuación, que sin dejar de ser creíble, no es tan funcional con la atmósfera de la obra. 

Como varias películas de los años 50, que trazaron una brecha entre los efectos especiales, el discurso "existencial" de lo que estaban viviendo o habían vivido y una respuesta a las complejidades político-sociales de los Estados Unidos, ésta obra es posiblemente una de las más importantes y recordadas por el gran engranaje de estas características, consolidadas en un aparente cine de entretenimiento pero que tenía de fondo un riguroso mensaje de cambio, evitando los peligros de lo nuclear en sus diversas manifestaciones, y en este caso una destructiva guerra. Como anotaba más arriba, si bien es una película que ha envejecido con poca fortuna en sus efectos especiales y otras características visuales, es la coherencia narrativa, el discurso final y el vehemente mensaje donde muestra a la humanidad como una incoherente raza que se pelea por unos intereses maniqueístas, y que en su mismo afán de encontrar buenos y malos se pueden estar destruyendo; por tales razones se ha convertido en una obra capital no sólo de la ciencia ficción sino del cine mundial y ante todo una " figura cultural" del entendimiento entre los pares. Una de esa películas vitales para entender la historia del cine, la situación que se estaba viviendo y la capacidad misma del lenguaje audiovisual. 

Zoom in: Para las escenas en las que tiene que llevar a Klaatu en brazos, se tuvo que preparar unos muñecos a escala y ligeros, ya que Martin no podía con el peso de Michael Rennie. Martin tuvo también problemas con el traje. Éste no tenía respiración, por lo que no podía permanecer mucho tiempo dentro. Además se tuvo que construir dos versiones, una con la cremallera detrás, para los planos de frente y otro con la cremallera delante para los planos de espaldas, lo que suponía también cortar el plano cada vez que Gort cambiaba de posición. Para los primeros planos del robot disparando desde la abertura de su casco se construyó una cabeza postiza con unas bombillas especiales en su interior que simulaban ser lásers. (1)

The Day the Earth Stood Still fue galardonada con el premio Globo de Oro 1952 a la mejor película promotora del entendimiento internacional. Está preservada en el Registro Nacional de Filmes (National Film Registry) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada "cultural, histórica, o estéticamente significativa". (2)

Montaje Paralelo: El increíble hombre menguante (1957) - Sci Fi de los 50

(1) http://www.adivinaquienvienealcine.com/2010/08/ultimatum-la-tierra-el-dia-que-la.html

(2)https://es.wikipedia.org/wiki/The_Day_the_Earth_Stood_Still_(pel%C3%ADcula_de_1951)

Los leones de la Metro-Goldwyn-Mayer

"Leo es el nombre con el que Howard Dietz bautizó a la imagen de la productora Metro Goldwyn Mayer. Howard, que era el director de publicidad de la Goldwyn Pictures, diseñó el logo en 1916, inspirado en el logotipo de la Universidad de Columbia titulado Roar, Lion, Roar ("Ruge, León, Ruge"), eslogan que se grita cuando el equipo de fútbol de la universidad consigue marcar. En 1924, Goldwyn se unió a Metro y a Louis B. Mayer y el león se convirtió en el símbolo del nuevo estudio. 

La imagen incluye el nombre de la empresa y su lema en latín: Ars Gratia Artis que significa -arte por el arte mismo-" (1)

Aunque a todos los leones de la Metro se les conoció popularmente como Leo el león, su papel lo han interpretado varios leones, en realidad cinco leones, presentes a continuación.

Slats

De cuyo origen no existen datos muy precisos, pues mientras unos decían que provenía de Sudán, otros que había nacido dentro del zoológico de Dublín, lo que si es cierto, es que fue adiestrado por el especialista Volney Phifer, un famoso domador de animales de Hollywood, y que Slats representó a la Metro entre 1924 y 1928 y nunca llegó a rugir en pantalla, era la época del cine mudo. (2)

Jackie

Físicamente muy parecido a Slats y tuvo el honor de ser el primero cuyos rugidos pudieron ser oídos por los espectadores de las películas, vía gramófono claro.

Tristemente, y como ocurre con una gran mayoría de estrellas hollywoodienses, a la vejez fue olvidado y finalizó sus días en un triste hospicio para animales en 1936 siendo enterrado en Long Hill, a unos 45 kilómetros de Nueva York . 

Tanner

Este fue el primer león que además de aparecer en technicolor, rugía 4 veces. Trabajó durante la época dorada del cine, de 1934 a 1956.

Su entrenador fue Mel Koontz.

La apariciones de Tanner y Jackie fueron alternadas, la imagen de Jackie se utilizaba para todos los filmes en blanco y negro y la de Tanner para las de color.

George

Fue el cuarto león oficial, y solo trabajó un par de años :De 1956 a 1958. Existen dos versiones de este logo, una con el rugido del león a la derecha de la pantalla y a continuación rugiendo hacia la cámara. Existe también una variante de este logo en color azul con unas alas de águila en la parte de abajo del círculo. La imagen de George fue utilizada en conjunto con la imagen actual. Aunque su nombre era George, mucha gente se refiere a él también como "Bob" o "Jackie II".

Leo

Desde 1958 hasta el día de hoy, Leo es la imágen de la El quinto y último león fue entrenado por Ralph Helfer, utilizó un sistema de entrenamiento muy alejada de los métodos que utilizaban los domadores convencionales: No usaba látigos y lo trataba con amor, compresión y respeto. Este es el logo que ha permanecido durante más tiempo y que más modificaciones ha sufrido. Leo fue el león con la melena más corta de todos los leones y su rugido se remasterizó, se agregó una máscara de teatro en color dorado a los elementos que el logo ya tenía; además de que existe una versión extendida del mismo en el que el león ruge 3 veces." (3)

(1) http://www.entreelcaosyelorden.com/2013/07/la-historia-de-los-5-leones-de-la-metro.html

(2)http://misterios.co/2010/12/03/slats-la-curiosa-historia-del-leon-de-la-metro/
(3) http://www.entreelcaosyelorden.com/2013/07/la-historia-de-los-5-leones-de-la-metro.html - para George , Tanner y Leo- 

Poemas de William Blake en el cine*

Ver a un Mundo en un Grano de Arena

Y un Cielo en una Flor Silvestre:

Toma la Infinitud en la palma de tu mano

Y la Eternidad en una hora.

Un Petirrojo en una Jaula

Ocasiona Furia en todo el Cielo.

El encerramiento de palomas y Pichones

Retumba al Infierno por todas sus regiones.

Un perro hambriento en la Puerta de su Amo

Predice la ruina del Estado.

Un Caballo al que se abusa sobre el Camino

Pide al Cielo Sangre Humana.

Cada clamor del cazado Conejo

Arranca una fibra del Cerebro.

Una Alondra herida en el Ala,

Un querubín cesa de cantar.

El Gallo preparado para la pelea

aterroriza al Sol poniente.

Cada aullido del Lobo y el León

Levanta del Infierno a un Alma Humana.

El venado salvaje vagando aquí y allá

Aleja al Alma Humana del cuidado.

El Cordero abusado engendra Malestar Público

Y sin embargo perdona al Carnicero y su Cuchillo.

El Murciélago que vuela en la cercanía de Eva

Ha salido del Cerebro que no Cree.

El Búho que llama a la Noche

Expresa el temor del Incrédulo.

Aquel que lastime al pequeño Abadejo

Nunca será amado por los hombres.

Aquel que ha irritado a la Res

Nunca será amado por la mujer.

El cruel Muchacho que mata a la Mosca

Será aborrecido por la Araña.

Aquel que atormente el espíritu del Abejorro

Teje un escondrijo en la Noche interminable.

La Oruga en la Hoja

Os repite la pena de vuestra Madre.

No mates a la Polilla ni a la Mariposa

Pues el Juicio Final acercarás.

Aquel que entrene al Caballo para la Guerra

Nunca pasará la Franja Polar.

El Perro del mendigo y el Gato de la Viuda:

Aliméntalos y embarnecerás.

El Mosquito que hace sonar su canción de Verano

Veneno obtiene de la lengua de la Infamia.

El Veneno de la Víbora y la Salamandra

Es la ambrosía del Pie de la Envidia.

El Veneno de la Abeja

Son los Celos del Artista.

Las Túnicas del Príncipe y las Garras del Mendigo

Son Malos Hongos en las Bolsas del Avaro.

Una Verdad dicha con malas intenciones

Es peor que todas las mentiras juntas que puedas inventar.

Está bien que sea así:

El Hombre fue creado para el Júbilo y la Aflicción

Y cuando sabemos esto rectamente,

Es seguro nuestro paso por el Mundo.

El Júbilo y la Aflicción están finamente tejidas

Siendo para el Alma Divina un Atuendo.

Bajo cada pena y cada padecimiento

Corre un júbilo de hilo de seda.

La Criatura es más que Envolturas

A través de todas Tierras Humanas.

Las Herramientas fueran hechas y Nacidas fueron las Manos,

Un granjero entiende esto.

Cada Lágrima de Cada Ojo

Se convierte en una Criatura en la Eternidad.

Esto es atrapado por el Brillo Femenino

Y retornado para su propio regocijo.

El Balido, el Ladrido, el Bramido y el Rugido

Son Olas que golpean la orilla del Cielo.

La Criatura que solloza sobre el Cetro

Inscribe Venganza en los reinos de la Muerte.

Las garras del Mendigo, bamboleándose en el aire,

desgarran a los Cielos.

El Soldado, armando con Espada y Pistola,

Paralizado hiere el Sol del Verano.

El Pedo del Pobre vale más

Que todo el Oro de la Costa africana.

Una Moneda acuñada por las manos del Labrador

Comprará y Venderá las Tierras del Avaro,

O si se le protege desde arriba

Puede comprar y vender toda la Nación.

Aquel que se burla de la Fe infantil

Será burlado en la Vejez y en la Muerte.

Aquel que enseñe al Niño a Dudar

De la Tumba putrefacta nunca saldrá.

Aquel que respeta la Fe infantil

Triunfa sobre el Infierno y la Muerte.

Los Juguetes del Niño y las Razones del Viejo

Son los frutos de las dos estaciones.

El inquisidor que toma asiento tan sagaz

Nunca sabrá cómo replicar;

Aquel que replique a palabras de Duda

Apaga la Luz del Conocimiento.

El más fuerte Veneno conocido

provino de la Corona de Laurel del César.Nada puede deformar la Raza HumanaComo a la Armadura la abrazadera de metal.

Cuando el Oro y las Gemas adornen el Arado

A Artes pacíficas la Envidia honrará.

Un Acertijo o el cántico del grillo

Es a la Duda una buena Réplica.

La pulgada de la Hormiga y la milla del Águila

Hacen que la Filosofía burda sonría.

Aquel que Duda de lo que ve

Nunca creerá, que haga lo que quiera.

Si el Sol y la Luna dudasen,

Inmediatamente se apagarían.

Para estar en una Pasión puede que hagas el Bien,

Pero no hay nada qué hacer si una Pasión está en ti.

La Prostituta y el Apostador, licenciados

por el Estado, forjan el destino de esa Nación.

El grito de calle a calle de la Meretriz

Tejerá el manto mortuorio.

El Grito del Ganador, la Maldición del Perdedor,

Bailan ante la carroza fúnebre de Inglaterra.

Cada Noche y cada Mañana

Algunos nacen para la Miseria.

Cada Noche y cada Mañana

Algunos nacen para la dulce delicia.

Algunos nacen para la dulce delicia,

Algunos nacen para la Noche Interminable.

Somos conducidos a creer una Mentira

Cuando no vemos por el Ojo,

Aquello que nació en una Noche para morir en una Noche,

Cuando el Alma durmió en un rayo de Luz.

Dios aparece y Dios es Luz

Para aquellas pobres Almas que viven en la Noche,

Pero despliega una Forma Humana

Para aquellos que viven en los reinos del Día.

              William Blake. Augurios de Inocencia

"Fiery the Angels rose, & as they rose deep thunder roll’d

Around their shores: indignant burning with the fires of Orc

And Bostons Angel cried aloud as they flew thro’ the dark night.

He cried: Why trembles honesty and like a murderer,

Why seeks he refuge from the frowns of his immortal station!

Must the generous tremble & leave his joy, to the idle: to the pestilence!

That mock him? who commanded this? what God? what Angel"

                                                                                           América: una profecía

   Broken Love

‘Let us agree to give up love, 

And root up the Infernal Grove; 

Then shall we return and see 

The worlds of happy Eternity. 

‘And throughout all Eternity

. 

I forgive you, you forgive me.

As our dear Redeemer said: 

“This the Wine, and this the Bread.”’ 

"Dejemos atrás el amor 

Y arranquemos de raíz la infernal arboleda, 

Luego regresemos y veremos 

Mundos de una feliz eternidad 

Y por la eternidad 

Te perdono, me perdonas, 

Como dijo nuestro Redentor: 

"Este es el Vino, este el Pan"

*Películas

1. Dead Man de Jim Jarmush

2. Blade Runner de Ridley Scott

3. The heart of me de Thadeus o´Sullivan